Je vous parle chaque année de ce festival ... à l'image de son affiche et sa de bande-annonce, joyeusement irrévérencieux et saupoudré d’un humour « so british ». Pour sa convivialité, la diversité et la qualité de sa programmation mais aussi pour les réminiscences qu'il provoque, je l'affectionne en effet tout particulièrement à tel point que s’y déroule une nouvelle de mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma « Les illusions parallèles », publié aux Editions du 38 le 22 août, disponible dans toutes les librairies à la commande et notamment à la librairie Nouvelles Impressions de Dinard-où j'aurai le grand plaisir de dédicacer pendant le festival, le samedi 2 octobre 2016 de 14H30 à 16H30, je vous y attends!-) et auquel j’essaie d’assister chaque année ou presque depuis ma participation à son jury en 1999 (sélectionné par Ouest-France sur concours d’écriture de lettre de motivation ayant pour thème évidemment… le cinéma britannique), alors sous la présidence de la très chaleureuse et talentueuse Jane Birkin. Cliquez ici pour lire l'article de la librairie à ce sujet.

Après une édition 2015 du Festival du Film Britannique de Dinard particulièrement réussie (mon compte rendu, ici), cette 27ème édition à suivre et vivre du 28 septembre au 2 octobre 2016 s’annonce toujours aussi riche et conviviale avec une programmation exceptionnelle, le tout dans un cadre sublime. Alors que d'autres festivals déclinent, il me semble que Dinard, d'années en années, prend davantage d'ampleur et surtout qu'il prend en considération les souhaits de son public, toujours au rendez-vous. Comme chaque année, vous pourrez me suivre en direct du festival, de l'ouverture à la clôture (sur twitter: @moodforcinema et sur Instagram: @sandra_meziere ) et vous pourrez bien entendu retrouver mon compte rendu détaillé après le festival sur Inthemoodforcinema.com et Inthemoodforfilmfestivals.com.

Parmi les multiples atouts de cette programmation  2016: un jury présidé par  Claude Lelouch (qui donnera d'ailleurs une masterclasse à ne manquer sous aucun prétexte, pour avoir eu le privilège de l'entendre plusieurs fois, ce sont toujours des moments magiques -je vous recommande au passage le documentaire "D'un film à l'autre": une histoire de Claude Lelouch-), un hommage à Kate Dickie et Gary Lewis avec qui vous pourrez également échanger, une compétition qui promet d'être comme chaque année déroutante, étonnante, palpitante (à en lire les résumés des films qui tous sans exception me donnent particulièrement envie de les découvrir, je peux d'ores et déjà vous recommander "Sing street", un feel good movie qui était également en compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville où il a reçu une véritable standing ovation, un film réalisé par John Carney qui avait tant ému les festivaliers à Dinard avec "Once"), des avant-premières de films très attendus (il me semble que là aussi elles sont chaque année plus nombreuses et prestigieuses) avec notamment la palme d'or du Festival de Cannes 2016 signée Ken Loach, un film bouleversant dont vous pourrez retrouver ma critique ci-dessous, la masterclasse du plus célèbre des cascadeurs Rémy Julienne (qui a d'ailleurs souvent travaillé avec Claude Lelouch), sans oublier une formidable nouveauté de cette édition, une compétition de courts-métrages que devra départager un jury présidé par Marianne Denicourt. Et en ouverture « Whisky Galore » de Gillies Mackinnon  et en film de Gala « Finding Altamira » de Hugh Hudson  notamment avec Antonio Banderas.

LE PROGRAMME ET LES DEUX JURYS EN DETAILS:-

-Claude Lelouch  présidera donc le jury des longs-métrages (retrouvez en bonus ci-dessous ma critique de son magnifique dernier film, UN + UNE ) et cela nous promet d’ores et déjà de beaux moments d’émotion surtout qu'il donnera une masterclasse  qui prendra la forme d’une conversation avec le passionné directeur du festival, Hussam Hindi, un dialogue qui sera  alimenté  par des extraits de films, des anecdotes, des souvenirs. A ne pas manquer donc, le dimanche.

Photo ci-dessus prise au dernier Festival du Film de Cabourg

Claude Lelouch sera entouré des personnalités suivantes:

- Vous pourrez découvrir les films en compétition  qui sont toujours de qualité et permettent de déceler les grands cinéastes d’aujourd’hui et de demain, cette année 6 films en compétition pour le Hitchcock d’Or, qui reflètent " étrangement l’incertitude d’une jeune génération se questionnant sur son avenir, depuis le vote pour la sortie du Royaume-Uni de l’Union Européenne."

AWAY

RÉALISATEUR :  David Blair SCÉNARISTE :  Roger Hadfield PRODUCTEURS : Michael Knowles Terry Stone Richard Turner INTERPRÈTES :  Juno Temple,  Timothy Spall,  Matt Ryan,  Susan Lynch, Terry Stone, Hayley Squires, Joanna Roth

Alors que tout semble pourtant les séparer, Joseph et Ria se lient d’une improbable amitié. Les deux personnages à la dérive devinent en l’autre la possibilité d’une vie meilleure...

Une histoire d’amour, de deuil et d’espérance dans l’univers féérique de Blackpool.

CHUBBY FUNNY

RÉALISATEUR  ET SCÉNARISTE :  Harry Michell PRODUCTRICE : Helen Simmons INTERPRÈTES :  Harry Michell, Augustus Prew, Isabella Laughland, Alice Lowe,  Anna Maxwell Martin

Oscar est sûr d’avoir du talent. Il se trompe. Il pense que rien n’est jamais sa faute. Là encore, il se trompe. Fraîchement installé à Londres pour percer dans le milieu du spectacle, il est vite rattrapé par les mêmes problématiques : les copains, le sexe et la quête d’un épanouissement absolu... Pas simple d’être dans la peau du petit gros marrant...

MOON DOGS           

RÉALISATEUR : Philip John   SCÉNARISTES :  Derek Boyle,  Raymond Friel PRODUCTRICE : Kathy Speirs INTERPRÈTES :  Tara Lee, Christy O’Donnell, Jack Parry-Jones

Michael et son beau-frère Thor, un musicien de génie, vivent sur une petite île des Shetlands perdue au nord de l’Ecosse. Sans autre point commun que le mariage de leur parent respectif, les deux garçons se parlent à peine. Par la faute de Thor, Michael voit partir en fumée son projet d’aller à l’université avec sa petite amie Lucy; ils se lancent alors dans un road-trip effréné qui mettra à mal leur relation déjà tendue. En route vers Glasgow, ils rencontrent Caitlin, une jeune femme libre et singulière qui rêve d’être chanteuse...

