Présentation du festival
Pour Victor Hugo, "La musique exprime ce qui ne peut être dit et sur quoi il est impossible de rester silencieux." Exprimer l'indicible est une des qualités (parmi d'autres) de la musique de film que le Festival du Cinéma et Musique de Film La Baule a la judicieuse idée de mettre à l'honneur chaque année depuis 9 ans. Si vous voulez avoir une idée de ce en quoi consiste ce festival et des raisons pour lesquelles c'est désormais un évènement incontournable de l'année cinématographique (au même titre que des festivals plus anciens comme Cabourg ou Dinard), retrouvez mes articles depuis la première édition et, ici, mon compte-rendu détaillé de l'édition 2022.
Ce festival est ainsi un évènement unique et rare tant par la qualité des films projetés, la symbiose entre cinéma et musique que la convivialité qui y règne. Le tout dans le cadre majestueux de la Baie de La Baule qui sert d’écrin à ce festival qui, en 9 ans, a réussi à s’imposer comme un évènement cinématographique et musical indispensable avec, à son générique, des films majeurs, mais aussi des concerts marquants des plus grands compositeurs de musiques de films à l’image de ce que sera sans aucun doute celui de cette année.
Il y a deux ans, les organisateurs de ce festival (créé et dirigé par Sam Bobino, notamment fondateur des Paris Film Critics Awards -vous trouverez ici mon compte-rendu détaillé et le palmarès de l'édition 2023 - et le cinéaste Christophe Barratier) avaient eu la judicieuse idée d’inaugurer une nouvelle formule mettant l’accent sur le cinéma français. Le festival devient ainsi une fenêtre d’exposition pour les films qui sortent pendant l’été, une idée lumineuse quand certains films à l’affiche en juillet-août ne bénéficient pas de la visibilité qu’ils mériteraient.
9ème édition
"Comme par magie" de Christophe Barratier fera l'ouverture du festival.
Le Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule revient ainsi pour une 9ème édition, du 28 juin au 2 juillet 2023. Pour cette nouvelle édition, les organisateurs ont prévu de nombreuses surprises. Et toujours une sélection de longs et courts-métrages français en avant-première (en compétition ou hors compétition avec, notamment, le dernier film du cofondateur du festival, Christophe Barratier, tourné en partie à La Baule, Comme par magie, en ouverture (le film sera présenté en hors compétition pour la première fois au public en présence du réalisateur, celle du compositeur Bertrand Burgalat et des acteurs principaux, Kev Adams et Gérard Jugnot. Cette comédie produite par M.E.S Productions, marquera les retrouvailles entre Christophe Barratier et Gérard Jugnot, 20 ans après Les Choristes et 15 ans après Faubourg 36), un panorama de films internationaux singuliers (les “coups de projecteur’’, en partenariat avec Universciné parmi lesquels, comme chaque année, des pépites à découvrir), l’organisation de rencontres et d’échanges avec les artistes (les masters class : cette année Radu Mihaileanu, Ariane Ascaride, Ludovic Bource, Jean-Michel Bernard, Sacha Chaban), des projections sur la plage (The Artist de Michel Hazavanicius, en présence de son compositeur Ludovic Bource, à l'occasion des 100 ans de la Warner Bros, à revoir absolument, vous trouverez ma critique ci-dessous, dans cet article), une grande exposition intitulée Music & Iconic et des animations…sans oublier l'incontournable concert lors de la soirée du palmarès, cette année celui de Kyle Eastwood. Cette année, 24 films seront présentés dont 22 en avant-première (19 longs métrages dont 5 en compétition et 5 courts métrages également en compétition). Au total ce sont 34 projections qui seront organisées durant 5 jours (avec les reprises des films durant le week-end).
Un festival découvreur de talents
Les films découverts dans le cadre de ce festival sont souvent les meilleurs de l’année parmi lesquels il y eut : Paterson, À peine j’ouvre les yeux, Tanna, Le Prophète, Demain tout commence, Born to be blue, Jalouse, L’attente, Mr. Turner, Carole Matthieu, Tout nous sépare, Guy, La tortue rouge, Les hirondelles de Kaboul et, rien que pour l’année 2019, en compétition, sans doute les meilleurs films de l’année (Les Éblouis, J’ai perdu mon corps, La Belle époque, La dernière vie de Simon, La nuit venue, Lola vers la mer)…et tant d’autres et aussi de nombreux documentaires comme Abdel Rahman El Bacha - Un piano entre Orient et Occident, ou encore des courts-métrages. L'édition 2022 n'avait pas dérogé à la règle notamment avec la projection du documentaire Ennio de Giuseppe Tornatore, ou encore en compétition les films I love Greece de Nafsika Guerry-Karamounas, Flee de Jonas Poher Ramussen, mais aussi Maria rêve de Lauriane Escaffre et Yvonnick Muller...
