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A l'occasion de ma présence prochaine en dédicace au Salon du Livre de Paris, j'ai été sollicitée par le blog "Fille de Paname" pour donner mes bonnes adresses parisiennes et ma vision de la capitale. C'est à retrouver ici ou en cliquant sur l'image ci-dessous.
Je vous ai souvent parlé ici du restaurant « Evi Evane » situé dans le 6ème arrondissement de Paris, rue Guisarde, (et je vous ai aussi parlé de ses déclinaisons : rue Mazarine -« Evi Evane Mézès »-, du traiteur éponyme rue Saint-Placide et aussi à la Fnac Saint-Lazare), mon adresse de prédilection dans mon arrondissement (et au-delà). Je vous le recommande toujours sans réserves. Déjà, la musique (grecque évidemment, pour moi immédiatement synonyme de douce nostalgie), et surtout l’accueil d’une gentillesse non feinte de Maria Nikolaou (ou de ses serveurs et serveuses grecs, tous particulièrement affables chez « Evi Evane » autant que chez « Evi Evane Mézès ») vous transporteront immédiatement ailleurs, à l’image du nom du restaurant qui signifie « A votre santé » en grec ancien et qui est un cri de joie de vivre. Chez « Evi Evane », tout est cuisiné à base de recettes méditerranéennes, traditionnelles, généreuses, authentiques et familiales.
C’est la sœur de Maria, Dina Nikolaou qui en est le chef (véritable star en Grèce où elle anime des émissions de cuisine depuis 2006 –ce qui ne l’empêche pas de rester simple et d’une constante bonne humeur et de toujours arborer son lumineux sourire communicatif qu’elle a en commun avec sa sœur Maria-.) Elle enseigne aussi la gastronomie et a déjà signé de nombreux livres de cuisine. S’inspirant du serment d’Hippocrate « Que notre nourriture soit notre médecine », Maria et Dina proposent une nourriture saine, équilibrée, et non moins copieuse, conscientes que l’alimentation est la base de notre santé.
Maria Nikolaou vient par ailleurs d’être auréolée du titre de « Maître restaurateur » et Evi Evane d’être récompensé du prestigieux prix « meilleure table étrangère » au Guide Pudlo 2017.
C’est cette cuisine sincère, goûteuse, généreuse qui est à l’honneur chez Evi Evane et dans le formidable livre de Dina Nikolaou « Grèce la cuisine authentique » au lancement duquel j’ai eu le plaisir d’être invitée à la résidence de l’Ambassadeur de Grèce, le mois dernier. Ce livre est publié par Hachette Cuisine. Les photographies sont réalisées par Emanuela Cino et Mélanie Martin en a été responsable du stylisme. La préface est signée Gilles Pudlowski.
Ce livre vous fera voyager avec Dina au cœur de la Grèce de Syros jusqu’à Zagora (deux endroits de la Grèce que je ne connais pas encore et que ce livre m’a donné envie de découvrir), cette Grèce que j’aime passionnément et à laquelle par leur générosité (j’emploie ce mot à nouveau à dessein, il leur convient si bien), leur talent et leur bienveillance, les deux sœurs Nikolaou font si bien honneur…ainsi qu’à Paris où elles sont arrivées il y a vingt-cinq ans.
C’est aussi un livre qui met à l’honneur les produits grecs (que vous pourrez retrouver chez Evi Evane Mézès, à la Fnac ou rue Saint-Placide). Pour ma part, je n’utilise plus que leur huile d’olive et leur origan qui apportent de savoureux goûts méditerranéens a tous mes plats.
Dans ce livre que je ne me lasse pas de feuilleter (et avec ses 270 pages, il y a de quoi faire !), vous trouverez une partie consacrée aux « recettes de la mer » et une autre consacrée aux « recettes des terres ». Ces deux grandes parties sont elles-mêmes divisées : pain pita, huile d’olive, miel, olives… Chaque recette est expliquée de manière didactique, précise, et très claire (même pour les novices comme moi cela semble devenir très simple !) avec à chaque fois de précieux conseils. Le Tzatziki, le Tarama, le yaourt grec au miel, le souvlakis (celui de « Evi Evane » est le meilleur qu’il me soit arrivé de déguster !)… Toutes ces recettes sont illustrées de splendides photos des différents produits nécessaires à leur réalisation et le livre est jalonné de photos de la Grèce, sans image d’Epinal mais reflétant cette Grèce authentique, conviviale, accueillante, bienveillante…à l’image de la cuisine de Dina, cette Grèce pour laquelle j’ai eu un véritable coup de foudre lors de mon premier séjour (d’une longue série) il y a une dizaine d’années.
Ci-dessus photo personnelle du souvlakis de chez Evi Evane.
Dans ce livre, vous retrouverez toutes les saveurs et les couleurs généreuses et chatoyantes de la Grèce et vous n’aurez qu’une envie : cuisiner à votre tour ces spécialités grecques (pas moins de 90 recettes constituent le livre !), partir pour la Grèce ou plus simplement aller manger chez Evi Evane qui la représente et la symbolise si bien, et surtout où vous trouverez un accueil et une qualité de produits si rares à Paris. Ce livre est le cadeau idéal pour les fêtes de fin d’année, non ?
Pour en savoir plus : dinanikolaou.gr et evievane.com. Je vous encourage aussi à suivre Dina sur ses réseaux sociaux notamment sur instagram. Je vous le garantis, à votre tour vous serez conquis !