PREVENGE

RÉALISATRICE  ET SCÉNARISTE :  Alice Lowe PRODUCTEURS : Jennifer Handorf, Will Kane, Vaughan Sivell INTERPRÈTES :  Jo Hartley,  Kate Dickie,  Alice Lowe,  Gemma Whelan,  Tom Davis, Marc Bessant

Ruth est enceinte... et une tueuse en série aussi absurde que vicieuse !

Elle se glisse dans la peau de différents personnages pour mieux gagner la confiance de ses victimes issues de tous les milieux, avant de les condamner à une mort qui les punira de leur égoïsme.

Toutefois, dans sa folie, Ruth reste méthodique : le père de son enfant est décédé, et c’est son fœtus qui lui intime de s’en prendre à la Terre entière.

Dans cette aventure, Ruth a pour unique confidente une sage-femme bienveillante qui l’incite à faire table rase du passé afin d’endosser le rôle de mère aimante et épanouie que la société attend d’elle.

Aux prises avec sa conscience, sa solitude et un foetus TRÈS exigeant, Ruth peut-elle, en devenant mère, se racheter, ou court-elle à sa perte ?

SING STREET

RÉALISATEUR  ET SCÉNARISTE :  John Carney PRODUCTEURS : Anthony Bregman, Raj Brinder Singh, John Carney, Christian Grass, Martina Niland, Kevin Scott Frakes, Paul Trijbits INTERPRÈTES :  Lucy Boynton, Ferdia Walsh-Peelo,

Dublin, années 80. La pop, le rock, le métal, la new wave passent en boucle sur les lecteurs K7, vibrent dans les écouteurs des walkmans et le rendezvous hebdomadaire devant « Top of the Pops » est incontournable.

Conor, un lycéen dont les parents sont au bord du divorce, est obligé à contrecœur de rejoindre les bancs de l’école publique dont les règles d’éducation diffèrent de celles de l’école privée qu’il avait l’habitude de fréquenter. Il se retrouve au milieu d’élèves turbulents qui le malmènent et de professeurs exigeants qui lui font rapidement comprendre qu’en tant que petit nouveau, il va devoir filer doux. Afin de s’échapper de cet univers violent, il n’a qu’un objectif : impressionner la plus jolie fille du quartier, la mystérieuse Raphina. Il décide alors de monter un groupe et de se lancer dans la musique, univers dans lequel il ne connaît rien, ni personne, à part les vinyles de sa chambre d’adolescent. Afin de la conquérir, il lui propose de jouer dans son futur clip.

THE BEAUTIFUL FANTASTIC

RÉALISATEURS : Simon Aboud, Christine Alderson SCÉNARISTE :   Simon Aboud   INTERPRÈTES : Jessica Brown Findlay, Tom Wilkinson, Jeremy Irvine, Andrew Scott DISTRIBUTEUR : L’Atelier d’images

Bella

Bella Brown, jeune femme pétillante, rêve d’écrire un succès de la littérature enfantine. La vie n’est pas tendre avec elle : enfance malheureuse, ambitions contrariées et une boss infecte. Bella est touchée mais pas coulée...

Atteinte d’une véritable phobie pour la faune et la flore, elle se voit menacer d’expulsion si elle ne s’occupe pas de son jardin, devenu une véritable jungle. C’est alors qu’elle fait la connaissance de son riche voisin Alfie Stephenson, un terrible grincheux qui s’avère être également un horticulteur hors-pair.

DES RENCONTRES ET DES HOMMAGES

-Rebecca O'Brien, productrice et complice de Ken Loach, est la marraine du Festival cette année. Elle participera à une table ronde sur l'avenir du cinéma britannique suite au Brexit !

-Deux comédiens incontournables du cinéma d’outre-Manche seront honorés. Kate Dickie et Gary Lewis, déjà lauréats du Hitchcock d’Or ( Couple in a Hole pour la première, Petits meurtres entre amis et Billy Elliot pour le second). Ils nous présenteront les films les plus emblématiques de leur carrière:

• Orphans (1998) de Peter Mullan • Billy Elliot (2000), de Stephen Daldry • Valhalla Rising (2009), de Nicolas Winding Refn • Filth (2013), de Jon. S Baird (suivi d’une rencontre avec l’acteur) • Catch Me Daddy (2014), de Daniel Wolfe

• Red Road (2006), de Andrea Arnold (suivi d’une rencontre avec l’actrice) • For Those In Peril (2013), de Paul Wright • Couple In A Hole (2015), de Tom Geens • The Witch (2016), de Robert Eggers

Rencontre avec Kate Dickie

La rencontre aura lieu après la projection du film  Red Road (2006), de Andrea Arnold. Une occasion de parler avec l’actrice, de ce film qui a révélé la réalisatrice.

Rencontre avec Gary Lewis

Le papa de Billy Elliot (2000) a fait du chemin. On le retrouvera au festival après la projection de Filth  (en français Ordure ) (2013), de John Baird. Ce pur écossais nous parlera de ce film et plus largement de sa carrière.

SHORTCUTS

Marianne Denicourt, marraine du Festival en 2006, revient cette année présider le Jury de Shortcuts, compétition de courts-métrages, grande nouveauté de cette 27è édition et excellente initiative! Cette sélection d’environ 1h45 a "pour ambition de montrer la production britannique de l’année, dans toute sa diversité: fictions, documentaires, animation, live action, comédies, drames, thrillers… Une plongée dans l’univers audacieux et décalé du cinéma britannique. Version courte!" La compétition sera récompensée par un prix du public et un Hitchcock Shortcuts remis par le jury francobritannique.  Marianne Denicourt sera entourée des personnalités suivantes:

Voici les courts-métrages en lice:

Midnight Of My Life de Phil Davis (7’30’’) Fiction/Live action.

Perched de Liam Harris, (10’30’’) Fiction/Animation.

Groove Is In The Heart de Bijan Sheibani (6’) Fiction/Live action.

Balcony de Toby Fell-Holden (17’) Fiction/Live action. Ours de cristal, Berlinale 2016

Oh-Be-Joyful de Susan Jacobson (14’). Fiction/Live action. Best Comedy, London Short Film Festival 2016

Over de Jörn Threlfall (15’) Fiction/Live action

The Deal de Ewa Smyk (4’) Documentaire/Stop motion

Bilaadi de Saf Suleyman (20’30’’) Documentaire/Live action

Operator de Caroline Bartleet (6’) Fiction/Live action. Best Short Film, BAFTA 2016

Stutterer de Benjamin Cleary (13’) Fiction/Live action. Best Short Film, Oscar 2016

AVANT-PREMIERES

Comme chaque année, le festival proposera de prestigieuses avant-premières et il faut dire que cette année, les festivaliers seront particulièrement privilégiés de voir les films suivants parmi lesquels la palme d'or du Festival de Cannes:

« Moi, Daniel Blake » de Ken Loach y sera ainsi projeté en avant-première nationale, un mois avant sa sortie en salles en France! 10 ans après avoir déjà obtenu la palme d’or pour « Le vent se lève » , Ken Loach, ainsi, intégrait le cénacle des cinéastes ayant reçu deux palmes d’or : les Dardenne, Francis Ford Coppola, Shohei Imamura, Emir Kusturica, Michael Haneke.

