Conférence de presse avec Michel Bouquet, Gilles Bourdos, Vincent Rottiers, Christa Théret

Après avoir découvert le film au dernier festival Paris Cinéma en juillet dernier, la semaine dernière, j'ai eu le plaisir d'assister à une conférence de presse du film à laquelle étaient présents le réalisateur du film Gilles Bourdos ainsi que les comédiens Michel Bouquet, Christa Théret, Vincent Rottiers. Un très beau moment illuminé par la présence de Michel Bouquet, comédien exceptionnel, passionné, passionnant, érudit, à l'oeil d'éternel enfant malicieux, curieux grâce à la passion vivace du théâtre et du cinéma.  La conférence s'est rapidement transformée en leçon de théâtre...

Actuellement au théâtre dans "Le roi se meurt" de Ionesco, il dit continuer par "attachement au public, aux autres", qu'il continue à apprendre, visiblement toujours fasciné par les chefs d'oeuvre qu'il joue au théâtre et par la magie du cinéma: "Au théâtre, on se remet en cause tous les jours. On essaie de trouver des accords ou des désaccords avec ses partenaires. C'est complètement réel alors que le cinéma est magique". Il a aussi évoqué son amour de la peinture: "Je vis avec la peinture depuis l'âge de 17 ans. J'employais  tout l'argent que j'avais gagné, à aller voir  la peinture". Il nous a ainsi parlé de son émotion devant les fresques de Fra Angelico à Florence et devant les portraits de Renoir "peintre de portraits extraordinaire."  Il dit aussi être parfois "obligé de réapprendre une réplique toute une journée parfois pour être sûr qu'elle vient."

Pour Gilles Bourdos "il ne s'agissait pas de faire des citations de Renoir. C'est un film que je voulais du côté de la volupté, du sensoriel", "le film qui m'a le plus influencé, c'est le fleuve.", "Tout a fonctionné par imprégnations successives.", "S'il y a une école de cinéma au monde pour les acteurs, c'est les Dardenne". A propos d'Auguste Renoir: "Je pense que sa peinture était une réponse absolue à la douleur."

 La suite dans l'enregistrement sonore de la conférence de presse à retrouver ici prochainement. 

Critique de "Renoir" de Gilles Bourdos

 

Renoir. Un nom illustre, mondialement célèbre grâce à deux immenses artistes, le père et le fils, un peintre et un cinéaste, Auguste et Jean. En 1915, sur la Côte d’Azur, au crépuscule de sa vie, Auguste Renoir (Michel Bouquet) continue à se consacrer à son art malgré de vives douleurs dues à son grand âge, malgré la perte récente de son épouse et le chagrin causé par l’absence de ses fils Pierre et Jean, engagés et blessés à la guerre. C’est dans ce contexte qu’arrive Andrée (Christa Théret), éclatante de vie et de beauté, qui sera le dernier modèle du peintre, « le Patron ». C’est alors que Jean (Vincent Rottiers) revient, blessé à la guerre, passer sa convalescence dans la maison familiale. Andrée changera à jamais son existence…

Les premiers plans nous plongent dans cette nature saisissante d’authenticité et de beauté à l’image de celle que nous suivrons quelques minutes plus tard : Andrée, pétillante, flamboyante, naturelle, libérée. La mise en scène de Gilles Bourdos (dont c’est ici le 4^ème long-métrage) ne cherche à rivaliser ni avec la beauté impressionniste des peintures du père ni avec la virtuosité des films du fils, et cet académisme sied finalement au film, synonyme ici d’humilité devant ces deux grands maîtres dans leurs arts respectifs malgré quelques tentatives de capter dans l’œil de la caméra la beauté impressionniste des toiles de Renoir (un bonheur, d'ailleurs, d'en voir défiler quelques unes) comme lorsque ce dernier somnole et qu’une vision évanescente de la nature lui apparait. Bourdos avec son (ou plutôt ses) Renoir ne peut de toutes façons en aucun cas rivaliser avec le « Van Gogh » de Pialat.

Le scénario est certes parfois un peu trop elliptique et inégal, avec quelques lenteurs et longueurs, mais le récit n’en demeure pas moins passionnant, en grande partie grâce à l’interprétation époustouflante de Michel Bouquet (mais qui en aurait douté ?) et face à lui celle de Vincent Rottiers qui crève littéralement l’écran, interprétant avec une justesse étonnante le mélange de velléité, de courage, de maturité et d’innocence de Jean. Nous découvrons comment ce jeune homme velléitaire et courageux deviendra un jeune cinéaste grâce à celle qui deviendra sa femme et notamment l’interprète de « La Chienne », Andrée, future Catherine Hessling. Dernière muse d’Auguste Renoir, la vitalité, le naturel et la flamboyance d’Andrée prennent ici les traits de la pétillante Christa Théret (aussi remarquable dans "L'Homme qui rit" de Jean-Pierre Améris que je vous recommande vivement).

Plane aussi l’ombre de « La Grande illusion » avec la guerre à la fois si lointaine du jardin d’Eden du cinéaste et si proche, avec ces gueules cassées qui contrastent avec cette nature éblouissante. Une silhouette, l’espace d’un instant, rappelle celle d’Erich von Stroheim dans « La grande illusion » et nous laisse entendre où Renoir fils a puisé son inspiration.