Où trouver les produits grecs dont vous aurez besoin pour les recettes :
Traiteur EVI EVANE
20, rue Saint-Placide
75006 Paris
0171706059
Mézès EVI EVANE
66, rue Mazarine
75006 Paris
0177187976
Et pour un succulent repas rue Guisarde :
Evi Evane
10 rue Guisarde
75006 Paris
En attendant de vous livrer mon compte rendu complet et cinématographique du Festival de Cannes 2017 sur In the mood for cinema et In the mood for Cannes , je vous propose aujourd'hui mon récit d'un des moments magiques de ce festival : le dîner de Pierre Gagnaire sur la plage Nespresso dans le cadre de l'opération "Les chefs font leur cinéma", un dîner auquel j'ai eu le plaisir d'être conviée (encore un immense merci à Nespresso et à l'agence 14 septembre). Un dîner d'autant plus magique que mon premier roman (dont l'intrigue se déroule dans le cadre du Festival de Cannes et qui évoque Claude Sautet, mon cinéaste de prédilection) figurait par hasard parmi les livres sur le cinéma sélectionnés pour orner le décor du dîner qui avait donc pour thème Claude Sautet (choix du chef, passionné de cinéma et admirateur du cinéma du réalisateur de "Max et les ferrailleurs" ) et le Festival de Cannes, ce que j'ai donc découvert avec surprise et plaisir.
"Ce n’est pas ton indifférence qui me tourmente, c’est le nom que je lui donne : la rancune, l’oubli. David, César sera toujours César, et toi, tu seras toujours David, qui m’emmène sans m’emporter, qui me tient sans me prendre et qui m’aime sans me vouloir…". Pendant toute cette soirée sur le thème de Claude Sautet et principalement de "César et Rosalie", cette phrase extraite d'une lettre de Rosalie, si musicale (Sautet était un grand mélomane), n'a cessé de m'accompagner comme une douce mélopée (cf ma critique du film et de "Un cœur en hiver" en bas de cette page).
Une fois de plus, fiction et réalité s'entrelaçaient en un étrange manège.
La plage Nespresso est toujours un havre de paix au cœur de l'agitation. Le décor sur le thème de Claude Sautet renforçait encore la convivialité du lieu, nous rappelant ces repas conviviaux, vibrants de vie, que le cinéaste a si souvent mis en scène. Il manquait juste la pluie qui, dans les films de Claude Sautet, vient souvent perturber et rapprocher les êtres. C'est en effet sous un soleil insolent ( qui n'a d'ailleurs cessé de régner pendant cette 70ème édition) qu'a débuté la soirée, un soleil qui déclinait peu à peu au fil du repas procurant au lieu une lumière que le plus doué des chefs opérateurs n'aurait su inventer.
La bonne humeur communicative et l'affabilité remarquable du chef qui semble ne jamais se départir de ce sourire franc qui le caractérise et le distingue avaient sans doute aussi contaminé les lieux. Son sens de l'écoute, son regard bienveillant, son sourire lumineux respirent la générosité non feinte et l'humilité de celui qui est pourtant auréolé du titre de "plus grand chef au monde". C'est avec la même générosité et bonne humeur qu'il nous a ensuite décrit les plats que nous allions déguster avec la conscience du privilège de vivre ces instants culinaires d'exception (pas plus de 40 convives à la demande de Pierre Gagnaire). « Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. », disait Truffaut. Cette phrase pourrait aussi s'appliquer à Pierre Gagnaire.
Avant de vous détailler ce dîner mémorable, petit retour sur le partenariat entre Cannes et Nespresso. Cette année, du 17 au 28 mai 2017, Nespresso fêtait ainsi le 10ème anniversaire de son partenariat avec le Festival International du Film de Cannes. Au dîner, les Chefs se succédaient délivrant tour à tour leur interprétation de l’univers d’un réalisateur. Cette année, ce sont Arnaud Tabarec (Restaurant Le Roof, Cannes), Pierre Gagnaire (Restaurant Pierre Gagnaire, Paris, 3*** Michelin), Arnaud Faye (Restaurant La Chèvre d’or, Èze, 2** Michelin) et Alessandro Negrini (Restaurant Il Luogo di Aimo e Nadia, Milan, 2** Michelin) qui ont été retenus au casting de ces dîners d’exception sur la Plage Nespresso. Au sein d’une ambiance rappelant l’univers d’un réalisateur, les Chefs ont offert à déguster une ou plusieurs recettes construites autour des Grands Crus d’exception Nepal Lamjung et Kilimanjaro Peaberry. Jeudi 18 mai 2017, Arnaud Tabarec a ouvert les festivités avec un « Flying Dinner » rendant hommage à l’univers coloré de Pedro Almodovar (président du Jury du Festival de Cannes 2017). L'iconoclaste Pierre Gagnaire a pris la suite les vendredi 19 et samedi 20 mai 2017 pour des dîners aussi sensibles et inspirés que l’univers de Claude Sautet, réalisateur choisi par le Chef. Autre surdoué de la cuisine Française, Arnaud Faye, récemment nommé à la tête du restaurant La Chèvre d’Or où il défend deux étoiles, s'est lui aussi frotté à l’univers chaleureux de Pedro Almodovar lors de dîners les mardi 23 et mercredi 24 mai 2017. Enfin, Alessandro Negrini, acolyte de Fabio Pisani au restaurant doublement étoilé Il Luogo di Aimo e Nadia à Milan a clôturé le bal le vendredi 26 mai 2017. Pour son dîner, le Chef Italien a rendu hommage à l’univers d’un autre italien : Matteo Garrone (Gomorra, Tale of Tales).