Alors qu’il avait annoncé il y a deux ans, après « Jimmy’s hall » (en compétition officielle du Festival de Cannes 2014) qu’il ne tournerait plus, Ken Loach est donc revenu à Cannes et en est reparti avec la récompense suprême. Une évidence tant ce film capte et clame les absurdités cruelles et révoltantes d’un monde  et d’une administration qui broient l’individu, l’identité, la dignité comme celles de Daniel Blake (formidable Dave Johns), menuisier veuf, atteint d’une maladie cardiaque mais que l’administration ne considère pas comme suffisamment malade pour avoir droit à une pension d’invalidité. 

Le regard plein d’empathie, de compassion que porte Loach sur Daniel Blake, et celui plein de clairvoyance qu’il porte sur le monde qui l’entoure et plein de colère contre les injustices dont il est victime contribuent à cette  œuvre à la fois très personnelle et universelle.

Que Daniel Blake évoque sa femme décédée, que Ken Loach dessine les contours d’ une famille qui se reconstitue (Daniel Blake rencontre une jeune mère célibataire de deux enfants contrainte d’accepter un logement à 450 kms de sa ville natale pour ne pas être placée en famille d’accueil), son point de vue est toujours plein de tendresse sur ses personnages, teinté d’humour parfois aussi, et de révolte contre ces « décisionnaires » qui abusent de leur pouvoir, presque de vie et de mort, dans des bureaux qui ressemblent aux locaux labyrinthiques, grisâtres et déshumanisés  de « Playtime »  comme un écho à cette époque d’une modernité  aliénante, déshumanisante et parfois inhumaine que Tati savait déjà si bien tourner en dérision et envelopper dans un vaste manège.

« Moi, Daniel Blake », c’est l’histoire d’un homme qui veut rester maître de son existence, qui se réapproprie son identité et son honneur que cette administration étouffante essaie de lui nier, qui prend le pouvoir, celui de dire non, de clamer son patronyme, son existence, lors de deux scènes absolument bouleversantes. Le poing levé de Ken Loach  qui nous lance un uppercut en plein cœur, ce cœur qui (ce n’est sans doute pas un hasard que le mal se situe là)  lâche peu à peu Daniel Blake, lui qui en possède tant. 

« Moi, Daniel Blake » c’est un film qui donne la parole à tous ceux qu’un système inique veut murer dans le silence et leur détresse. « Moi, Daniel Blake »,  c’est la démonstration implacable de la férocité meurtrière d’un système, un film d’une force, d’une simplicité, d’une beauté, mais aussi d’une universalité redoutables et poignantes. Une palme d’or en forme de cri de colère, de douleur, et d’appel à l’humanité dont les lueurs traversent le film et nous transpercent le cœur, bien après les derniers battements de ceux de Daniel Blake.  « Dans cette période de désespoir il faut ramener de l’espoir. » «Un autre monde est possible et nécessaire » avait ainsi conclu Ken Loach avant de le répéter en Français, en recevant son prix à Cannes.

En avant-première également:

FILM D’OUVERTURE : Whisky Galore de Gillies Mackinnon (98’)

Avec James Cosmo, Ellie Kendrick, Sean Biggerstaff, Gregor Fisher, Naomi Battrick, Eddie Izzard… Les habitants de l’île isolée de Todday, dans l’archipel écossais des Hébrides, étaient plutôt épargnés par le rationnement imposé en tant de guerre. Jusqu’à ce que le whisky vienne à manquer ! Au beau milieu de cette tragédie, le naufrage du S.S. Cabinet Minister va toutefois changer la donne: dans ses cales, 50 000 caisses de whisky seront récupérées par les habitants de Todday qui déploieront des trésors d’ingéniosité pour les dissimuler, au grand dam des militaires britanniques en poste sur l’île.

FILM DE GALA : Finding Altamira de Hugh Hudson (97’)

Avec Antonio Banderas, Clément Sibony, Golshifteh Farahani, Rupert Everett… 1879, dans le nord de l’Espagne. La jeune Maria Sautuola et son père Marcelino, un archéologue amateur, font une découverte tout à fait extraordinaire: les premiers éléments d’art rupestre de l’histoire; des peintures extrêmement bien conservées et d’une grande précision représentant un galop de bisons. Mais la mère de Maria, la très pieuse Conchita, n’est pas seule à être perturbée par l’idée que des «sauvages» préhistoriques aient pu produire des œuvres aussi sublimes. En effet, l’Eglise catholique considère la possibilité d’une création artistique vieille de 10 000 ans comme une remise en question de la Bible par des mécréants. Véritable scandale, les scientifi ques de l’époque s’avèrent tout aussi dogmatiques et réactionnaires...

Bridget Jones Baby de Sharon Maguire

Avec Renee Zellweger, Colin Firth, Patrick Dempsey… Après avoir rompu avec Mark Darcy, Bridget se retrouve de nouveau célibataire, 40 ans passés, plus concentrée sur sa carrière et ses amis que sur sa vie amoureuse. Pour une fois tout est sous contrôle! Jusqu’à ce que Bridget fasse la rencontre de Jack... Puis retrouve Darcy... Puis découvre qu’elle est enceinte... Mais de qui ?

I, Daniel Blake / Moi, Daniel Blake de Ken Loach (100’) Avec Dave Johns, Hayley Squires… Pour la première fois de sa vie, Daniel Blake, un menuisier anglais de 59 ans, est contraint de faire appel à l’aide sociale à la suite de problèmes cardiaques. Mais bien que son médecin lui ait interdit de travailler, il se voit signifier l’obligation d’une recherche d’emploi sous peine de sanction. Au cours de ses rendez-vous réguliers au « job center », Daniel va croiser la route de Rachel, mère célibataire de deux enfants qui a été contrainte d’accepter un logement à 450 km de sa ville natale pour ne pas être placée en foyer d’accueil. Pris tous deux dans les filets des aberrations administratives de la Grande-Bretagne d’aujourd’hui, Daniel et Rachel vont tenter de s’entraider…

Adult Life Skills de Rachel Tunnard (97’) Avec Jodie Whittaker, Lorraine Ashbourn, Rachael Deering, Brett Goldstein… Anna est coincée: à presque 30 ans, elle vit dans la cabane au fond du jardin de sa mère et met en scène ses pouces dans des vidéos... Sa mère l’incite à se prendre en main et à adopter une coupe de cheveux qui fasse «moins garçon manqué» ; Anna, quant à elle, voudrait juste que sa mère lui FOUTE LA PAIX !