Des concerts mémorables
Chaque année, le festival propose aussi des master class passionnantes et des concerts mémorables comme le furent ceux de Francis Lai, Michel Legrand, Lalo Schifrin, Eric Serra, Gabriel Yared, Vladimir Cosma, Philippe Sarde et Alexandre Desplat l’an passé.
Photos ci-dessus par Inthemoodforcinema.com : Francis Lai, Lalo Schifrin et Vladimir Cosma au Festival de La Baule.
Kyle Eastwood, invité d'honneur de la 9ème édition et concert hommage "Eastwood by Eastwood" dirigé par Kyle Eastwood et son quintet
Cette année, le Festival de La Baule met à l’honneur le musicien, compositeur et arrangeur de musiques de film, Kyle Eastwood. Il se produira sur la scène du Palais des Festivals et des Congrès Jacques Chirac–Atlantia de La Baule lors d’un concert hommage aux plus belles musiques des films de son père, l’acteur et réalisateur Clint Eastwood, dont certaines qu’il a composées lui-même, un concert inédit de Kyle Eastwood, entouré de son quintet, intitulé Eastwood by Eastwood, le samedi 1er juillet prochain à 19H (pour lequel je vous recommande d'ores et déjà de réserver, ce concert sera précédé de la cérémonie de remise des prix du festival).
Crédit photos : Jérôme Bonnet
Fils de Clint, mais avant tout talentueux contrebassiste de jazz et compositeur ou arrangeur de musiques de film dont Gran Torino, Mystic River, Million Dollar Baby, Lettres d’Iwo Jima et Invictus, Kyle Eastwood est l’auteur de huit albums dont le dernier , Cinematic, est une variation sur des thèmes cultes du cinéma. Le quintet de Kyle Eastwood y sublime la ballade de Gran Torino, y fait swinguer Pink Panther et groover le thème de Skyfall.
Le jury
Radu Mihaileanu, président du jury de la 9ème édition
C’est Radu Mihaileanu, le réalisateur du film aux 2 millions de spectateurs, Le Concert, qui présidera le jury de cette 9ème édition. Grand cinéaste humaniste et lyrique, découvert avec un second film à l’incroyable trajectoire internationale (Train de vie), Radu Mihaileanu incarne la solidité du lien franco-roumain, comme autrefois Cioran ou Sergiu Celibidache. Son plus grand succès public, Le Concert, film autour de l’univers de la musique, exprime pleinement la passion de Radu Mihaileanu pour la musique en général et pour celle aux tonalités slaves ou orientales en particulier, comme le démontre sa collaboration avec le compositeur Goran Bregović pour Train de vie ou Armand Amar son compositeur d’élection avec qui il a signé quatre films : Va, Vis et deviens (un très grand film que je vous recommande vivement, récompensé par le César du meilleur scénario original l’année suivante, après avoir reçu plusieurs prix lors de la Berlinale 2005), Le Concert, La Source des Femmes et L’Histoire de l’Amour, sans oublier Béatrice Thiriet pour le téléfilm Les Pygmées de Carlo. Pour Radu Mihaileanu « la musique c’est la vie » et elle est indissociable de son œuvre. C’est en passionné et grand connaisseur de musiques que Radu Mihaileanu présidera ce 9e jury du Festival de La Baule.
Il sera entouré de : Amanda Sthers (qui viendra présenter son dernier film, Les Promesses), Irène Drésel Drésel (César 2023 de la meilleure musique originale pour À plein temps), Victoria Bedos, Stéphane de Groodt.
9 prix seront décernés : Meilleur Film 2023, Meilleure Musique de film 2023, Meilleure Interprétation 2023, Meilleur Court-Métrage 2023, Prix du Public 2023 Groupe Barrière, Prix spécial Coup de Projecteur 2023 UniversCiné, Meilleure Musique de l’année 2023, Révélation Jeune Talent Compositeur 2023, Prix d’Honneur 2023.