La cuisine de Pierre Gagnaire aussi iconoclaste qu’inventive, de celle qui transforme un repas en expérience culinaire, est pour moi à jamais liée à un autre souvenir inoubliable, le dîner des 65 ans du Festival de Cannes auquel j’avais eu l’immense et rare privilège d’être invitée. Tout ce que le festival comptait de grands artistes y avait été convié ainsi que les membres du jury et équipes des films en sélection. Un générique incroyable. Une soirée passée entre une ancienne membre indienne du jury Un Certain Regard et un journaliste américain de Vanity Fair dans une ambiance particulièrement conviviale à déguster des plats inouïs 3 étoiles Michelin concoctés par M. Gagnaire.
Il y a quelques mois, j'avais également eu le plaisir de visiter les cuisines du restaurant 3* de Pierre Gagnaire à Paris. Ce qui m’avait alors marquée, outre la beauté singulière et chaleureuse des lieux qui mettait l'art à l'honneur comme un écho aux œuvres d'art que sont les plats de M.Gagnaire (d'ailleurs lui-même très inspiré par l'art), c’était le calme et la complicité exceptionnels qui régnaient en cuisine et entre les membres de la salle et des cuisines, bien loin de l’image des grands chefs irascibles. Une atmosphère fidèle à l’image que je me faisais de Pierre Gagnaire qui dégage une indéniable bonhomie et bienveillance, gentillesse et perfectionnisme auxquels chacun l’associe, en plus de son immense talent. La notion d’équipe est essentielle pour Pierre Gagnaire et cela se ressent. J’avais été aussi particulièrement marquée par l’étroitesse des cuisines et la présence incongrue d’une table à l'entrée des cuisines destinée aux clients qui désirent vivre ce moment hors du temps aux premières loges.
Pierre Gagnaire a ainsi ouvert son premier restaurant à Saint-Etienne, en 1981. C’est là qu’il avait déjà obtenu ses 3 étoiles Michelin avant de devoir le fermer et d’ouvrir un deuxième restaurant à Paris en 1996 où il retrouvera ensuite ses trois étoiles dans le célèbre restaurant éponyme de la rue Balzac. En marge de son activité principale à l'Hôtel Balzac, il a mis son savoir-faire et au service d'établissements à travers le monde. Le Sketch à London, Gaya Rive Gauche à Paris, Les Airelles à Courchevel, Twist au Mandarin Oriental de Las Vegas, Pierre Gagnaire à Seoul , Reflets à Dubaï, Pierre Gagnaire à Tokyo, Les Menus à Moscow et « Pierre à Hong Kong ». « Le Gaya Rive Gauche » est situé rue du Bac (dont je vous reparlerai) et propose une cuisine plus simple mais non moins inventive. Aujourd’hui il officie donc dans le monde entier et a même signé quelques plats des établissements Fouquet’s de Paris, La Baule et Cannes.
"La cuisine ne se mesure pas en termes de tradition ou de modernité. On doit y lire la tendresse du cuisinier.", "Je veux alors mettre dans ma cuisine du sentiment et de l’intelligence.", "La peinture me fascine et je vais me laisser prendre par elle.", "Le peintre exprime avec ce qui lui est propre des choses qui appartiennent au domaine de l’indicible. Il donne à voir, il donne à partager. Et moi j’aime ce partage. J’ai besoin de mettre de la poésie dans les assiettes.", "La présentation, le dressage m’apprennent l’harmonie et me font rencontrer une forme de paix.", "La découverte du jazz a également été un choc. Musique du monde, elle est comme la cuisine, multiforme, rythmée comme la vie. Dans la vie. La musique est dans le tempo d’un repas avec ses pleins et ses déliés, ses rythmes syncopés et ses ruptures, le chaud et le froid, un bouillon qui coule… Dans ma cuisine, le rythme s’impose de lui-même." Voici quelques phrases de Pierre Gagnaire qui définissent parfaitement sa cuisine.
Au menu de ce dîner unique à Cannes dont il est inutile de vous préciser qu'il fut aussi singulier qu'exquis :
En entrée : "Melon, tomate, pastèque, fraises au Campari, burrata rose, amandes fraîches."
Puis "Bouillon Zezette : gnocchi vert, strozzapreti, dim-sum de tourteau".
Plat qui aurait eu sa place dans une des brasseries des films de Claude Sautet : "Pâté chaud de veau Pitchi".
Fin de repas en aopthéose avec le "Croquant glacé à la vanille Tahaa, asperge verte, morilles et caramel au Grand Cru Exclusive Selection Nepal Lamjung."
Enfin, le dîner fut accompagné de Ventoux rosé, Domaine de la Fondrèche 2016, Condrieu les Terrasses du Palat, Domaine François Villard, 2015, Sancerre La Croix du Roy 2012, Mas Jullien, Cartagene, 2°15 (accords mets vins par Fabrice Sommier, meilleur ouvrier de France 2007) et enfin de grands crus Nespresso (j'avoue m'être délectée de leur capuccino grand cru tout au long du festival comme cet autre soir -photo ci-dessus- avant la projection de Twin Peaks...).