Brakes de Mercedes Grower (84’) Avec Julian Barratt, Kerry Campbell, Julia Davis, Noel Fielding, Kerry Fox… “Si vous saviez comment ça allait finir, est-ce que vous vous lanceriez?” Neuf couples. Neuf histoires mouvementées. Prenant comme point de départ leurs séparations, aussi absurdes que brutales, on revient en arrière jusqu’à l’instant de leurs premières amours. La ville de Londres, quant à elle, joue le rôle de l’entremetteuse dans ces histoires uniques. Et qui résonnent pourtant en chacun de nous… Coriolanus de Ralph Fiennes (123’) Avec Gerard Butler, Ralph Fiennes, Vanessa Redgrave… Les citoyens de Rome ont faim. Coriolanus, grand héros et soldat aux idées inflexibles, se présente aux élections consulaires mais méprise le peuple. Ses projets extrêmes déclenchent une sanglante révolte de masse. Manipulé et trahi par ses adversaires, Coriolanus part en exil. Banni par les siens, il s’allie alors à son ancien ennemi pour retourner à Rome et se venger. Detour de Christopher Smith (100’) Avec Emory Cohen, Tye Sheridan, Stephen Moyer, John Lynch, Bel Powley… Harper, un jeune étudiant, déteste son beau-père, responsable d’un accident qui a plongé sa mère dans le coma. Un soir, alors qu’il noie son chagrin dans l’alcool, il élabore un plan avec un voyou et une stripteaseuse pour l’assassiner. Le lendemain, à peine remis de sa cuite, Harper n’a pas le temps de se souvenir de sa rencontre qu’il se retrouve embarqué dans une virée vengeresse, contraint d’assumer ses choix.

Eat Local de Jason Flemyng (88’) Avec Charlie Cox, Mackenzie Crook, Tony Curran, Freema Agyeman,  Billy Cook… La réunion cinquantennale des vampires britanniques se tient dans une paisible maison de campagne. Bien malgré lui, Sebastian Crockett se retrouve au milieu de cette assemblée assoiffée de sang. Très vite, son rêve d’une nuit torride en compagnie de la délicieuse Vanessa, elle-même vampire, tourne à la lutte pour la survie. Mais le cauchemar de Sébastien ne fait que commencer puisqu’une troupe de chasseurs de vampires armés jusqu’aux dents s’invitent à la fête, résolus à en découdre.

Hi-Lo Joe de James Kermack (93’) Avec Gethin Anthony, Tom Bateman, Lizzie Philips… Joe Ridley est le roi de la fête; de toutes les fêtes, à vrai dire. Adoré de tous et, en apparence, amoureux de la vie, il mène une existence très «rock ‘n’ roll». Mais sous la surface, il est hanté par des pulsions destructrices. Un soir, son ex-petite amie Elly s’invite à une de ses fêtes. Toujours amoureux, ils reprennent leur relation là où ils l’avaient laissée. Mais les vieilles habitudes ont la peau dure, et même si Joe y met vraiment du sien, ses vieux démons ne tardent pas à revenir le hanter...

Love Is Thicker Than Water de Emily Harris & Ate de Jong (90’) Avec Ellie Kendrick, Lydia Wilson, Johnny Flynn, Juliet Stevenson… Elle est violoncelliste, issue d’une famille bourgeoise londonienne. Il est Gallois et livreur à vélo... Tout semble les séparer, et pourtant Vida et Arthur tombent amoureux fous. Mais leur idylle est sévèrement mise à l’épreuve quand vient le moment des présentations aux familles, car chacun doit faire face à un immense fossé social et culturel. À la fois sensible, touchant, décalé et tragique, Love Is Thicker Than Water porte un regard nouveau sur la façon dont les conflits familiaux peuvent remettre en cause les histoires d’amour. Un Roméo et Juliette d’aujourd’hui.

Stratton de Simon West (95’) Avec Dominic Cooper, Tyler Hoechlin, Tom Felton, Connie Nielsen… Stratton est un agent du Special Boat Service du MI6. Avec son co-équipier américain Marty, il s’infiltre dans un laboratoire iranien pour intercepter des armes bio-chimiques mortelles. Mais la mission tourne mal... De retour à la base, Stratton et son équipe se lancent dans une course contre la montre. Leur mission: débusquer la cellule terroriste internationale qui est en possession des armes chimiques volées et les détruire avant qu’elle ne puisse les utiliser.

The Hippopotamus de John Jencks (86’) Avec Roger Allam, Matthew Modine, Russell Tovey, Fiona Shaw… Afin de percer le mystère de certaines guérisons miraculeuses, Ted Wallace, poète déchu, est prié de se rendre au manoir de ses amis, le couple Logan ; leur fils de 15 ans aurait des dons de guérisseur qu’ils aimeraient faire connaître, sans toutefois comprendre les méthodes peu conventionnelles de leur enfant. Animé par une passion poétique pour la vérité, Ted va démystifier ces miracles et épargner ainsi au jeune homme une vie toute entière d’humiliations.

Tommy’s Honour de Jason Connery (112’)

Avec Jack Lowden, Peter Mullan, Sam Neill… 1866, à St. Andrews en Ecosse. «Old Tom» Morris, le greenkeeper du Royal & Ancient golf club est une légende locale. Le sport lui doit non seulement la norme internationale du 18 trous, mais également la création du premier championnat Open. Mais son fils Tommy ne tarde pas à lui voler la vedette: encore adolescent, il remporte l’Open et devient l’«élégant jeune homme» qui fait connaître le golf en devenant le premier joueur pro. Malgré leur passion commune, père et fils sont fréquemment en désaccord car ils n’ont pas la même approche des conventions sociales.

Tourner pour vivre de Philippe Azoulay (110’) J’ai retrouvé Tintin, il a plus de 77 ans, il fait du cinéma et court le monde à la recherche du sens de la vie. Dans la tête d’un créateur. Durant 3 ans nous partageons la vie d’un cinéaste et sa croyance en l’incroyable fertilité du chaos. Un voyage inédit, une aventure artistique, une expérience humaine et spirituelle avec Claude Lelouch.

Versus, The Life and Films of Ken Loach de Louise Osmond (96’) Versus est un film drôle, provocant et plein de révélations sur la vie et la carrière de Ken Loach, l’un des réalisateurs britanniques les plus célébrés et controversés. À l’aube de ses 80 ans, il revient sur son extraordinaire carrière, longue de cinquante ans.