Les films en compétition
- Le théorème de Marguerite de Anna Novion
Musique : Pascal Bideau
- Sur la branche de Marie Garel Weiss
Musique : Ferdinand Berville et Pierre Allio
- Une nuit de Alex Lutz
Musique : Vincent Blanchard
- Sous le tapis de Camille Japy
Musique : M (Matthieu Chedid)
- Le Syndrome des amours passées de Ann Sirot Raphaël Balboni
Musique : Julie Roué
Courts métrages en compétition
- Le Père, le Fils et le Rav Kalmenson de Dayan D. Oualid
- Love on the beach de Anne Barbier
- Mukbanger de Hugo Becker (qui fut présenté dans le cadre des courts métrages de l’ADAMI Talents Cannes, je vous recommande ce film choc)
- The last dinner de Marie-Ange Casalta
- Boussa the kiss de Azedine Kasri
Longs métrages hors compétition
- Comme par magie de Christophe Barratier (film d’ouverture)
Musique : Bertrand Burgalat
- Toni en famille de Nathan Ambrosioni
-Petit Jésus de Julien Rigoulot
Musique : Mahieu Lafontaine
- Super bourrés de Bastien Milheau
Musique : Alexis Rault
- Les Promesses de Amanda Sthers
Musique : Andrea Laszlo de Simone
Ciné Jeunesse – Hors compétition
- Super lion de Rasmus A. Sivertsen
Musique : Stein Johan Grieg Halvorsen, Eyvind Andreas Skeie
Coups de projecteurs longs métrages avec Universciné
- Club zéro de Jessica Hausner
Musique : Markus Binder
- Le Colibri de Francesca Archibugi
Musique : Battista Lena
- Linda veut du poulet de Chiara Malta et Sébastien Laudenbach
Musique : Clément Ducol
- Les Meutes de Kamal Lazraq
Musique : Pauline Rambeau de Baralon
- Les Algues vertes de Pierre Jolivet
Musique : Adrien Jolivet
Doc musical
- Squaring the circle de Anton Corbijn
L’invité : Ludovic Bource
Le compositeur oscarisé pour The Artist de Michel Hazanavicius (en 2012), lauréat du prix de la meilleure musique au Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule 2022 pour e Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ?, sera cette année présent au festival comme invité de deux master-class (dont une scolaire) et, en passage de relais, comme remettant au lauréat 2023 de la meilleure musique.
Le Festival de La Baule célèbre les 100 ans de la Warner
J’ai consacré il y a quelques jours, ici, un article aux 100 ans de la Warner. Le Festival de La Baule a l’excellente idée de les célébrer également avec la projection sur la plage de La Baule du film The Artist que viendra présenter son compositeur Ludovic Bource. Il donnera une master class et participera à une initiation à la musique à l'image destinée aux élèves des écoles primaires de La Baule.
Critique de The Artist de Michel Hazanavicius
- et souvenir de projection au Festival de Cannes 2011, ma critique ci-dessous fut intialement publiée suite à cette projection -
(Un film à -re-voir sur la plage de la Baule)
C’était un dimanche matin de mai 2011, le début du Festival de Cannes encore, en projection presse. Pas encore vraiment l’effervescence pour le film qui obtint la palme d’or mais un joli bruissement d’impatience parmi les regards déjà las, ou obstinément sceptiques. 1H40 plus tard, la salle résonnait d’applaudissements, pendant dix minutes, fait rare en projection presse. Le soir même, j'étais retournée le voir en projection officielle. L’émotion fut la même, redoublée par la présence de l’équipe du film, terriblement émue elle aussi par les réactions enthousiastes du public, par les rires tendres, par cette cavalcade d’applaudissements qui a commencé lors de la dernière scène et ne s’est plus arrêtée pour continuer pendant un temps qui m’a paru délicieusement long. Un beau, rare et grand moment du Festival de Cannes.
Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011
Le pari était pourtant loin d’être gagné d’avance. Un film muet (ou quasiment puisqu’il y a quelques bruitages). En noir et blanc. Tourné à Hollywood. En 35 jours. Par un réalisateur qui jusque là avait excellé dans son genre, celui de la brillante reconstitution parodique, mais très éloigné de l’univers dans lequel ce film nous plonge. Il fallait beaucoup d’audace, de détermination, de patience, de passion, de confiance, et un peu de chance sans doute aussi, sans oublier le courage -et l’intuition- d’un producteur (Thomas Langmann) pour arriver à bout d’un tel projet. Le pari était déjà gagné quand le Festival de Cannes l’a sélectionné d’abord hors compétition pour le faire passer ensuite en compétition, là encore fait exceptionnel.
Le film débute à Hollywood, en 1927, date fatidique pour le cinéma puisque c’est celle de l’arrivée du parlant. George Valentin (Jean Dujardin) est une vedette du cinéma muet qui connaît un succès retentissant mais l’arrivée des films parlants va le faire passer de la lumière à l’ombre et le plonger dans l’oubli. Pendant ce temps, une jeune figurante, Peppy Miller (Bérénice Béjo) qu’il aura au départ involontairement placée dans la lumière, va voir sa carrière débuter de manière éblouissante. Le film raconte l’histoire de leurs destins croisés.