Le film devrait ainsi intéresser les inconditionnels du père et du fils, le peintre aux 6000 tableaux et le cinéaste de chefs d’œuvre inoubliables comme « La Règle du jeu » et donner aux autres envie d’en savoir davantage sur ces deux immenses artistes. « La chair, c’est l’essentiel », « La couleur fait tout dans une toile », « Je suis comme le bouchon qui se laisse porter par le courant»: en quelques citations s’esquisse aussi le portrait de ce maître des couleurs, cet amoureux des femmes, de l’art et de la nature qui se refusait à « broyer du noir ».

Un hymne à la nature, à la beauté et la force de l’art qui manque certes parfois de la vitalité et de la flamboyance d’Andrée (en particulier dans le traitement de son histoire d’amour avec Jean) et de celles des peintures du maître, mais la musique du prolifique Alexandre Desplat et surtout les interprétations de Michel Bouquet et Vincent Rottiers en font un film agréable et instructif, même émouvant dans une très belle scène d’adieux qui les réunit, les enlace même.

CONCOURS: 5x2 places à gagner

 

A l'occasion de la sortie du film en salles, le 2 janvier 2013 et en partenariat avec Cinefriends, je vous propose de remporter 5x2 places pour celui-ci. Pour cela, soyez parmi les 5 premiers à reconnaître les oeuvres suivantes et envoyez vos réponses avant le 2 janvier 2013, minuit, à inthemoodforcinema@gmail.com avec, pour intitulé de votre email "Concours Renoir" et en n'oubliant pas de joindre vos coordonnées pour l'envoi des places. Seuls les gagnants seront contactés.

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BONUS: Critique de "La règle du jeu" de Jean Renoir

 

 

 

La Règle du jeu: le clairvoyant "drame gai" de Jean Renoir (1939)

 

Souvent classé comme le meilleur film de tous les temps, c’est en tout cas incontestablement un chef d’œuvre de l’Histoire du cinéma…

 

 

La règle du jeu : le constat désespéré et la métaphore cynique d’une société en crise

 

Au premier rang de ces nombreux films qui, avant-guerre, dépeignaient une société en crise se trouve La règle du jeu, qui, derrière son apparente légèreté, établit un constat cynique et désespéré de la décomposition morale de la France et qui en fit un chef d’œuvre annonciateur d’un avenir inéluctable. Le dernier film d’avant-guerre de Renoir est aussi le film annonciateur de la guerre. Les successions de styles auxquels recourt Renoir, entre vaudeville, satire et tragédie ne sont pas utilisées gratuitement mais contribuent à créer une véritable peinture sociale.

 

 

Une alliance subtile de vaudeville, satire et tragédie

 

Dès le départ le cadre est planté, Renoir sous-titrant son film « fantaisie dramatique » et en définissant ainsi l’atmosphère. Tout comme son synopsis le film échappe à toute définition, Renoir prenant néanmoins soin de nous préciser au préalable que « ce divertissement dont l’action se passe à la veille de la guerre de 1939 n’a pas la prétention d’être une étude de moeurs. Les personnages qu’il présente sont purement imaginaires. » Ces personnages ce sont d’abord André Jurieux (Roland Toutain), le film débutant par l’atterrissage de son avion au Bourget. Celui-ci vient en effet de battre un record après avoir traversé l’Atlantique. Ovationné il ne pense qu’à Christine de La Chesnaye ( Nora Grégor), une femme du monde avec qui il avait une eu liaison platonique et qu’il s’attendait à voir à son retour. Il crie son désespoir à la radio puis tente de se suicider en voiture. Afin d’arranger les choses son ami Octave (Jean Renoir), également ami des La Chesnaye, le fait inviter à une partie de chasse que ceux-ci donnent dans leur propriété en Sologne, à La Colinière. Les terres sont surveillées par l’ombrageux Schumacher, qui surprend en flagrant délit de braconnage Marceau (Carette). Amusé le marquis le prend alors à son service. Christine découvre par hasard la liaison de son mari avec une de leurs amies Geneviève de Marras (Mila Parély). Par dépit elle répond aux avances du fade Saint-Aubin (Pierre Nay)…mais Octave aussi est amoureux d’elle. Une fête costumée va alors devenir le cadre d’un véritable vaudeville où maîtres et valets vont s’entrecroiser, Jurieux se battant avec Saint-Aubin, puis le marquis avec Jurieux, Schumacher courant après Marceau l’ayant surpris dans les bras de sa femme, Lisette (Paulette Dubost). Alors que tout s’apprêtait à rentrer dans l’ordre, Schumacher (Gaston Modot) se méprend en croyant Lisette dans les bras d’Octave alors qu’il s’agissait de Christine et abusé par un échange de costumes, il tue Jurieux d’un coup de carabine. Les Chesnaye après ce « déplorable accident » vont sauver la face après le salut final… Comme au théâtre tout le monde revient saluer à la fin. On passe du vaudeville à la satire. Les personnages paraissent en effet de prime abord fantasques, au début le film s’apparente à un vaudeville même s’il commence avec un ton tragique et la tentative de suicide d’André Jurieu. Le vaudeville est d’ailleurs annoncé dès l’exergue avec la citation de Beaumarchais : « Si l’amour porte des ailes, n’est-ce pas pour voltiger ».Dans ce vaudeville les couples s’échangent et les portes claquent. Renoir avait d’ailleurs songé à appeler son film Les caprices de Marianne. C’est même le burlesque qui succède au vaudeville lorsqu’Octave ne parvient pas à enlever sa peau d’ours et lorsque tout le monde passe devant lui sans prendre le temps de la lui enlever. On repasse ensuite à la tragédie : les personnages sincères, comme Octave ou Jurieu, sont écartés du jeu. Mais c’est la satire qui prédomine : les personnages deviennent alors odieux. Tous les styles de récit se mêlent sans que cela jamais ne paraisse incohérent. Le ton est annoncé dès le début par La Chesnaye : « nous jouerons la comédie, nous nous déguiserons », mais ce déguisement là n’est pas seulement vestimentaire c’est aussi celui derrière lequel se dissimule l’hypocrisie des personnages.