War on Everyone de John Michael McDonagh (118’) Avec Michael Pena, Alexander Skarsgard, Tessa Thompson… Terry et Bob: plus durs que Starsky et Hutch, plus drôles que Laurel et Hardy et plus séduisants que Siegfried et Roy. Ces deux ripoux terrorisent le Nouveau Mexique jusqu’à ce que le hasard les conduise à Birdwell, gérant d’un club de strip-tease, et à son excentrique boss James Mangan, croisement inquiétant entre un gentleman et un junkie. Flairant le bon coup, ils décident de les faire chanter. Mais cette enquête va dépasser leurs pires cauchemars sous acides avec la découverte du terrible secret de Mangan. Dès lors, l’affaire va prendre une dimension personnelle et rédemptrice pour ces deux anti-héros, obligés de protéger les innocents et de servir enfin la justice.

You’re Ugly Too de Mark Noonan (79’) Avec Aiden Gillen, Lauren Kinsella... Will bénéficie d’une libération conditionnelle pour s’occuper de sa nièce Stacey, qui vient de perdre sa mère. Ensemble, ils cherchent à reconstruire un semblant de famille dans un coin de campagne irlandaise paisible. Mais la vie n’est pas tendre avec eux : Stacey est refusée à l’école car elle souffre depuis peu de narcolepsie ; quant à Will, il peine à respecter le couvre-feu imposé par son agent de probation, et s’avère être une bien piètre figure paternelle pour la petite fille...

Ajout de dernière minute: Acclamé à Toronto, le film "Lady Macbeth" rejoint la programmation : projection unique jeudi à 21h30 au Balneum.

SEANCE JEUNE PUBLIC - Monsieur Bout-de-bois (Stick Man) de Jeroen Jaspaert (43’) Monsieur Bout-de-Bois mène une vie paisible dans son arbre familial avec Madame Bout-de-Bois et leurs trois enfants. Lors de son footing matinal, il se fait attraper par un chien qui le prend pour un vulgaire bâton. Commence alors pour Monsieur Bout-de-Bois une série d’aventures qui l’entraîneront bien loin de chez lui...

-MASTERCLASSES

En plus de la Masterclasse de Claude Lelouch qui s'annonce passionnante:

Ken Adam, un décorateur et son métier

Ken Adam, disparu il y a quelques mois, était à la fois le décorateur de Stanley Kubrick et celui de James Bond. De la salle de guerre de Docteur Folamour , aux extérieurs de Barry Lyndon , en passant par la série des James Bond de Dr. No à Moonraker, le décorateur a eu une carrière impressionnante qui ne s’achèvera qu’en 2001 avec sa disparition à l’âge de quatre-vingts ans ! À partir de l’exemple de Ken Adam, et illustrée de nombreux exemples tirés de ses films, la masterclasse animée par Jean-Pierre Berthomé reviendra sur le rôle du décorateur dans la conception des films et sur la nature de son travail de collaboration avec producteurs et metteurs en scène.

Rémy Julienne, cascadeur au service de Sa Majesté

Tout le monde se souvient de cette 2 CV jaune poursuivie par des 504 noires et survolant une route de montagne dans Rien que pour vos yeux. Nous devons cette prouesse mécanique au cascadeur Rémy Julienne. Il fait ses débuts au cinéma en 1964 avec Fantomas, puis signera les cascades de tous les films interprétés par Louis de Funès. La religieuse du Gendarme à Saint-Tropez, c’est lui ! On le retrouve à la tête de toutes les spectaculaires scènes automobiles menées par Jean-Paul Belmondo – avec notamment la mythique poursuite du Casse dans les rues d’Athènes – ou des longs-métrages de Claude Lelouch. Mais le savoir-faire de cet ancien champion de moto-cross ne s’est pas arrêté à nos frontières : les Austin mini de L’or se barre avec Michael Caine lui permettront de collaborer pour la première fois avec les Britanniques. Suivront les chorégraphies automobiles de six James Bond de Rien que pour vos yeux en 1981 à Goldeneye en 1995. Rémy Julienne, en chair et en os, partagera ses secrets de tournage lors d’une masterclasse à toute allure !

INFORMATIONS PRATIQUES:

Retrouvez le Festival du Film Britannique de Dinard sur son site officiel, twitter, Facebook et Instagram.

Pour préparer au mieux votre séjour, retrouvez mes bonnes adresses à Dinard et Saint-Malo en cliquant ici.

Accueil pendant le festival

Palais des Arts et du Festival 2, boulevard Wilson - 35800 Dinard 02 99 88 19 04

Tarifs billetterie 6 euros / Billets en vente à l’unité à chaque séance

6 salles pour accueillir les festivaliers :

– Emeraude Cinémas Dinard - 2, boulevard Albert 1er (2 salles, 268 et 24 sièges) – Palais des arts et du festival - 2, boulevard Wilson (2 salles, 230 et 90 sièges) – Salle Stéphan bouttet - rue Sadi-Carnot (344 sièges) – Salle Hitchcock - rue Raphaël Veil (300 sièges)

Critique de UN + UNE de Claude Lelouch

En 1966, avec « Un homme et une femme », sa sublime histoire de la rencontre de deux solitudes blessées avec laquelle il a immortalisé Deauville, Claude Lelouch recevait la Palme d’or, l’Oscar du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi 42 récompenses … à 29 ans seulement ! Ce 45ème film de Claude Lelouch, presque cinquante ans plus tard raconte à nouveau l’histoire d’un homme et d’une femme et les années et les films qui séparent ces deux longs-métrages semblent n’avoir en rien entaché la fougue communicative, la réjouissante candeur, le regard enthousiaste, la curiosité malicieuse du cinéaste. Ni la fascination avec laquelle il regarde et révèle les acteurs. Les acteurs et la vie qu’il scrute et sublime. Bien que les critiques ne l’aient pas toujours épargné, il est en effet toujours resté fidèle à sa manière, singulière, de faire du cinéma, avec passion et sincérité, et fidélité, à la musique de Francis Lai, aux fragments de vérité, aux histoires d’amour éblouissantes, à sa vision romanesque de l’existence, à son amour inconditionnel du cinéma et de l’amour, à ses phrases récurrentes, à ses aphorismes, aux sentiments grandiloquents et à la beauté parfois terrible des hasards et coïncidences.

Claude Lelouch est né avec la Nouvelle Vague qui ne l’a jamais reconnu sans doute parce que lui-même n’avait «pas supporté que les auteurs de la Nouvelle Vague aient massacré Clouzot,   Morgan, Decoin, Gabin », tous ceux qui lui ont fait aimer le cinéma alors qu’il trouvait le cinéma de la Nouvelle Vague « ennuyeux ». Et tous ceux qui m’ont fait aimer le cinéma. Avec son film « Roman de gare », les critiques l’avaient enfin épargné, mais pour cela il avait fallu que le film soit au préalable signé d’un autre nom que le sien. Peu m’importe. Claude Lelouch aime la vie. Passionnément. Sous le regard fiévreux et aiguisé de sa caméra, elle palpite. Plus qu’ailleurs. Et ce nouveau film ne déroge pas à la règle.