Qui aime sincèrement le cinéma ne peut pas ne pas aimer ce film qui y est un hommage permanent et éclatant. Hommage à ceux qui ont jalonné et construit son histoire, d’abord, évidemment. De Murnau à Welles, en passant par Borzage, Hazanavicius cite brillamment ceux qui l’ont ostensiblement inspiré. Hommage au burlesque aussi, avec son mélange de tendresse et de gravité, et évidemment, même s’il s’en défend, à Chaplin qui, lui aussi, lui surtout, dans « Les feux de la rampe », avait réalisé un hymne à l'art qui porte ou détruit, élève ou ravage, lorsque le public, si versatile, devient amnésique, lorsque le talent se tarit, lorsqu’il faut passer de la lumière éblouissante à l’ombre dévastatrice. Le personnage de Jean Dujardin est aussi un hommage au cinéma d’hier : un mélange de Douglas Fairbanks, Clark Gable, Rudolph Valentino, et du personnage de Charles Foster Kane (magnifiques citations de Citizen Kane) et Bérénice Béjo, avec le personnage de Peppy Miller est, quant à elle, un mélange de Louise Brooks, Marlène Dietrich, Joan Crawford…et nombreuses autres inoubliables stars du muet.
Le cinéma a souvent parlé de lui-même… ce qui a d’ailleurs souvent produit des chefs d’œuvre. Il y a évidemment La comtesse aux pieds nus de Mankiewicz, La Nuit américaine de Truffaut, Sunset Boulevard de Billy Wilder, Une étoile est née de George Cukor et encore Chantons sous la pluie de Stanley Donen et Gene Kelly auxquels The Artist, de par son sujet, fait évidemment penser. Désormais, parmi ces classiques, il faudra citer The Artist de Michel Hazanavicius. Ses précédents films étaient d'ailleurs déjà des hommages au cinéma. On se souvient ainsi des références à Sueurs froides ou La Mort aux trousses d'Hitchcock dans OSS 117 : Rio ne répond plus.
Hazanavicius joue ainsi constamment et doublement la mise en abyme : un film muet en noir et blanc qui nous parle du cinéma muet en noir et blanc mais aussi qui est un écho à une autre révolution que connaît alors le cinéma, celle du Numérique.
Le mot jubilatoire semble avoir été inventé pour ce film, constamment réjouissant, vous faisant passer du rire aux larmes, ou parfois vous faisant rire et pleurer en même temps. Le scénario et la réalisation y sont pour beaucoup mais aussi la photographie (formidable travail du chef opérateur Guillaume Schiffman qui, par des nuances de gris, traduit les états d’âme de Georges Valentin), la musique envoûtante (signée Ludovic Bource, qui porte l’émotion à son paroxysme, avec quelques emprunts assumés là aussi, notamment à Bernard Herrmann) et évidemment les acteurs au premier rang desquels Jean Dujardin qui méritait amplement son prix d’interprétation cannois.
Flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, il fait passer dans son regard une foule d’émotions, de la fierté aux regrets, de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance. Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans Un balcon sur la mer de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer. Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage.
Une des plus belles et significatives scènes est sans doute celle où il croise Peppy Miller dans un escalier, le jour du Krach de 1929. Elle monte, lui descend. A l’image de leurs carrières. Lui masque son désarroi. Elle, sa conscience de celui-ci, sans pour autant dissimuler son enthousiasme lié à sa propre réussite. Dujardin y est d’une fierté, d’une mélancolie, et d’une gaieté feinte bouleversantes, comme à bien d’autres moments du film. Bérénice Béjo ne démérite pas non plus dans ce nouveau rôle de « meilleur espoir féminin » à la personnalité étincelante et généreuse, malgré un bref sursaut de vanité de son personnage. Il ne faudrait pas non plus oublier les comédiens anglo-saxons : John Goodman, Malcolm McDowell et John Cromwell (formidablement touchant dans le rôle du fidèle Clifton).
Il y eut bien quelques cyniques pour dire que ce mélodrame est plein de bons sentiments, mais Hazanicius assume justement ce mélodrame. The Artist est en effet aussi une très belle histoire d’amour simple et émouvante, entre Peppy et Georges mais aussi entre Georges et son cabot-in Uggy : leur duo donne lieu à des scènes tantôt drôles, tantôt poétiques, tantôt touchantes, et là encore parfois au trois en même temps. Hommage aussi à ce pouvoir magique du cinéma que de susciter des émotions si diverses et parfois contradictoires.
Michel Hazanavicius évite tous les écueils et signe là un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité.