 

 

La volonté satirique de Renoir

 

Renoir annonce donc ambitionner de faire « une description exacte des bourgeois de notre époque ». Le jeu annoncé par le titre est pourtant le jeu social et dans ce jeu-là Renoir n’épargne personne qu’il s’agisse des riches ou des pauvres... et les deux seuls personnages qui échappent à ce règlement de comptes se retrouveront hors du jeu, qu’il s’agisse de l’aviateur André Jurieu qui sera assassiné ou Octave, évincé, après avoir rêvé un moment de pouvoir partir avec Christine. Les femmes ne sont pas épargnées, elles y sont aussi cyniques. Tel Beaumarchais, Renoir raille les manèges mondains, La Règle du jeu étant empreinte de l’esprit du 18ème siècle, ne serait-ce que l’exergue empruntée au Mariage de Figaro. La volonté satirique est par ailleurs flagrante comme à travers cette réplique dont la censure exigea la suppression : « On est à une époque où tout le monde ment : les prospectus des pharmaciens, les gouvernements, le cinéma, la radio, les journaux…Alors pourquoi veux-tu que nous autres les simples particuliers, on ne mente pas aussi ? ». Le monde dépeint par Renoir est un spectacle dans lequel chacun a ses raisons d’endosser un rôle. C’est avant tout la violence de la société que dénonce Renoir, une société pour qui tout peut rentrer dans l’ordre après une mort comme tout rentre dans l’ordre après la mort de Jurieu, une société qui vient saluer comme si de rien n’était après ce « déplorable accident ». Les personnages ne sont pas spontanés et malgré les sentiments qu’il éprouve pour Christine, Jurieu veut avoir une conversation avec La Chesnaye : «Christine tout de même il y a des règles. » Chacun affecte le respect des convenances sociales et le respect d’autrui. Ainsi La Chesnaye fait l’éloge de la liberté : « Sur cette terre il y a quelquechose d’effroyable, c’est que chacun a ses raisons. » « D’ailleurs je suis pour que chacun les expose librement (…) contre les barrières. » Quant aux domestiques ils ne sont pas épargnés : ils réinventent une société à l’image de celle des maîtres qu’ils critiquent. Les employés singent leurs maîtres comme lors de cette scène de repas. Ils semblent libres mais sont en réalité totalement assujettis, La Chesnaye signifiant ainsi à Schumacher qu’il n’a pas le droit d’être dans le château, que ce n’est pas son domaine, qu’il doit se cantonner à l’extérieur. Le mépris des uns pour les autres est également fustigé : « Au contraire, il faut bien que ces gens-là s’amusent comme les autres. » Les différentes classes font donc preuve de la même hypocrisie et ont les mêmes défauts, les mêmes faiblesses.

 

 

Un chef d’œuvre-testament : le film annonciateur d’un avenir inéluctable

 

Dans La règle du jeu, Renoir fait preuve d’une réelle virtuosité technique qui presque 70 ans après, reste encore un véritable modèle. Cette virtuosité n’est pas une simple démonstration ostentatoire et gratuite mais elle est au service d’un véritable propos dont l’acuité est, aujourd’hui encore, sidérante.

 

La virtuosité technique de l’œuvre

 

La règle du jeu est ainsi d’une force plastique saisissante. Ce qui apparaît d’abord, c’est le goût du théâtre ou plutôt de la théâtralité à travers les déguisements, les chassés croisés. Le final est d’ailleurs très théâtral et annoncé par la citation de Beaumarchais du début. Mais si les références au théâtre sont multiples La règle du jeu est loin d’être une pièce filmée. La caméra semble voguer au hasard et dissimule en réalité un brio inégalé grâce à une profondeur et une largeur de champ si signifiantes. Les dialogues semblent être improvisés, les situations semblent se chevaucher. On a l’impression de voir la rapidité et la confusion d’images réelles même si pour Bazin « toute image cinématographique est réaliste par essence. » Le travail sur le son est admirable provenant tantôt de la TSF, du phono, de la poupée mécanique, des instruments etc. La musique n’est pas non plus anodine, elle révèle la fausseté des sentiments comme ces grenouilles qui coassent à la fin du film. La virtuosité technique de l’œuvre notamment grâce à la profondeur de champ ajoute encore à la complexité de l’œuvre et à celle du propos qui, derrière le vaudeville, dissimule la gravité.