Après Johnny Hallyday, Eddy Mitchell et Sandrine Bonnaire dans « Salaud, on t’aime », c’est un autre trio charismatique qui est à l’honneur dans ce nouveau film : Jean Dujardin, Elsa Zylberstein et Christophe Lambert (voire un quatuor avec Alice Pol). Son dernier film « Salaud, on t’aime » se rapprochait de « Itinéraire d’un enfant gâté », du moins en ce qu’il racontait l’histoire d’un homme à l’automne de sa vie, un autre « enfant gâté » passé à côté de l’essentiel et qui, contrairement au film précité, n’allait pas fuir sa famille mais tenter de la réunir. Ici, c’est finalement aussi d’un homme passé à côté non pas de sa vie mais de lui-même dont Lelouch nous raconte l’histoire, une histoire que j’attendais de découvrir depuis que j’avais vu cette affiche du film orner les murs de Cannes, lors du festival, en mai dernier.

La manière dont le film est né ressemble déjà à un scénario de film de Claude Lelouch. Jean Dujardin et Elsa Zylberstein ont ainsi plusieurs fois raconté sa genèse. Le hasard qu’affectionne tant Claude Lelouch les a réunis sur le même vol entre Paris et Los Angeles lors duquel ils ont parlé de cinéma pendant des heures et notamment d’un film de Claude Lelouch, « Un homme qui me plaît », qu’ils adorent tous les deux. L’histoire d’amour entre un compositeur incarné par Jean-Paul Belmondo et une actrice incarnée par Annie Girardot qui tombent amoureux à l’autre bout du monde. Elsa Zylberstein a appelé Claude Lelouch et l’histoire était lancée, une histoire d’amour qui, eux aussi, les a emmenés à l’autre bout du monde…

Jean Dujardin incarne ici le séduisant, pragmatique, talentueux Antoine. Antoine est compositeur de musiques de films. Antoine regarde la vie avec distance, humour et légèreté. Antoine est comme un enfant joueur et capricieux. D’ailleurs, il porte le prénom du petit garçon dans « Un homme et une femme ». Hasard ? Ou coïncidence ? Il part en Inde travailler sur une version très originale de « Roméo et Juliette » intitulée « Juliette et Roméo » et alors que sa compagne (Alice Pol) le demande en mariage par téléphone. A l’occasion d’une soirée donnée en son honneur à l’Ambassade de France, il rencontre la pétillante Anna (Elsa Zylberstein), la femme de l’ambassadeur (Christophe Lambert), aussi mystique qu’il est pragmatique, une femme qui, en apparence, ne lui ressemble en rien, pourtant, dès ce premier soir, entre ces deux-là, semble régner une magnétique connivence. Cette rencontre va les entraîner dans une incroyable aventure. Et le spectateur avec eux.

Ce que j’aime par-dessus tout dans les films de Claude Lelouch, ce sont ces personnages, toujours passionnément vivants. Dans chacun de ses films, la vie est un jeu. Sublime et dangereux. Grave et léger. Un jeu de hasards et coïncidences. Le cinéma, son cinéma, l’est aussi. Et dans ce film plus que dans tout autre de Claude Lelouch. Le fond et la forme coïncident ainsi en une ludique mise en abyme. Le film commence par l’histoire d’un voleur qui va inspirer le film dont Antoine a composé la musique et dont les images jalonnent le film…de Lelouch. Le présent, le passé et le rêve s’entrelacent constamment pour peu à peu esquisser le portrait des deux protagonistes, pour se jouer de notre regard sur eux et sur la beauté troublante des hasards de la vie.

Cela commence par des images de l’Inde, fourmillante, colorée, bouillonnante de vie dont la caméra de Lelouch, admirative, caresse l’agitation multicolore. Prémisses d’un voyage au pays « du hasard » et « de l’éternité. » Un voyage initiatique. Puis, il nous raconte une première histoire. Celle du voleur qui sauve sa victime, et de leur histoire d’amour. Celle du film dans le film. Un miroir de celle d’Anne et d’Antoine. Presque un conte. D’ailleurs, devant un film de Lelouch, j’éprouve la sensation d’être une enfant aux yeux écarquillés à qui on raconte une fable. Ou plein d’histoires puisque ce film est une sorte de poupée russe. Oui, une enfant à qui on rappelle magnifiquement les possibles romanesques de l’existence.

Ensuite, Antoine rencontre Anna lors du dîner à l’ambassade. Antoine pensait s’ennuyer et le dit et le clame, il passe un moment formidable et nous aussi, presque gênés d’assister à cette rencontre, leur complicité qui crève les yeux et l’écran, leur conversation fulgurante et à l’image de l’Inde : colorée et bouillonnante de vie. Il suffirait de voir cet extrait pour deviner d’emblée qu’il s’agit d’un film de Lelouch. Cette manière si particulière qu’ont les acteurs de jouer. Ou de ne pas jouer. Vivante. Attendrissante. Saisissante de vérité. En tout cas une scène dans laquelle passe l’émotion à nous en donner le frisson. Comme dans chacun des tête-à-tête entre les deux acteurs qui constituent les meilleurs moments du film, dans lesquels leurs mots et leurs silences combattent en vain l’évidente alchimie. Ils rendent leurs personnages aussi attachants l’un que l’autre. Le mysticisme d’Anna. La désinvolture et la sincérité désarmante d’Antoine avec ses irrésistibles questions que personne ne se pose. Antoine, l’égoïste « amoureux de l’amour ».

Comme toujours et plus que jamais, ses acteurs, ces deux acteurs, la caméra de Lelouch les aime, admire, scrute, sublime, magnifie, révèle, caresse presque, exacerbe leur charme fou. Ce film comme chaque film de Lelouch comporte quelques scènes d’anthologie. Dans son précédent film « Salaud, on t’aime », les deux amis Kaminsky/Johnny et Selman/ Eddy nous rejouaient « Rio Bravo » et c’était un régal. Et ici, chacun des échanges entre Antoine et Anna l’est aussi. Comme dans tout film de Lelouch aussi les dialogues sont parsemés de petites phrases dont certaines reviennent d’un film à l’autre, souvent pour nous rappeler les « talents du hasard » :

« Mon agent, c’est le hasard. »

« Mon talent, c’est la chance. »

« Le pire n’est jamais décevant. »

 Ce film dans lequel l’amour est l’unique religion est une respiration salutaire a fortiori en cette période bien sombre. Un hymne à l’amour, à la tolérance, au voyage aussi bigarrés et généreux que le pays qu’il nous fait traverser. Un joyeux mélange de couleurs, de fantaisie, de réalité rêvée ou idéalisée, évidemment souligné et sublimé par le lyrisme de la musique du fidèle Francis Lai (retrouvez mon récit de la mémorable master class commune de Lelouch et Lai au Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2014, ici) et celle de la Sérénade de Schubert (un peu trop utilisée par les cinéastes ces temps-ci mais c’est celle que je préfère donc je ne m’en lasse pas), par des acteurs que le montage inspiré, la musique lyrique, la photographie lumineuse ( de Robert Alazraki), le scénario ingénieux (signé Valérie Perrin et Claude Lelouch), et l’imparable et incomparable direction d’acteurs de Lelouch rendent plus séduisants, convaincants, flamboyants et vibrants de vie que jamais.