Ce film m’a éblouie, amusée, émue. Parce qu’il convoque de nombreux souvenirs de cinéma. Parce qu’il est une déclaration d’amour follement belle au cinéma. Parce qu’il ressemble à tant de films du passé et à aucun autre film contemporain. Parce qu’il m’a fait ressentir cette même émotion que ces films des années 20 et 30 auxquels il rend un vibrant hommage. Parce que la réalisation est étonnamment inspirée (dans les deux sens du terme d’ailleurs puisque, en conférence de presse, Michel Hazanavicius a revendiqué son inspiration et même avoir « volé » certains cinéastes). Parce qu’il est burlesque, inventif, malin, poétique, et touchant. Parce qu’il montre les artistes dans leurs belles et poignantes contradictions et fêlures.
Il ne se rapproche d’aucun autre film primé jusqu’à présent à Cannes…et en sélectionnant cet hymne au cinéma en compétition puis en le primant, le Festival de Cannes a prouvé qu’il était avant tout le festival qui aime le cinéma, tous les cinémas, loin de la caricature d’une compétition de films d’auteurs représentant toujours le même petit cercle d’habitués dans laquelle on tend parfois à l’enfermer.
The Artist fait partie de ces films qui ont fait de cette édition cannoise 2011 une des meilleures de celles auxquelles j’ai assisté, pour ne pas dire la meilleure…avec des films aussi différents et marquants que This must be the place de Paolo Sorrentino, Melancholia de Lars von Trier, La piel que habito de Pedro Almodovar.
Un film à ne manquer sous aucun prétexte si, comme moi, vous aimez passionnément et même à la folie, le cinéma. Rarement un film aura aussi bien su en concentrer la beauté simple et magique, poignante et foudroyante. Oui, foudroyante comme la découverte de ce plaisir immense et intense que connaissent les amoureux du cinéma lorsqu’ils voient un film pour la première fois, et découvrent son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici.
Gran Torino de Clint Eastwood - Critique
Walt Kowalski ( oui, Kowalski comme Marlon Brando dans Un tramway nommé désir), Walt Kowalski (Clint Eastwood) donc, ancien vétéran de la guerre de Corée et retraité de l’usine Ford de Détroit, a tout pour plaire : misanthrope, raciste, aigri, violent, cynique, irascible, intolérant. Et très seul. D’autant plus que lorsque débute l’intrigue, il enterre sa femme méprisant autant ses enfants et petits-enfants que ceux-ci le dédaignent. Enfin, seul… ou presque : il est toujours accompagné de la fidèle Daisy, son labrador, de son fusil, de sa voiture de collection, une splendide Gran Torino qu’il ne se lasse pas d’admirer depuis la terrasse de son pavillon de Détroit, de ses bières et ses douloureux souvenirs. La dernière volonté de sa femme était qu’il aille se confesser mais Walt ne fait confiance à personne ni à un prêtre (Christopher Carley) qui va le poursuivra inlassablement pour réveiller sa bonne (ou mauvaise) conscience pour susciter sa confession, ni à sa famille et encore moins ses voisins, des immigrants asiatiques qu’il méprise et qui lui rappellent de cruelles blessures. Jusqu’au jour où, sous la pression d’un gang, un adolescent Hmong, le fils de ses voisins, le jeune, timide -et lui aussi solitaire et incompris- Thao (Bee Vang), tente de lui voler sa voiture, ce à quoi il tient le plus au monde. Et lorsque le gang s’attaque à Thao, Walt s’attaque au gang non pas pour le défendre mais pour les chasser de son jardin. Sur ce malentendu, ayant ainsi défendu Thao, malgré lui, il devient ainsi le héros du quartier. Sue (Ahney Her), la sœur aînée de Thao, insiste pour que ce dernier se rachète en travaillant pour Walt. Ce dernier va alors lui confier des travaux d’intérêt général. Et peu à peu, en apprenant à se comprendre, le timide adolescent aux prémisses de son existence, et le misanthrope, aux dernières lueurs de la sienne, vont révéler un nouveau visage, et emprunter une nouvelle route…
Gran Torino est un film multiple et fait partie de ces films, rares, qui ne cherchent pas l’esbroufe et à vous en mettre plein la vue mais de ces films qui vous enserrent subrepticement dans leur univers pour vous asséner le coup de grâce au moment où vous y attendiez le moins, ou plutôt alors que vous vous y attendiez. Mais pas de cette manière. Oui la grâce. Coup de grâce dans tous les sens du terme.