Et en quittant les lieux, laissant derrière moi comme une bouteille à la mer mon livre dédicacé à M.Gagnaire, en parcourant une Croisette toujours en effervescence, me revenait encore et encore la douce voix de Romy Schneider : "Ce n’est pas ton indifférence qui me tourmente, c’est le nom que je lui donne : la rancune, l’oubli. David, César sera toujours César, et toi, tu seras toujours David, qui m’emmène sans m’emporter, qui me tient sans me prendre et qui m’aime sans me vouloir…".
http://www.nespresso.com/cannes
Retrouvez également ces informations sur le site de l’Agence 14 septembre, ici.
Critique de UN COEUR EN HIVER de Claude Sautet
Lorsqu’on me demande mon film culte, je cite le plus souvent soit « Le Guépard » de Luchino Visconti, soit « Un cœur en hiver » de Claude Sautet, suscitant régulièrement la perplexité chez mes interlocuteurs concernant le second, et la mienne en retour de constater que beaucoup ne connaissent pas ce film. Je l’ai revu hier après deux ou trois ans et la fascination est restée intacte. Après un certain nombre de visionnages, il me bouleverse, me fascine et m’intrigue toujours autant. Si vous ne l’avez pas encore vu, ou si vous l’avez vu mais n’en gardez qu’un souvenir mitigé je vais essayer de vous convaincre de (re)voir ce film que je considère comme un chef d’œuvre. « Un cœur en hiver » est adapté d’une nouvelle « La Princesse Mary » extraite d’un recueil de nouvelles de Lermontov « La Princesse Mary » mais également inspiré de la vie de Maurice Ravel.
Maxime (André Dussolier) et Stéphane (Daniel Auteuil) sont (apparemment) amis et travaillent ensemble dans l’atmosphère feutrée d’un atelier de lutherie. Les violons sont toute la vie de Stéphane, contrairement à Maxime qui vient de tomber amoureux d’une jeune violoniste, Camille (Emmanuelle Béart), rapidement intriguée puis attirée par la retenue singulière de Stéphane. Pour Stéphane, véritable « cœur en hiver », ce n’est qu’un jeu dont il conte l’évolution à son amie Hélène (Elisabeth Bourgine). Stéphane semble n’aimer qu’une seule personne au monde : son maître de violon, Lachaume (Maurice Garrel).
Sur la tombe de Claude Sautet au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance », voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma et peut-être même le mieux « Un cœur en hiver » : d’abord parce que son cinéma est un cinéma de la dissonance, de l’imprévu, de la note inattendue dans la quotidienneté (ici, l’arrivée de Camille dans la vie de Maxime et par conséquent dans celle de Stéphane comme c’est le cas de l’arrivée de David dans « César et Rosalie » ou de Nelly dans « Nelly et Monsieur Arnaud ») et ensuite parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique, une passion qui s’exprime pleinement ici puisque la musique est un personnage à part entière. Le tempo des films de Sautet est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l’impression qu’en changer une note ébranlerait l’ensemble de la composition.
C’est par elle, la musique, que Camille s’exprime (d’ailleurs Maxime le dira, elle ne se livre que lorsqu’elle joue) : tantôt sa mélancolie, sa violence (ainsi cette scène où elle enregistre en studio et qu’elle manie l’archet comme une lame tranchante), son désarroi, ses espoirs. C’est aussi à travers elle que Stéphane ressent et exprime ses (rares) émotions notamment lorsqu’un « c’est beau » lui échappe après avoir écouté Camille jouer. La musique ici, aussi sublime soit-elle (celle des sonates et trio de Ravel) n’est pas forcément mélodieuse mais exprime la dissonance que connaissent les personnages. C’est un élément d’expression d’une force rare, bien plus que n’importe quel dialogue.
La passion est donc celle pour la musique mais aussi celle qui s’exprime à travers elle, l’autre : la passion amoureuse. Celle qui s’empare de Camille pour cet homme hermétique au regard brillant, transperçant qui la fascine, l’intrigue, la désempare. Le trouble s’empare d’elle dès sa première répétition à laquelle Stéphane assiste. Elle ne parvient pas à jouer, dit qu’elle reprendra un autre jour et puis quand Stéphane quitte la pièce, elle reprend comme si de rien n’était. Ensuite, venue rejoindre Maxime dans l’atelier de lutherie, ce dernier occupé, elle l’attend en compagnie de Stéphane et lui confie ce qu’elle n’avait jamais dit à personne, lui parlant de ses rapports compliqués avec son agent et amie Régine (Brigitte Catillon). Enfin, troisième rencontre déterminante : Stéphane vient la voir jouer, seul, sans Maxime pour la première fois. Ils s’évadent un instant de la répétition pour aller boire un café après avoir traversé la rue sous la pluie. Leurs mains s’effleurent presque subrepticement, négligemment. Stéphane la protège de la pluie avec sa veste. Puis, il l’écoute assis au café, avec son regard scrutateur. Puis, c’est l’absence et le silence de Stéphane mais c’est trop tard : Camille est déjà bouleversée, amoureuse. A priori, racontées ainsi rien d’extraordinaire dans ces trois scènes, pourtant le scénario et la mise en scène de Sautet et surtout ses personnages sont d’une telle richesse que chacune d’elle est plus haletante qu’une scène d’un palpitant thriller. Aucun plan n’est inutile. Comme dans un thriller, chaque plan a une implication sur la résolution.