 Une « symphonie du hasard » mélodieuse, parfois judicieusement dissonante, émouvante et tendrement drôle avec des personnages marquants parce que là comme ils le sont rarement et comme on devrait toujours essayer de l’être : passionnément vivants. Comme chacun des films de Lelouch l’est, c’est aussi une déclaration d’amour touchante et passionnée. Au cinéma. Aux acteurs. A la vie. A l’amour. Aux hasards et coïncidences. Et ce sont cette liberté et cette naïveté presque irrévérencieuses qui me ravissent. Dans la vie. Au cinéma. Dans le cinéma de Lelouch qui en est la quintessence. Vous l’aurez compris, je vous recommande ce voyage en Inde !

Conférence de presse des lauréats du 69ème Festival de Cannes

Juste la fin du monde est déjà le sixième film du jeune cinéaste québécois et marque déjà sa cinquième sélection cannoise : après J’ai tué ma mère, son premier film, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs en 2009, après Les Amours imaginaires dans la sélection Un Certain Regard en 2010 puis en 2012 dans cette même sélection avec Laurence Anyways avant ses sélections en compétition officielle, en 2014 pour Mommy et en 2016 pour  Juste la fin du monde (avant lequel il avait aussi sorti Tom à la ferme).

Adapté de la pièce de théâtre éponyme de Jean-Luc Lagarce, le film se déroule sur une après-midi. Un jeune auteur, Louis (incarné par Gaspard Ulliel), après 12 ans d’absence, retrouve sa famille pour lui annoncer sa mort prochaine. Il y a là sa mère (Nathalie Baye), son frère aîné (Vincent Cassel), sa petite soeur (Léa Seydoux) et sa belle-sœur qu’il rencontre pour la première fois (Marion Cotillard).

Dès les premiers plans, dans cet avion qui emmène Louis vers sa famille et dès les premières notes et la chanson de Camille (dont le titre résonne comme un poignant avertissement, Home is where it hurts), une fois de plus, Dolan m’a embarquée dans son univers si singulier, m’a happée même, m’a enfermée dans son cadre. Comment ne pas l’être quand à la force des images et de la musique s’ajoute celle des mots, avec la voix de Louis qui, off, nous annonce son funeste programme : « leur annoncer ma mort prochaine et irrémédiable. En être l’unique messager. […] Me donner, et donner aux autres, une dernière fois, l’illusion d’être responsable de moi-même et d’être‚ jusqu’à cette extrémité‚ mon propre maître. » Tout ce qu’il ne parviendra jamais à dire, une annonce qui place les 1H35 qui suivent sous le sceau de la fatalité, et nous mettent dans la situation rageuse et bouleversante de témoin impuissant.

J’ai eu la sensation de retenir mon souffle pendant 1H35, un souffle suspendu aux mots de Louis et de sa famille, et plus encore à leur silence, et de ne recommencer à respirer que bien après cette fin et ce dernier plan, sans aucun doute le plus beau de ce 69ème Festival de Cannes.

Louis est un auteur, un homme des mots et pourtant, ici, ses mots sont vains. Ils ne servent qu’à cacher, qu’à taire ce que les silences semblent crier avec éloquence. Sur le chemin qui  mène Louis vers sa famille, une pancarte entrevue sur le côté de la route interroge « Besoin de parler ? ». Oui, certainement, mais comment quand les logorrhées des uns et des autres l’en empêchent, quand sa famille ne sait communiquer que dans l’ironie, la colère ou l’invective ?

Certains, peut-être, diront qu’il ne se passe rien. Sans doute n’auront-ils rien vu de tout ce que sous-entendent les regards, les silences, les excès, les cris, le bruit et la fureur. C’est pourtant hitchcockien. Un regard, un souffle, un mot de travers, un silence paralysant et tout semble pouvoir basculer dans l’irréversible. Le spectateur est à l’affut du moindre souffle, du moindre murmure, du moindre frémissement. Le MacGuffin, ce sont ces mots prononcés dans l’avion à l’attention du spectateur et qui attendent d’être délivrés et de s’abattre. Menace constante. « Le plus prenant c’est la nervosité et la prolixité de tous les personnages qui expriment des choses profondément superficielles, nerveuses, inutiles sauf ce qu’ils devinent être la raison de la venue de Louis » a ainsi expliqué Xavier Dolan lors de la conférence de presse des lauréats du festival.

Sa caméra, par les gros plans dont est majoritairement composé le film, entoure, enserre, emprisonne, englobe les visages, au plus près de l’émotion, pour capter le mensonge, le non dit, pour débusquer ce qui se cache derrière le masque, derrière l’hystérie. Elle les asphyxie, isole Louis dans sa solitude accablante, absolue, les met à nu, les déshabille de ces mots vains, déversés, criés qui ne sont là que pour empêcher l’essentiel d’être dit. Comme un écho au format 1:1 qui, dans Mommy, par ce procédé et ce quadrilatère, mettait au centre le visage -et donc le personnage-, procédé ingénieux, qui décuplait notre attention. Dans Les Amours imaginaires, la caméra de Xavier Dolan était aussi au plus près des visages, ignorant le plus souvent le cadre spatial à l’image de cet amour obsédant qui rendait les personnages aveugles au monde qui les entourait. La mise en scène non seulement y épousait déjà le propos du film mais devenait un élément scénaristique : puisque les protagonistes s’y « faisaient des films » (l’un se prenant pour James Dean, l’autre pour Audrey Hepburn), et étaient enivrés par leur fantasmagorie amoureuse, par ce destructeur et grisant vertige de l’idéalisation amoureuse, le film en devenait lui-même un vertige fantasmatique.