Multiple parce qu’il est aussi drôle que touchant, passant parfois de l’humour à l’émotion, du comique au tragique en un quart de seconde, dans une même scène. La scène où son fils et sa belle-fille viennent fêter son anniversaire est à la fois redoutablement triste et drôle.
Multiple parce qu’il réunit tous les clichés du film manichéen pour subtilement et mieux s’en départir. Et après le justement très manichéen et excessivement mélodramatique L’Echange on pouvait redouter le pire, surtout que ce sujet pouvait donner lieu aux pires excès.
Multiple parce que derrière cette histoire de vétéran de la guerre de Corée, c’est aussi celle d’un mythe du cinéma américain qui fait preuve d’autodérision, répondant à ses détracteurs, exagérant toutes les tares qui lui ont été attribuées et les faisant une à une voler en éclats mais créant aussi un personnage, sorte de condensé de tous ceux qu’il a précédemment interprétés. Souvent des hommes en marge, solitaires, sortes de cowboys intemporels. Et ce Kowalski ressemble un peu à l’entraîneur de Million Dollar Baby, lui aussi fâché avec sa famille et la religion. Mais aussi à l’inspecteur Harry. Ou même au Robert Kincaid de Sur la route de Madison dont il semble pourtant de prime abord être aux antipodes.
Multiple parce que c’est à la fois un film réaliste (les acteurs Hmong sont non professionnels, Gran Torino est ainsi le premier scénario de Nick Schenk –coécrit avec Dave Johannson- qui a travaillé longtemps dans des usines au milieu d’ouvriers Hmong, peuple d’Asie répartie dans plusieurs pays avec sa propre culture, religion, langue) et utopique dans son sublime dénouement. C’est aussi à la fois un thriller, une comédie, un film intimiste, un drame, un portrait social, et même un western.
Evidemment nous sommes dans un film de Clint Eastwood. Dans un film américain. Evidemment nous nous doutons que cet homme antipathique va racheter ses fautes, que la Gran Torino en sera l’emblème, qu'il ne pourra rester insensible à cet enfant, à la fois son double et son opposé, sa mauvaise conscience (lui rappelant ses mauvais souvenirs et ses pires forfaits) et sa bonne conscience (lui permettant de se racheter, et réciproquement d'ailleurs), que la morale sera sauve et qu’il finira par nous séduire. Malgré tout. Mais c’est là tout l’immense talent de Clint Eastwood : nous surprendre, saisir, bouleverser avec ce qui est attendu et prévisible, faire un film d’une richesse inouïe à partir d’une histoire qui aurait pu se révéler mince, univoque et classique, voire simpliste. D’abord, par une scène de confession qui aurait pu être celle d’un homme face à un prêtre dans une Eglise, scène qui aurait alors été convenue et moralisatrice. Une scène qui n’est qu’un leurre pour que lui succède la véritable scène de confession, derrière d’autres grilles. A un jeune garçon qui pourrait être le fantôme de son passé et sera aussi le symbole de sa rédemption. Scène déchirante, à la fois attendue et surprenante. Ensuite et surtout, avec cette fin qui, en quelques plans, nous parle de transmission, de remords, de vie et de mort, de filiation, de rédemption, de non violence, du sens de la vie. Cette fin sublimée par la photographie crépusculaire de Tom Stern (dont c’est la septième collaboration avec Clint Eastwood, cette photographie incomparable qui, en un plan, vous fait entrevoir la beauté évanescente d'un instant ou la terreur d'un autre) qui illumine tout le film, ou l’obscurcit majestueusement aussi, et par la musique de Kyle Eastwood d’une douceur envoûtante nous assénant le coup fatal.
Vous quitterez ce film encore éblouis par sa drôlerie désenchantée, à la fois terrassés et portés par sa sagesse, sa beauté douloureuse, sa lucidité, sa mélancolie crépusculaire, entre ombre et lumière, noirceur et espoir, mal et rédemption, vie et mort, premières et dernières lueurs de l'existence. Le tout servi par une réalisation irréprochable et par un acteur au sommet de son art qui réconciliera les amateurs de l’inspecteur Harry et les inconditionnels de Sur la route de Madison et même ceux qui, comme moi, avaient trouvé Million dollar baby et L’Echange démesurément grandiloquents et mélodramatiques. Si, les premières minutes ou même la première heure vous laissent vous aussi parfois sceptiques, attendez…attendez que ce film ait joué sa dernière note, dévoilé sa dernière carte qui éclaireront l’ensemble et qui font de ce film un hymne à la tolérance, la non violence (oui, finalement) et à la vie qui peut rebondir et prendre un autre sens (et même prendre sens!) à chaque instant. Même l'ultime. Même pour un homme seul, irascible, cynique et condamné à mort et a priori à la solitude. Même pour un enfant seul, timide, a priori condamné à une vie terne et violente.