Tous les films de Sautet se caractérisent d’ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks ) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l’on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d’être démesurément explicatif, c’est au contraire un cinéma de l’implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu’il « reste une fenêtre ouverte sur l’inconscient ».
Le souffle du spectateur est suspendu à chaque regard (le regard tellement transperçant de Stéphane, ou de plus en plus troublé de Camille) à chaque note, à chaque geste d’une précision rare. Je n’ai encore jamais trouvé au cinéma de personnages aussi « travaillés » que Stéphane, ambigu, complexe qui me semble avoir une existence propre, presque exister en dehors de l’écran. Là encore comme un thriller énigmatique, à chaque fois je l’interprète différemment, un peu aussi comme une sublime musique ou œuvre d’art qui à chaque fois me ferait ressentir des émotions différentes. Stéphane est-il vraiment indifférent ? Joue-t-il un jeu ? Ne vit-il qu’à travers la musique ? « La musique c’est du rêve » dit-il. Ou, selon cette citation de La Rochefoucauld que cite Sautet fait-il partie de ceux qui pensent que« Peu de gens seraient amoureux si on ne leur avait jamais parlé d’amour » ? A-t-il peur d’aimer ? Ou n’y croit-il simplement pas ? Est-il sincère quand il dit avec une froide tranquillité que Maxime n’est pas un ami, juste « un partenaire ».
Le film commence ainsi de nuit dans l’atelier et se termine de jour dans un café et entre ces deux moments, Stéphane passera de l’ombre à la lumière, d’une personnalité ombrageuse à (peut-être, là aussi, l’interprétation varie à chaque visionnage) un homme capable d’aimer. Un personnage assez proche du personnage de Martial dans « Quelques jours avec moi » (un autre film de Sautet méconnu que je vous recommande, où son regard se fait encore plus ironique et acéré, un film irrésistiblement drôle et non dénué de –douce-cruauté). « Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. » disait ainsi Truffaut.
Et puis certaines scènes font pour moi partie des plus belles et cruelles du cinéma. Cette scène où dans une voiture, Camille lui avoue l’amour qu’il lui inspire et se livre à lui, ce à quoi Stéphane répond avec tranquillité, jubilation peut-être, froidement en tout cas : « je ne vous aime pas ». Cette scène me glace le sang à chaque fois. Et puis la scène où Camille veut l’humilier à son tour. Elle se maquille outrageusement, le rejoint au café où il a ses habitudes où il dîne avec son amie Hélène. Camille lui crie sa rancœur, sa passion, cherche à l’humilier. La scène est tranchante, violente et sublime comme la musique de Ravel jouée par Camille.
Et puis comment ne pas parler de la distribution, absolument parfaite, à commencer par Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart, sans aucun doute leurs meilleurs rôles auxquels ils semblent se livrer (ou se cacher) corps et âme, d’autant plus ambigus puisqu’ils vivaient alors ensemble. Emmanuelle Béart est à la fois mystérieuse, sensuelle, forte, fragile, fière, brisée, passionnée et talentueuse (elle apprit ainsi le violon pendant un an). Daniel Auteuil donne vie à ce Stéphane énigmatique, opaque, cinglant, glacial, austère qui se définit lui-même comme sournois, parfois révoltant, parfois touchant avec ce regard perçant, tantôt terriblement là ou terriblement absent. L’un comme l’autre, dans leurs regards, expriment une multitude d’émotions ou de mystères. Mais il ne faudrait pas non plus oublier les seconds rôles : André Dussolier, personnage digne qui échappe au cliché de l’amant trompé et qui obtint d’ailleurs le César du meilleur second rôle. Jean-Luc Bideau qui dans une scène courte mais intense aligne les clichés sur la culture et l’élitisme (magnifique scène de dialogue où là aussi Stéphane dévoile une trouble (et pour Camille troublante) facette de sa personnalité). Myriam Boyer, Brigitte Catillon, Elisabeth Bourgine (les femmes de l’ombre avec, chacune à leur manière, une présence forte et déterminante).
« Un cœur en hiver » obtint le lion d’argent à Venise. Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart passèrent à côté des César de meilleurs acteurs (que leur ravirent Claude Rich pour « Le souper » et Catherine Deneuve, pour « Indochine »). Claude Sautet obtint néanmoins le césar du meilleur réalisateur (le seul avec celui de Dussolier malgré sept nominations) et celui du meilleur film fut cette année-là attribué à Cyril Collard pour « Les nuits fauves ». Tous les postes du film auraient mérités d’être récompensés : le scénario, l’image d’Yves Angelo, le travail sur la musique de Philippe Sarde, le scénario de Jacques Fieschi et Claude Sautet…
On retrouve là encore ce qui caractérise les films de Claude Sautet : les scènes de groupe (dont « Vincent, François, Paul et les autres est le film emblématique) et la solitude dans et malgré le groupe, l’implicite dans ce qui n’est pas- les ellipses- comme dans ce qui est-les regards- (Ah le regard tranchant de Daniel Auteuil! Ah, ce dernier plan !), des scènes de café ( « A chaque film, avouait Sautet, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. ») les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu « Le jour se lève » …17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes et avant tout un cinéma de personnages : César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, …et les autres, des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.