Mais revenons à Juste la fin du monde. Que de douleur, de beauté, de significations dans les silences comme lors de cette scène, sublime, quand Louis prend sa mère dans les bras, qu’il s’y blottit, et qu’une petite parcelle de lumière caresse son visage en grande partie dans la pénombre, et que la musique sublime l’instant, qu’il regarde le vent qui s’engouffre dans les rideaux comme un appel de la vie qui s’enfuit. Que de choses la sensible Catherine dit-elle aussi dans ses silences, dans son flot de phrases absconses, dans ses hésitations, dans ses répétitions, elle qui semble dès le début savoir, et implorer une aide, elle que tout le monde semble mépriser et qui a compris ce que tous ignorent ou veulent ignorer ? Marion Cotillard, dans un rôle radicalement différent de celui de cette femme sauvagement vivante, enfiévrée, en quête d’absolu, qu’elle incarne dans le film de Nicole Garcia Mal de pierres (également en compétition officielle de ce Festival de Cannes 2016), est une nouvelle fois parfaite et semble converser dans ses silences.  « Sa parole était presque un silence sonore » a-t-elle dit lors de la conférence de presse, à propos de Catherine, son personnage, choisissant ses mots avec soin pour évoquer son rôle, toujours justes et d’une étonnante précision. "L'essentiel est que les gens entendent le murmure de la souffrance de chacun des personnages" a ainsi déclaré Xavier Dolan en conférence de presse. C’est indéniablement réussi. Cette souffrance étouffée tranche chacun des silences.

Nathalie Baye, comme dans  Laurence Anyways incarne la mère, ici volubile, outrancièrement maquillée, comme pour mieux maquiller, masquer, cette vérité qu’il ne faut surtout pas laisser éclater. « Dans ces imperfections, j’ai vu l’occasion de travailler avec des acteurs que j’admire pour leur demander d’exprimer ces imperfections humaines », a ainsi expliqué Xavier Dolan en conférence de presse. Gaspard Ulliel, remarquable dans le rôle du « roi » Louis, quant à lui, apporte au personnage une infinie douceur, et dans la lenteur de chacun de ses gestes, dans la tendresse mélancolique de chacun de ses regards et dans chacun de ses silences semble crier sa détresse indicible.

Le langage est d’ailleurs au centre du cinéma de Xavier Dolan. Suzanne Clément, dans Mommy, mal à l’aise avec elle-même, bégayait, reprenant vie au contact de Diane et de son fils, comme elle, blessé par la vie, et communiquant difficilement, par des excès de violence et de langage, déjà. Et dans Laurence Anyways, Laurence faisait aussi de la parole et de l’énonciation de la vérité une question de vie ou de mort : « Il faut que je te parle sinon je vais mourir » disait-il ainsi.

Placé sous le sceau de la mort et de la fatalité, Juste la fin du monde n’en est pas moins parsemé de scènes étincelantes. Ainsi, quand Louis s’évade dans le passé, tout s’éclaire et rend le présent encore plus douloureux. La musique, de Gabriel Yared, somptueuse, apporte une note romanesque à l’ensemble, et des musiques judicieusement choisies et placées, souvent diégétiques, constituent des entractes musicaux et des échappées belles et lumineuses, presque oniriques, qui nous permettent de respirer comme cette chorégraphie de la mère et de la sœur de Louis sur un tube d’O-Zone ou lors de réminiscences d’un amour passé sublimé par le souvenir.

Une fois de plus Xavier Dolan nous envoûte, électrise, bouleverse, déroute. Sans doute le film le plus intense de ce Festival de Cannes 2016, mais aussi le plus intense de Xavier Dolan, dans lequel chaque seconde, chaque mot ou plus encore chaque silence semblent vitaux ou meurtriers. J’en suis ressortie épuisée, éblouie, en larmes, après une fin en forme de valse de l’Enfer qui nous embrasse dans son vertige étourdissant et éblouissant, un paroxysme sans retour possible. Comme une apothéose : une fin du monde. Comme le bouquet final d’une démonstration implacable sur la violence criminelle de l’incommunicabilité. Tellement symptomatique d’une société qui communique tant et finalement si mal, incapable de dire et d’entendre l’essentiel ( ce qu’avait aussi si bien exprimé un film primé du prix de la mise en scène à Cannes, en 2006, Babel).

Xavier Dolan se fiche des modes, du politiquement correct, de la mesure, de la tiédeur et c’est ce qui rend ses films si singuliers, attachants, bouillonnants de vie, lyriques et intenses. Que, surtout, il continue à filmer  les personnages en proie à des souffrances et des passions indicibles, qu'il continue à les filmer ces passions (et à les soulever), à préférer leur folie à « la sagesse de l’indifférence », c’est si rare... Surtout qu’il continue à laisser libre cours à sa fougue contagieuse, à son talent éclatant et iconoclaste, à nous emporter, nous happer dans son univers, et à nous terrasser d’émotions dans ses films et sur scène, comme lors de son discours de clôture, grand et beau moment qui a marqué la fin de ce 69ème Festival de Cannes :

« L’émotion ce n’est pas toujours facile, il n’est pas toujours facile de partager ses émotions avec les autres.   La violence sort parfois comme un cri. Ou comme un regard qui tue ». « J’ai tenté au mieux de raconter les histoires et les émotions de personnages parfois méchants ou criards mais surtout blessés et qui vivent comme tant d’entre nous dans le manque de confiance dans l’incertitude d’être aimé. Tout ce qu’on fait dans la vie on le fait pour être aimé, pour être accepté. » […] « Plus je grandis plus je réalise qu’il est difficile d’être compris et paradoxalement plus je grandis et plus je me comprends et sais moi-même qui je suis. Votre témoignage, votre compréhension me laissent croire qu’il faut faire des films qui nous ressemblent, sans compromis, sans céder à a facilité, même si l’émotion est une aventure qui voyage parfois mal jusqu’aux autres, elle finit toujours par arriver à destination. J’étais ici il y a deux ans et je vivais un événement déterminant dans ma vie et en voici un autre qui changera encore mon existence. La bataille continue. Je tournerai des films toute ma vie qui seront aimés ou non et comme disait Anatole France, je préfère la folie des passions à la sagesse de l’indifférence. »

Le film sortira en salles le 21 septembre 2016. Sans aucun doute y retournerai-je pour, à nouveau, être étourdie d’émotions par ce film palpitant. Merci Xavier Dolan et surtout continuez à oser, à délaisser la demi-mesure, la frilosité ou la tiédeur, à vous concentrer sur ceux qui voient ce que dissimulent le masque, la fantasmagorie, l’excès, la flamboyance et à ignorer ceux que cela aveugle et indiffère… et, surtout, continuez à nous foudroyer de vos coups que vous nous portez au cœur. En plein cœur.

Remarque : le film a été produit par Nancy Grant à qui on doit notamment la production de Mommy mais aussi du  très beau Félix et Meira de Maxime Giroux.