Un film qui confirme le talent d’un immense artiste capable de tout jouer et réaliser et d’un homme capable de livrer une confession, de faire se répondre et confondre subtilement cinéma et réalité, son personnage et sa vérité, pour nous livrer un visage à nu et déchirant. Une démonstration implacable. Un film irrésistible et poignant. Une belle leçon d’espoir, de vie, d’humilité. Et de cinéma…
Les Rencontres
Animées par Stéphane Lerouge, Romain Balland et Emmanuel D’Orlando
"Les master-class et rencontres sont conçues comme des séances de réflexion et de vulgarisation, à destination du grand public. Extraits à l’appui, elles permettent aux invités d’évoquer les choix de leur parcours et, notamment aux cinéastes et compositeurs, de montrer comment un film s’écrit aussi par sa musique."
Rencontre avec Radu Mihaileanu
Rencontre avec Ariane Ascaride
Rencontre avec Ludovic Bource, Jean-Michel Bernard, Sacha Chaban
Complément de programmation
L'affiche de la 9ème édition
Pour cette nouvelle affiche du Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule, l’artiste Carolina Spielmann (déjà à l’origine de la création de l’affiche 2022) et le studio La Femme assise, ont imaginé un visuel qui fait directement référence à l’univers de l’acteur et réalisateur Clint Eastwood. Cette nouvelle affiche du Festival de La Baule met en avant deux éléments forts qui sont associés à la filmographie de Clint Eastwood : le revolver Smith & Wesson, utilisé par l’inspecteur Harry Callahan dans la série des films L’inspecteur Harry (qui s’inspire directement d’une des affiches américaines de Dirty Harry et qui rappelle aussi le colt utilisé par Clint Eastwood dans ses westerns) ; et la trompette, pour le côté jazz et musical de ses films comme Bird. Le Festival a fait aussi le choix d’un aplat de couleur un peu sixties et surtout très seventies (la couleur orange) référence directe aux deux décennies de « l’âge d’or » de Clint Eastwood en tant qu’acteur avec des films aussi emblématiques que ceux de la « Trilogie du dollar », dans les années 60 (Pour une poignée de dollars, Et pour quelques dollars de plus et Le Bon, la Brute et le Truand) ; et les polars des années 70 (L’inspecteur Harry, Magnum Force, L’inspecteur ne renonce jamais). La couleur orange dominante est également un clin d’œil au côté ensoleillé de La Baule.
Exposition Music & Iconic
Extrait du communiqué de presse du festival à ce sujet :
Les plus grandes stars de la musique et la plus grande icône du cinéma, Marilyn Monroe, sont ainsi réunis dans une seule et même exposition. Cette exposition rend hommage à ces icônes comme les Rolling Stones, que Jean-Luc Godard a immortalisées dans son film One + One et Martin Scorsese avec Shine a Light, lui qui a souvent utilisé aussi les chansons des Stones dans ses films (Jumpin’Jack Flash dans Mean Streets et Gimme Shelter et Let It Loose dans Les Infiltrés), Scorsese qui a aussi croisé la route de Bob Dylan avec le film Rolling Thunder Revue. On retrouvera aussi les chansons des Stones dans Apocalypse Now de Francis Ford Coppola et Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, comme emblèmes de la contre-culture et pour mieux dénoncer la guerre du Vietnam. Les musiques des Rolling Stones seront également à l’affiche de La Famille Tenenbaum et À bord du Darjeeling Limited, de Wes Anderson, ou encore C.R.A.Z.Y, V pour Vendetta, Le Fan, Flight, Zabriskie Point et même Les Minions dont la personnalité même de Keith Richards inspirera le personnage de Jack Sparrow dans Pirates des Caraïbes ! David Bowie, presque autant chanteur qu’acteur marquera aussi beaucoup le cinéma avec des rôles mythiques comme celui du Major Jack dans Furyo, d’un alien dans L’Homme qui venait d’ailleurs, de Jareth le roi des gobelins dans Labyrinthe, des films suivis par Les Prédateurs (de Tony Scott aux côtés de Catherine Deneuve), Absolute Beginners, La Dernière Tentation du Christ, Twin Peaks: Fire Walk with Me, Basquiat, Le Prestige… Ou encore Madonna, qui jouera dans plus d’une vingtaine de longs métrages de Recherche Suzanne Désespérément (Who’s That Girl) à Dick Tracy