 

 

La virtuosité observatrice de l’œuvre : un regard clairvoyant sur une société aveugle et aveuglée

 

Cette virtuosité technique n’est donc pas innocente mais au contraire utilisée au service d’un propos. Ce qui pourrait n’être qu’une comédie virevoltante est en réalité un des films qui observent et décryptent le mieux sa société et les causes de la guerre. Renoir dépeint en effet la fin d’un monde dont l’aveuglément permet l’émergence du fascisme. La tension est d’ailleurs à son comble pendant le tournage, Hitler ayant envahi la Tchécoslovaquie au mois de Mars. Le marquis, qui est d’origine juive, se fait ainsi traiter dans son dos de « métèque » par un des domestiques, ce à quoi le cuisinier réagit vivement : « A propos de juif, La Chesnaye, tout métèque qu’il est… » L’antisémitisme et le racisme y sont latents, les domestiques insistent ainsi sur le fait que « La mère de La Chesnaye avait un père qui s’appelait Rosenthal et qui arrivait tout droit de Francfort ». On y parle « des histoires de nègres » et il est question de « parasites ». Le film n’est pas prémonitoire mais révélateur de la dégradation de la société que Renoir a minutieusement observée. Les réactions que suscita le film à ce sujet furent d’ailleurs tout aussi révélatrices d’un état d’esprit comme celui de Brasillach qui estima que c’était inquiétant « d’oser montrer pour la première fois un juif sympathique », estimant que « de La Chesnaye est plus juif que jamais…Une autre odeur monte de lui du fond des âges, une autre race qui ne chasse pas, qui n’a pas de château, pour qui la Sologne n’est rien… Jamais peut-être l’étrangeté du juif n’avait été aussi fortement, aussi brutalement montrée. » C’est pourtant le film que sera fustigé et non ces propos outrageants. La scène de la chasse est par ailleurs particulièrement révélatrice du climat de l’époque. Les tireurs, hommes ou femmes, tuent avec froideur. La mort est d’ailleurs omniprésente comme lorsque les personnages sont déguisés en squelettes : la mort danse, les fantômes rodent autour d’eux. C’est le spectre de la guerre qui rôde. C’est une époque où « c’est assommant les gens sincères. » Etre sincère c’est voir la réalité, et dans la réalité le monde est à la veille de la guerre. Et même derrière les lieux communs, on perçoit la crainte de l’avenir, et la noirceur du présent. Ainsi pour Marceau : « Dans notre partie, c’est comme dans tout y a la crise. » Rien n’est laissé au hasard. Ainsi Marceau justement est le nom du plus grand général républicain de la Révolution Française. La véritable terreur pour La Chesnaye et ses invités c’est le Front Populaire. Dans La Marseillaise, La Chesnaye est d’ailleurs un défenseur ultraroyaliste… L’œuvre de Renoir devient en quelque sorte une véritable Comédie humaine où les mêmes personnages ou du moins les mêmes noms et caractéristiques se retrouvent de films en films. Quand la société se donne en spectacle les tenues ne sont pas innocentes : ils sont déguisés en tyroliens et chantent une chanson ultranationaliste, un hymne boulangiste à la gloire de l’armée française. Les idéaux d’avant sont tournés en dérision et ceux qui sont mis en avant laissent présager un avenir inquiétant. Comme la société qu’il retranscrit le film oscille constamment entre le drame et la tragédie… et cette audace à une période où on ne pouvait plus rire de tout fut certainement une des causes de l’échec commercial que connut La règle du jeu. Qu’il s’agisse d’un « drame gai » ou d’une « fantaisie dramatique », la qualification demeure antithétique à l’image de cette société de paradoxes que Renoir décrit. Si le film se présente comme une comédie frivole en dehors de l’actualité, c’est en donc réalité une comédie grinçante qui en démontre subtilement les travers. « On sait jamais, y a rien d’impossible. » dit Marceau à de La Chesnaye, oui rien semble vouloir nous dire Renoir : pas même l’horreur qui se profile aux portes de la France…, pas même l’aveuglement de la société face au danger imminent qui la menace.

 

 

Un échec commercial : une société qui refuse de se reconnaître

 

Tout comme la réalité et le destin échappent au déserteur du Quai des brumes, il échappe au bourgeois et à l’aristocrate de La règle du jeu, pourtant la réussite du premier fut tout aussi retentissant que l’échec du second. Même après que Renoir ait réduit son film de 23 minutes, La règle du jeu suscite un rejet unanime de la part du public. On cassait même les fauteuils dans certaines salles. Il provoqua également le rejet de la critique même s’il fut moins unanime, Georges Sadoul le qualifiant ainsi « d’incohérence ». Renoir songea même à abandonner le cinéma, il se résolut finalement à l’exil. A la veille de la seconde guerre mondiale on ne peut en effet applaudir une telle fantaisie, aussi dramatique soit-elle, ou peut-être justement parce-qu’elle fut aussi dramatique. On ne supporta pas la dénonciation de l’hypocrisie sociale de ce petit monde « dansant sur un volcan. » Renoir disait en effet avoir voulu « peindre une société qui danse sur un volcan » . Est-ce là l’origine du mal qui progresse et menace l’Europe ? Renoir semble le sous-entendre. On ne pardonna pas non plus à Renoir d’avoir utilisé un juif pour manifester un semblant d’humanité. L’amitié même n’y est qu’un leurre…et « c’est la fatalité qui a voulu qu’André Jurieu soit victime de cette erreur. »« Au contraire, il faut bien que ces gens-là s’amusent comme les autres. » La caricature y est plus visible que dans les autres films de Renoir et le public ne l’admet pas tout comme ce drame gai aux portes d’un drame, un drame imminent rappelé par les danses macabres : spectres armés de lanternes précédant le squelette de la mort au son de la Danse macabre de Saint-Saens. La fête permet d’oublier que l’on est aux portes d’une catastrophe et on ne pardonnera pas à Renoir de l’avoir interrompue. Les remous suscités par la première projection furent tels que Renoir se hâta de préciser qu’il n’avait pas eu la prétention de faire une étude de mœurs ; les personnages étant « purement imaginaires. » Quand le film ressortit en copie complète dans les ciné-clubs en 1960 il fut pourtant reconnu comme un chef-d’œuvre incontesté…