On a souvent dit de Claude Sautet était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S’il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d’après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme « La Comédie Humaine » peut s’appliquer aussi bien à notre époque qu’à celle de Balzac.
Le personnage de Stéphane ne cessera jamais de m’intriguer, intrigant le spectateur comme il intrigue Camille, exprimant tant d’ambiguïté dans son regard brillant ou éteint. Hors de la vie, hors du temps. Je vous le garantis, vous ne pourrez pas oublier ce crescendo émotionnel jusqu’à ce plan fixe final polysémique qui vous laisse ko et qui n’est pas sans rappeler celui de Romy Schneider à la fin de « Max et les ferrailleurs » ou de Michel Serrault (regard absent à l’aéroport) dans « Nelly et Monsieur Arnaud » ou de Montand/Frey/Schneider dans « César et Rosalie ». Le cinéma de Claude Sautet est finalement affaire de regards, qu’il avait d’une acuité incroyable, saisissante sur la complexité des êtres, et jamais égalée. Alors que le cinéma est de plus en plus univoque, explicatif, c’est plus que salutaire.
Une histoire d’amour, de passion(s), cruelle, intense, poétique, sublime, dissonante, mélodieuse, contradictoire, trouble et troublante, parfaitement écrite, jouée, interprétée, mise en lumière, en musique et en images.
Un peu comme l’ours en peluche du « Jour se lève » qui a un œil qui rit et un autre qui pleure, nous ressortons des films de Sautet et de celui-là en particulier, entre rires et larmes, bouleversés, avec l’envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »…et il y est parvenu, magistralement. Personne après lui n’a su nous raconter des « histoires simples » aux personnages complexes qui nous parlent aussi bien de « choses de la vie ».
Claude Sautet, en 14 films, a su imposer un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d’une savoureuse mélancolie, de l’ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l’ensemble, et celui-ci pour moi le plus beau et bouleversant.
CRITIQUE DE « CESAR ET ROSALIE » de Claude Sautet
Il y a les cinéastes qui vous font aimer le cinéma, ceux qui vous donnent envie d’en faire, ceux qui vous font appréhender la vie différemment, voire l’aimer davantage encore. Claude Sautet, pour moi, réunit toutes ces qualités.
Certains films sont ainsi comme des rencontres, qui vous portent, vous enrichissent, vous influencent ou vous transforment même parfois. Les films de Claude Sautet, pour moi, font partie de cette rare catégorie et de celle, tout aussi parcimonieuse, des films dont le plaisir à les revoir, même pour la dixième fois, est toujours accru par rapport à la première projection. J’ai beau connaître les répliques par cœur, à chaque fois César et Rosalie m’emportent dans leur tourbillon de vie joyeusement désordonné, exalté et exaltant.
Claude Beylie parlait de « drame gai » à propos de César et Rosalie, terme en général adopté pour la Règle du jeu de Renoir, qui lui sied également parfaitement. Derrière l’exubérance et la truculence de César, on ressent en effet la mélancolie sous-jacente. César donc c’est Yves Montand, un ferrailleur qui a réussi, vivant avec Rosalie (Romy Schneider) divorcée d’Antoine (Umberto Orsini), et qui aime toujours David (Sami Frey), un dessinateur de bandes dessinées, sans cesser d’aimer César. Ce dernier se fâche puis réfléchit et abandonne Rosalie à David. Des liens de complicité et même d’amitié se tissent entre les deux hommes si bien que Rosalie, qui veut être aimée séparément par l’un et par l’autre, va tenter de s’interposer entre eux, puis va partir…
Dans ce film de 1972, qui fut souvent comparé à Jules et Jim de Truffaut, on retrouve ce qui caractérise les films de Claude Sautet : les scènes de café, de groupe et la solitude dans le groupe, la fugacité du bonheur immortalisée, l’implicite dans ce qui n’est pas- les ellipses- comme dans ce qui est-les regards- (Ah, ces derniers regards entre les trois personnages principaux! Ah, le regard de David lorsque l’enfant passe des bras de Rosalie à ceux de César, scène triangulaire parfaitement construite!).
Sur la tombe de Claude Sautet au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance », voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma : d’abord parce que son cinéma est un cinéma de la dissonance, de l’imprévu, de la note inattendue dans la quotidienneté (ici, l’arrivée de David) et ensuite parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique. Claude Sautet a ainsi été critique musical au journal « Combat », un journal de la Résistance, il avait ainsi une vraie passion pour le jazz et pour Bach, notamment. Il a par ailleurs consacré un film entier à la musique, « Un cœur en hiver », le meilleur selon moi tant les personnages y sont ambivalents, complexes, bref humains, et tout particulièrement le personnage de Stéphane interprété par Daniel Auteuil, le « cœur en hiver », pouvant donner lieu à une interprétation différente à chaque vision du film. Le tempo de ses films est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l’impression qu’en changer une note ébranlerait l’ensemble de la composition. C’est évidemment aussi le cas dans « César et Rosalie ».