réalisé par Warren Beatty et Ombres et brouillard de Woody Allen, en passant par le sulfureux Snake Eyes d’Abel Ferrara et bien sûr Evita d’Alan Parker ou le James Bond–Meurs un autre jour, et qui signera certaines de ces bandes originales. Les autres icônes ce sont aussi les Doors, dont le biopic sera porté à l’écran par Oliver Stone (également grand amateur des Stones), Serge Gainsbourg aussi, acteur, réalisateur et compositeur pour le cinéma dont le nom est automatiquement associé au film Le Pacha de Georges Lautner avec la chanson Requiem pour un c… .Mais lorsqu’on parle d’icône on ne peut oublier celle qui est l’incarnation de la star iconique hollywoodienne par excellence, Marilyn Monroe, son incroyable et tragique destinée, sa grâce, son sourire, sa mélancolie… comme un puits sans fond ! Une exposition photo idéale et idéalisée, sous forme d’un témoignage, celui d’une époque, d’une innocence et d’une liberté, dont nous rêvons parfois, que nous envions et qui nous inspire et nous aide à vivre sans aucun doute. Une déclaration d’amour aussi à toutes ces icônes de la musique mais également icônes du cinéma. Pour une expérience encore plus immersive, vous pourrez plonger dans l’univers musical de cette exposition en scannant un QR Code qui vous donnera accès à la Playlist «Music & Iconic»… À écouter tout au long de votre parcours. Chaque visiteur devenant ainsi « ACTEUR & ICÔNE MUSICALE » de l’exposition pour la rendre encore plus vivante !
EXPOSITION DU 27 MAI AU 02 JUILLET 2023 DU MARDI AU DIMANCHE DE 14H30 À 19H
CENTRE CULTUREL CHAPELLE SAINTE-ANNE – LA BAULE-ESCOUBLAC – 02.40.23.34.34 – ENTRÉE LIBRE
EN PARTENARIAT AVEC LA GALERIE DE L’INSTANT
La Factory
Pour la quatrième année consécutive aura lieu « La Factory ». Le Festival, soucieux de faire émerger de nouveaux talents, fera participer de jeunes apprentis compositeurs, étudiants en musique de films, issus exceptionnellement cette année du Conservatoire Paul Dukas et du CRR de Paris. Encadré par le compositeur confirmé Emmanuel d’Orlando (« Populaire », « House of time », « Si j’étais un homme »…), ces jeunes compositeurs (Thibault Duclos Malidor, Guillaume Genet, Jazz Roussel, Electra Drossos, Andrew Gebrayel, Basile Andrieu, Jean-Baptiste Vrillon et Alexandre Treille) auront quatre jours pour composer une musique originale sur une œuvre cinématographique déjà existante, issu du catalogue Gaumont. Cette année, c’est une scène de Santa & Cie d’Alain Chabat, dont Matthieu Gonet est le compositeur qui a été sélectionnée. Un Prix de la Révélation Jeune Talent, récompensera la meilleure musique réalisée et sera décerné, lors de la Cérémonie de remise des prix, au meilleur d’entre eux.
Ma vision romanesque du festival
En attendant de pouvoir vous parler de mon nouveau roman qui a en grande partie le festival pour cadre, je vous invite également à écouter ma nouvelle qui se déroule intégralement au Festival de La Baule, Un Certain 14 novembre, publiée dans le recueil de 16 nouvelles sur le cinéma Les illusions parallèles (Editions du 38 - 2016) que j'avais eu le plaisir de dédicacer au festival, une nouvelle enregistrée dans mon podcast In the mood for cinema, composé de 13 fictions littéraires, la plupart lauréates de concours d'écriture. A écouter ici sur Spotify mais aussi sur Deezer, Amazon Music, Google podcasts...
Pour en savoir plus sur le festival
Pour en savoir plus sur le Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule et pour réserver vos pass, rendez-vous aussi sur le site officiel du festival, ainsi que sur le compte Instagram du festival (@festivallabaule).
TARIF PASS FESTIVAL 50 €
PLACE À L’UNITÉ 8 € (5 € tarif réduit)
Concert Kyle EASTWOOD, «Eastwood by Eastwood» & Remise des prix
du Festival – Samedi 1er juillet 2023 – 19H – Palais des congrès – Atlantia
La Baule
TARIF À partir de 55 € (30 € tarif réduit)
INFOS & RÉSERVATIONS WWW.FESTIVAL-LABAULE.COM
ENTRÉE LIBRE POUR L’EXPOSITION « MUSIC & ICONIC » JUSQU’AU 2 JUILLET
Mes bonnes adresses
Retrouvez mes articles sur mes bonnes adresses bauloises, L'hôtel Barrière L'Hermitage et l' Hôtel Royal Thalasso Barrière.