 

Retrouvez, en cliquant ici,  mon bilan de l'année 2012: les 15 films de l'année, mes meilleurs moments bloguesques et festivaliers etc

CONCOURS

"L’homme qui rit", un film de Jean-Pierre Améris avec Gérard Depardieu, Marc-André Grondin, Christa Théret et Emmanuelle Seigner. En salles le 26 décembre 2012 (cf ma critique, ci-dessous).

Pour répondre aux questions suivantes (avant le 26 décembre 2012, minuit, à inthemoodforcinema@gmail.com en spécifiant "Concours L'homme qui rit" comme intitulé de votre email" et en n'oubliant pas de joindre vos coordonnées pour l'envoi des lots), regardez la bande-annonce ci-dessus (du moins, pour les 3 premières questions). Les 3 plus rapides à me donner les bonnes réponses remporteront le livre "L'homme qui rit" de Victor Hugo ET 2 places de cinéma (chacun) pour découvrir le film en salles. Les deux suivants remporteront chacun 2 places de cinéma.

1. "Là où la multitude voyait le monstre, Déa, aveugle, voyait l'archange?". Comment se prénomme le personnage qui prononce cette phrase dans la bande-annonce?

2. Qui interprète le rôle de la Duchesse?

3. Quel acteur dit "La vie n'est qu'une longue perte de ceux qu'on aime"?

4.  A qui s'adresse le célèbre poème de Victor Hugo qui débute ainsi "Demain, dès l'aube, à l'heure où blanchit la campagne,..."

5. Où se trouve le musée Victor Hugo à Paris? (je vous le recommande vivement au passage).

6. Quel est votre roman ou texte de Victor Hugo préféré et pourquoi? (en une phrase même si c'est très-trop-court)?

7. Quel cinéaste a également été inspiré par le personnage de Gwynplaine?

Critique - « L’Homme qui rit » de Jean-Pierre Améris avec Gérard Depardieu, Marc-André Grondin, Christa Théret, Emmanuelle Seigner, Swann Arlaud…

Je vous avais parlé de mon enthousiasme pour ce film, « Louise Wimmer » de Cyril Mennegun, lors du dernier Festival international des jeunes réalisateurs de Saint-Jean de Luz dans le cadre duquel il était sélectionné en compétition et dont il était d’ailleurs reparti bredouille, à ma grande déception (il faut dire que la sélection était de qualité, je vous parlerai prochainement de mon autre coup de cœur du festival « Une bouteille à la mer » de Thierry Binisti) malgré un accueil enthousiaste du public.  Présenté à la Mostra de Venise en première mondiale, le film a  néanmoins déjà obtenu plusieurs récompenses dans divers festivals.

Je suis donc ravie de pouvoir vous proposer, pour ce dernier concours de l’année 2011, 3 places pour deux pour le découvrir en salles.

Synopsis « officiel » : "Après une séparation douloureuse, Louise Wimmer a laissé sa vie d’avant loin derrière elle. A la veille de ses cinquante ans, elle vit dans sa voiture et a pour seul but de trouver un appartement et de repartir de zéro. Armée de sa voiture et de la voix de Nina Simone, elle veut tout faire pour reconquérir sa vie."- 

Louise Wimmer c’est une femme comme il y en a tant d’autres, que nous croisons sans le savoir, qui se drapent dans leur fierté pour dissimuler leurs malheurs. Son histoire se déroule par bribes, de judicieuses ellipses qui renforcent le caractère universel du sujet, dramatiquement actuel.

Nous devinons qu’elle s’est retrouvée à la rue suite à une séparation, ce que tout son entourage ignore. Au lieu d’en faire une femme pitoyable, Cyril Mennegun dresse le portrait une femme noble et fière et même au départ un peu antipathique que le spectateur au fil du récit, accompagnant dans ses échecs révoltants, prend en empathie. Il est incompréhensible que Corinne Masiero n’ait pas eu le prix d’interprétation à Saint-Jean de Luz tant son visage âpre marqué par la vie qui en devient beau tant Cyril Mennegun la filme avec justesse, empathie, et dignité, dévore l’écran, nous happe, tant elle donne corps et âme à cette femme qui ressemble à la fois à tant d’autres et aucune autre.

 Je partage l’émotion qui a submergé le délégué général du festival de Saint-Jean de Luz quand il a dû interviewer le réalisateur et son actrice juste après la projection. Une belle leçon d’humanité (mais qui, surtout ne se donne pas des airs de leçon). Sans oublier la musique de Nina Simone symbole de liberté et d’emprisonnement aussi puisque c’est la seule musique que Louise peut écouter et qui évoque la même beauté rude et douloureuse que celle de son personnage.