« L’unité dans la diversité ». Pour qualifier le cinéma de Claude Sautet et l’unité qui le caractérise malgré une diversité apparente, nous pourrions ainsi paraphraser cette devise de l’Union européenne. Certes a priori, « L’arme à gauche » est un film très différent de « Vincent, François, Paul et les autres », pourtant si son premier film « Classe tous risques » est un polar avec Lino Ventura et Jean-Paul Belmondo (« Bonjour sourire », une comédie, a été renié par Claude Sautet qui n’en avait assuré que la direction artistique), nous pouvons déjà y trouver ce fond de mélancolie qui caractérise tous ses films. Tous ses films se caractérisent d’ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks ) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l’on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d’être démesurément explicatif, c’est au contraire un cinéma de l’implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu’il « reste une fenêtre ouverte sur l’inconscient ».
Dans « Nelly et M. Arnaud » se noue ainsi une relation ambiguë entre un magistrat à la retraite, misanthrope et solitaire, et une jeune femme au chômage qui vient de quitter son mari. Au-delà de l’autoportrait ( Serrault y ressemble étrangement à Sautet ), c’est l’implicite d’un amour magnifiquement et pudiquement esquissé, composé jusque dans la disparition progressive des livres d’Arnaud, dénudant ainsi sa bibliothèque et faisant référence à sa propre mise à nu. La scène pendant laquelle Arnaud regarde Nelly dormir, est certainement une des plus belles scènes d’amour du cinéma: silencieuse, implicite, bouleversante. Le spectateur retient son souffle, le suspense, presque hitchcockien y est à son comble. Sautet a atteint la perfection dans son genre, celui qu’il a initié: le thriller des sentiments.
Les films de Sautet ont tous des points communs : le groupe, (dont « Vincent, François, Paul et les autres » est le film emblématique), des personnages face à leurs solitudes malgré ce groupe, des scènes de café,( « A chaque film, avouait Sautet, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. ») les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu « Le jour se lève » …17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes et avant tout un cinéma de personnages : César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, …et les autres, des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.
Claude Sautet, en 14 films, a imposé un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d’une savoureuse mélancolie, de l’ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l’ensemble. Il a signé aussi bien des « drames gais » avec « César et Rosalie », ou encore le trop méconnu, fantasque et extravagant « Quelques jours avec moi », un film irrésistible, parfois aux frontières de l’absurde, mais aussi des films plus politiques notamment le très sombre « Mado » dans lequel il dénonce l’affairisme et la corruption…
« Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. », disait Truffaut. Ainsi, personne mieux que Claude Sautet ne savait et n’a su dépeindre des personnages attachants, fragiles mais si vivants (à l’exception de Stephan interprété par Daniel Auteuil dans Un cœur en hiver, personnage aux émotions anesthésiées quoique…) comme le sont César et Rosalie.
Ici au contraire ce n’est pas « un cœur en hiver », mais un cœur qui bat la chamade et qui hésite, celui de Rosalie, qui virevolte avec sincérité, et qui emporte le spectateur dans ses battements effrénés. Et effectivement on retrouve cette vitalité, celle de la mise en scène qui épouse le rythme trépidant de César face au taciturne David. César qui pourrait agacer ( flambeur, gouailleur, lâche parfois) face à la fragilité et la discrétion de l’artiste David. Deux hommes si différents, voire opposés, dans leur caractérisation comme dans leur relation à Rosalie que Sautet dépeint avec tendresse, parfois plutôt une tendre cruauté concernant César.
Là se trouve la fantaisie, dans ce personnage interprété magistralement par Yves Montand, ou dans la relation singulière des trois personnages, si moderne. Un film qui n’est pas conventionnel jusque dans sa magnifique fin, ambiguë à souhait. Sans effets spéciaux. Simplement par la caractérisation ciselée de personnages avec leurs fêlures et leur déraison si humaines.
On a souvent dit de Claude Sautet était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S’il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d’après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme « La Comédie Humaine » peut s’appliquer aussi bien à notre époque qu’à celle de Balzac.
« César et Rosalie » est un film à l’image de son personnage principal qui insuffle ce rythme précis et exalté : truculent et émouvant, mélancolique et joyeux, exubérant et secret. Un film intemporel et libre, qui oscille entre le rire et les larmes, dans lequel tout est grave et rien n’est sérieux (devise crétoise, un peu la mienne aussi). Un film délicieusement amoral que vous devez absolument voir ou revoir ne serait-ce que pour y voir deux monstres sacrés (Romy Schneider et Yves Montand, l’une parfaite et resplendissante dans ce rôle de femme riche de contradictions moderne, amoureuse, indépendante, enjouée, et triste, incarnant à elle seule les paradoxes de ce « drame gai » ; l’autre hâbleur, passionné, cabotin, bavard, touchant face à Samy Frey silencieux, posé, mystérieux, séduisant mais tous finalement vulnérables, et les regards traversés de voiles soudains de mélancolie ) au sommet de leur art et pour entendre des dialogues aussi incisifs, précis que savoureux (comme pour le scénario également cosigné par Jean-Loup Dabadie)…
Claude Sautet disait lui-même que ses films n’étaient pas réalistes mais des fables. Son univers nous envoûte en tout cas, et en retranscrivant la vie à sa « fabuleuse » manière, il l’a indéniablement magnifiée. Certains lui ont reproché son classicisme, pour le manque de réflexivité de son cinéma, comme on le reprocha aussi à Carné dont Sautet admirait tant « Le jour se lève. » On lui a aussi reproché de toujours filmer le même milieu social (bourgeoisie quinquagénaire et citadine). Qu’importe ! Un peu comme l’ours en peluche du « Jour se lève » qui a un œil qui rit et un autre qui pleure, nous ressortons de ses films, entre rires et larmes, bouleversés, avec l’envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »…et il y est parvenu, magistralement. Personne après lui n’a su nous raconter des « histoires simples » aux personnages complexes qui nous parlent aussi bien de « choses de la vie ».