Cyril Mennegun est avant tout réalisateur de documentaires (notamment de « Tahar  l’étudiant », portrait de Tahar Rahim qui sera d’ailleurs l’acteur principal de son prochain film "Insight" comme il l’a révélé à Saint Jean de Luz) et son expérience nourrit prodigieusement son film qui exhale de troublants accents de réalisme, sa caméra ne quittant pas cette femme. Un film plein de vie, de violence dramatiquement quotidienne aussi, empreint d’un regard jamais complaisant.

 Cyril Mennegun a ainsi raconté que c'est après avoir croisé, lors du tournage d'un documentaire, une femme qui s'appelait Corinne et vivait dans sa voiture, mais qu'il n'a "jamais pu filmer" et qu'il a "perdu assez vite", qu'est née l'idée du film, une histoire semble-t-il aussi proche de ce qu’a pu vivre la comédienne (que Cyril Mennegun dit avoir découverte dans un téléfilm diffusé un soir à la télévision). "Ce film est empreint de ce qu'elle est » a-t-il ainsi déclaré. On la retrouvera bien heureusement prochainement dans le prochain film de Jacques Audiard.

Un film plein de vie et, comme elle et son incroyable interprète principale (Corinne Masiero), âpre et lumineux. Le premier grand choc cinématographique de cette année 2012 à découvrir absolument le 4 janvier 2012. La découverte d’un cinéaste qui rappelle les plus grands cinéastes du réalisme social britannique et d’une comédienne qui porte ce film magnifiquement bouleversant et tristement universel, et qui s’achève sur une note d’espoir d’une beauté aussi simple que ravageuse.

Pour la sortie du film, un dispositif de street marketing a été mis en place dans 3 grandes villes : Paris, Lyon et Lille. Plus de 8 000 post-its manuscrits (que vous avez ainsi peut-être vus) mentionnant "Louise Wimmer : 06-43-02-59-18" ont été collés dans des endroits à fort trafic : dans le métro, sur les scooters, les vélos... Du 19 décembre à mi-janvier, une comédienne incarnant le personnage principal du film vous répond  même au téléphone.  En deux jours, plus de 500 appels ont été générés et des dizaines de messages ont été laissés sur le répondeur.

 Lien: Fan Page Facebook du Film: La fanpage: http://www.facebook.com/LWLeFilm

CONCOURS

Pour remporter vos deux places pour "Louise Wimmer", soyez les premiers à répondre aux 4 questions suivantes, en envoyant vos réponses à inthemoodforcinema@gmail.com, avec pour intitulé de votre email "Concours Louise Wimmer" en n'oubliant pas de joindre vos coordonnées. 

1. Dîtes-moi de quel film provient l'image ci-dessous (indice dans la critique de "Louise Wimmer")

2. Quel est le film ci-dessous? Quel rapport avec Louise Wimmer?

3. Que vous évoquent ces chiffres? Quel rapport avec "Louise Wimmer"?

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4. En une phrase, pour quelle(s) raison(s), souhaitez-vous voir ce film?

Cet article est également en ligne sur mon nouveau blog http://inthemoodlemag.com

Vous n'êtes pas sans avoir entendu parler du Festival des créations audiovisuelles de Luchon dont ce sera cette année le 13ème édition. Au coeur des Pyrénées et de l'hiver, début février (cette année du 9 au 13), c'est un festival de référence pour le monde des professionnels français et espagnols, pour les médias spécialisés et généralistes et pour le public.

Le jury sera cette année présidé par Zabou Breitman.

Le concept est de promouvoir l’excellence de la fiction française en présentant en avant-première les meilleures créations de la télévision pour la saison à venir mais aussi en médiatisant, promouvant ces programmes et leurs acteurs. Le festival réunit ainsi de manière cordiale mais efficace les professionnels de l’audiovisuel (les chaines, les producteurs, les réalisateurs, les scénaristes ….. ) aussi bien pour des tables rondes (master class, conférences, ateliers de scénarios...), des rendez-vous de travail, que pour des ballades à ski .Un coup de projecteur chaque année met en lumière une télévision étrangère. Enfin, dans le cadre de la compétition, les meilleures œuvres sont récompensées par un Jury de professionnels. A voir également la section de courts-métrages, ou de programmes web et tv. Parmi les fictions en compétition: "Accusé Mendès France", "E-love", "Isabelle disparue", "Joseph l'Insoumis", "Le temps du silence", "Louis XI, le pouvoir fracassé", "V comme Vian"...dans la catégorie fictions unitaires. Dans la catégorie "Séries": "Hard", "Les beaux mecs"... Pour connaître le programme complet, rendez-vous sur le site officiel du Festival de Luchon et sur sa page Facebook.

Bref, une sélection pour tous les goûts qui vous donnera un large aperçu des créations audiovisuelles françaises et j'avoue que j'y serais allée avec plaisir si j'en avais eu la possibilité. Donc profitez-en puisque je vous donne cette chance, en vous offrant l'accréditation permanente, en partenariat avec Orange.

Concours: Pour faire partie des 5 heureux élus, dîtes-moi  par email à inthemoodforcinema@gmail.com, avec pour intitulé de votre email "Concours Luchon" , avant le 4 février 2011, et en n'oubliant pas de joindre vos coordonnées:

1. Quel téléfilm a reçu le prix du public 2010?

2. Qui a reçu le prix du meilleur scénario décerné par le jury de professionnels, l'an passé?

3. Quel grand cinéaste présidait le jury de professionnels l'an passé?

4. En une phrase ou en une page, pour départager les gagnants, pourquoi souhaitez-vous assister à ce festival?

En 2011, j'ai le plaisir de poursuivre le partenariat avec Studio Ciné Live que je lis depuis les prémisses de ma passion pour le cinéma (enfin quand il ne s'agissait encore que de Studio Magazine puis ensuite de Ciné Live avant que les deux ne se rejoignent pour ne conserver que le meilleur de chacun d'eux), madeleine de Proust que je continue à découvrir chaque mois avec le même enthousiasme.

Ce mois-ci, pour le numéro 23 (déjà!) de février, ce sont Clint Eastwood et Matt Damon qui sont à l'honneur pour la sortie d'"Au-delà". Je lirai également avec beaucoup d'intérêt la focus story consacrée à "Black swan" de Darren Aronofsky dont vous pouvez d'ailleurs d'ores et déjà retrouver ma critique ici. Intéressant est également le top 2010 des lecteurs avec en tête "Inception", "Shutter island" et "Les petits mouchoirs" dont vous pouvez également retrouver les critiques sur inthemoodforcinema.com. Vous pourrez également retrouver les 26 jeunes espoirs français en attendant l'annonce des nommés aux César vendredi prochain. Je vous laisse découvrir le sommaire complet ci-dessous.

 J'en profite également pour vous recommander l'excellent site de Studio Ciné Live sur l'Express.

Concours: Pour remportez votre exemplaire, donnez-moi avant vendredi, minuit, dix bonnes raisons pour lesquelles je dois vous faire gagner ce magazine à inthemoodforcinema@gmail.com avec pour intitulé de votre email "Concours magazine". Le ou la  plus enthousiaste/motivé(e)/original(e) remportera ce magazine.

SOMMAIRE DU STUDIO CINE LIVE n°23 de Février 2011

Studio Ciné Live consacre un dossier spécial au dernier film de Clint Eastwood, Au-delà, avec :

-Deux rencontres exclusives, l’une avec Clint Eastwood et l’autre avec Matt Damon.

- Pour Studio Ciné Live, Cécile de France  livre son journal de tournage sur le film. À lire absolument.

+ en cadeau avec Studio Ciné Live : un documentaire sur Clint Eastwood à télécharger.

mais aussi:

-Le TOP 10 des meilleurs films de 2010. Après avoir élu ses coups de coeur de 2010, la rédaction de Studio Ciné Live donne la parole aux lecteurs, voici donc les trois premiers du classement des lecteurs : Inception, Shutter Island et Les petits mouchoirs. Retrouvez la suite en page 14.

 -Focus investigation : l’ Imax. Depuis ses débuts, le 7e art ne cesse de repousser ses imites technologiques. Retour sur une réussite poustouflante : l’Imax. Enquête.

 -Portfolio : Les espoirs du cinéma français En partenariat avec l’Académie des César, Studio Ciné Live vous présente une série de clichés réunissant 26 jeunes espoirs français. À voir, page 84.

-La leçon de cinéma de Peter Weir. Huit ans après Master and Commander, Peter Weir présente son nouveau film : Les chemins de la liberté. L’occasion pour lui de revenir sur ce qu’est son cinéma.

 -Focus Story: Black Swan. Rencontre avec le réalisateur Darren Aronofsky qui s’explique sur le choix de ses actrices pour Black Swan, son nouveau film.

 Et tous ceux qui font l’actu ciné du mois J: eff Bridges, Paul Rudd, Colin Firth, Dany Boon, Luc Besson, Benoît Poelvoorde…

copyright Alain Fleischer

Ce blog, il y a 7 ans, est né pour vous parler de festivals cinématographiques et vous faire partager mes pérégrinations festivalières. En 2011, plus que jamais, je continuerai à vous tenir informés de l'actualité festivalière, quand c'est possible en direct ou bien en vous permettant d'en profiter par le biais de concours.

Pour ce début d'année, j'ai le plaisir de vous proposer un concours inédit et, grâce à Orange, de vous faire gagner des pass pour le FIPA (Festival International  des Programmes Audiovisuels) à Biarritz du 24 au 30 janvier prochain, ce festival est une réfèrence dans son domaine et reçoit chaque année des programmes de qualité et des invités prestigieux.

 Comme le délai imparti est court, je vais faire plus simple que d'habitude. Avant de répondre assurez-vous d'être disponibles et de pouvoir vous rendre à Biarritz ( rien ne vous empêche néanmoins de faire cadeau de vos pass).  Vous pourrez bien entendu très bientôt trouver toutes les informations sur le programme du festival sur ce blog dès qu'il sera communiqué.

Le programme est le suivant:

Lundi 24 : Ouverture, une projection
Du mardi 25 décembre au samedi 29 décembre, projections toute la journée en soirée dans 6 salles
Dimanche 30: reprise des 6 programmes primés dans 3 salles.

CONCOURS:

Je dispose de 70 pass. Afin que cela soit plus intéressant pour vous, j'ai décidé d'attribuer 10 pass permanents. Les plus rapides et motivés recevront ces pass.

Pour remporter ces pass, c'est vraiment très simple. Répondez à ces 3 questions dont vous trouverez les réponses sur le site officiel du FIPA, en envoyant vos réponses ainsi que vos coordonnées postales à inthemoodforcinema@gmail.com avec pour intitulé de votre email "Concours FIPA". Pas de date limite si ce n'est le début du festival, les pass seront délivrés aux plus rapides. Les pass vous seront envoyés directement par Orange. Je contacterai uniquement les gagnants.

1.Qui présidait le jury fiction du FIPA 2010?

2. Quel film a remporté le FIPA d'or 2010?

3. En une phrase, pourquoi souhaitez-vous assister à ce festival?

Présentation du FIPA:

Le FIPA est un festival de programmes audiovisuels internationaux. Ses principes fondateurs sont : indépendance, qualité, diversité, innovation et référence. Il se positionne comme un véritable observatoire de la création audiovisuelle internationale et a pour objectif d'inciter au développement de productions de qualité. Lieu de découvertes et de débats, le FIPA est un rendez-vous annuel incontournable pour les professionnels de la télévision mais aussi pour le public qui vient chaque année plus nombreux. Les prix qui y sont décernés, par des jurys prestigieux, sont une référence dans le secteur de l'audiovisuel et un facteur déterminant pour les carrières et les ventes dans le monde des programmes. Le FIPA est une occasion unique d'apprécier la richesse et la diversité de la production audiovisuelle de l'année écoulée. Il démontre depuis plus de 23 ans que, bien loin des productions formatées, des programmes qui ne seront peut-être pas diffusés sur les chaînes de télévision peuvent captiver les spectateurs, curieux et désireux de découvrir de nouveaux regards sur le monde. Au-delà du festival, le FIPA a crée un marché sélectif : le FIPATEL qui repose sur les mêmes exigences de qualité et de diversité. Il permet aux programmes d'être visionnés par des professionnels du monde entier ce qui leur offre de réelles perspectives de diffusion. Le FIPA oeuvre également en faveur de l'éducation à l'image des jeunes en sélectionnant des programmes réalisés par des étudiants, en permettant à un jury de jeunes européens de récompenser une oeuvre d’une des sections compétitives, en mettant en place des séances scolaires, des débats ou encore des master class. Fictions, documentaires, séries, grands reportages, musique et spectacles, programmes courts : cinq jours de télévision idéale, de regards lucides, indépendants et exigeants, d'approches sensibles et révélatrices du monde actuel.Chaque année, 1600 programmes s'inscrivent pour représenter 70 pays. Au programme: hommages, compétition, débats, rencontres avec les réalisateurs...

Site internet du fipa: http://www.fipa.tm.fr/fr/

Page Facebook du FIPA: http://www.facebook.com/festival.FIPA?ref=ts&v=app_3801015922

Grâce à touscoprod (qui, si vous ne connaissez pas encore, permet aux internautes de coproduire des films à partir de 10€ et de participer à la réalisation de leur succès), j'ai le plaisir de vous faire gagner aujourd'hui 5 places pour le film suèdois "Sound of noise" de Ola Simonsson et Johannes Stjärne Nilsson qui sortira en salles le 29 décembre prochain, un des films évènements du Festival de Cannes 2010.

Synopsis:  L’officier de police Amadeus Warnebring est né dans une illustre famille de musiciens et, ironie du sort, il déteste la musique. Un groupe de musiciens déjantés – mené par la belle et révoltée Sanna- décide d’exécuter une œuvre musicale apocalyptique en utilisant la ville comme instrument de musique… Leur art dévoyé provoque chaos et désordre dans la cité. Warnebring s’engage alors à corps perdu dans la traque de ces terroristes musicaux. Lorsqu’il réalise que la jeune femme qu’il aime en secret fait partie de ce gang, il ne voit plus qu’une solution, entrer dans le monde qu’il a fui toute sa vie, le monde terrifiant de la musique.

Les réalisateurs Ola Simonsson et Johannes Stjärne Nilsson signent là leur premier long métrage avec ce "thriller musical". Ils ont déjà fait parler d'eux avec un premier court métrage, "Music for one apartment and six drummers" sélectionné au Festival de Cannes en 2001 et récompensé par plus de 30 prix internationaux. Ils sont revenus sur la Croisette en 2006 à la Semaine de la Critique avec un autre court, "Woman and Gramophone". « Sound of noise » a été un des événements du Festival de Cannes 2010, en sélection à la Semaine de la Critique.

CONCOURS: Pour répondre aux questions, rendez-vous sur la page de touscoprod consacrée au film et répondez en m'envoyant un email à inthemoodforcinema@gmail.com en n'oubliant pas de préciser vos coordonnées, avant le 21 décembre à minuit, avec pour intitulé de votre email "Concours sound of noise". Seuls les gagnants (les 5 premiers à trouver les bonnes réponses) seront contactés.

1.Le 25 novembre, "Sound of noise" a fait l'ouverture d'un festival. De quel festival s'agissait-il?

2."Sound of noise" a reçu le Baltic jury prize. Dans quel festival ce prix est-il décerné?

3."Sound of noise" a été sélectionné dans un festival dont il s'agissait de la 26ème édition. De quel festival s'agissait-il?

4. Regardez la vidéo de l'avant-première parisienne et donnez-moi 3 mots par lesquels les spectateurs définissent le film.