Né à Montrouge (près de Paris) en 1924, Claude Sautet est mort à Paris le samedi 22 juillet 2000 à l’âge de soixante-seize ans…
Longs-métrages réalisés par Claude Sautet
Bonjour sourire (1955)
Classe tous risques (1960)
L’Arme à gauche (1965)
Les Choses de la vie (1970)
Max et les Ferrailleurs (1970)
César et Rosalie (1972)
Vincent, François, Paul et les autres (1974)
Mado (1976)
Une histoire simple (1978)
Un mauvais fils (1980)
Garçon ! (1983)
Quelques jours avec moi (1988)
Un cœur en hiver (1991)
Nelly et Monsieur Arnaud (1995)
A voir : le documentaire de N.T.Binh « Claude Sautet ou la magie invisible »
A noter: Claude Sautet a également travailler comme ressemeleur de scénarii pour de nombreux cinéastes et notamment sur (parmi de nombreux autres films ) « Borsalino » de Jacques Deray.
Retrouvez ce même article sur mon site http://inthemoodforhotelsdeluxe.com, en cliquant ici.
Chaque année, je vous parle ici de la formidable initiative "Les Chefs font leur Cinéma à Cannes" organisée par Nespresso sur la plage devenue éponyme le temps du festival.
C'est avec d'autant plus d'enthousiasme que je vais vous en parler cette année que, au programme, figure mon chef préféré (Pierre Gagnaire, je vous avais ainsi parlé sur Inthemoodforhotelsdeluxe.com de ma visite de son restaurant mais aussi du formidable dîner des 65 ans du Festival de Cannes dont il était le chef -cf mes photos ci-dessous- ) et, cerise sur le gâteau, celui-ci orchestrera des dîners qui auront pour thématique mon cinéaste de prédilection (Claude Sautet, et pour l'occasion en bas de cet article, je vous propose ma critique de "Un cœur en hiver", chef-d'œuvre du cinéaste moins connu que ses autres films comme "César et Rosalie" dont vous pouvez également retrouver ma critique, ici) mais aussi notamment Arnaud Tabarec, éminent chef de l'Hôtel Five Seas de Cannes (qui compte désormais un nouveau restaurant Le Roof dont je vous parlerai ultérieurement). J'aurai l'immense joie de déguster la cuisine de Pierre Gagnaire à cette occasion. Vous pourrez bien sûr retrouver mon récit de ce grand moment ici et sur http://inthemoodforhotelsdeluxe.com.
Cette année, Du 17 au 28 mai 2017, Nespresso fêtera le 10ème anniversaire de son partenariat avec le Festival International du Film de Cannes.
Champion du Monde de Pâtisserie, le Chef Jérôme de Oliveira confectionnera des petits déjeuners gastronomiques à La Plage Nespresso les jeudi 18, samedi 20, dimanche 21 et mercredi 24 mai 2017. Outre ses délicieuses viennoiseries, brioches aux pralines roses, flans et autres Bubble Cakes artisanaux, Jérôme de Oliveira dévoilera son exquise Tarte Confidences au café vertuo. L'ensemble des merveilles sucrées élaborées par le Chef sera proposé en accord avec les Grands Crus Vertuo. L'occasion pour les festivaliers de bien commencer la journée et de (re)découvrir le café au format Mug.
Au dîner, les Chefs se succéderont et délivreront tour à tour leur interprétation de l'univers d'un réalisateur. Chaque soir, une soixantaine de convives vivra ainsi une expérience très convoitée tant gastronomique que cinématographique.
Cette année, ce sont Arnaud Tabarec (Restaurant Le Roof, Cannes), Pierre Gagnaire (Restaurant Pierre Gagnaire, Paris, 3*** Michelin), Arnaud Faye (Restaurant La Chèvre d'or, Èze, 2** Michelin) et Alessandro Negrini (Restaurant Il Luogo di Aimo e Nadia, Milan, 2** Michelin) qui ont été retenus au casting de ces dîners d'exception sur la Plage Nespresso.
Au sein d'une ambiance rappelant l'univers d'un réalisateur, les Chefs offriront à déguster une ou plusieurs recettes construites autour des Grands Crus d'exception Nepal Lamjung et Kilimanjaro Peaberry. Issus de terroirs rares, ces cafés Pure Origine ont été conçus pour offrir de nouvelles expériences et des saveurs inédites aux clients des tables étoilées.
Jeudi 18 mai 2017, Arnaud Tabarec ouvrira les festivités avec un "Flying Dinner" rendant hommage à l'univers coloré de Pedro Almodovar (président du Jury du Festival de Cannes 2017).
Dans une ambiance typiquement espagnole, le Chef du restaurant cannois Le Roof proposera une ribambelle de tapas gastronomiques, parmi lesquels un oeuf parfait en cappuccino "champignons-arabica" ou encore une bouchée de poulet pané au chorizo, jus infusé au Grand Cru Indriya from India.
Véritable monument de la gastronomie, l’iconoclaste Pierre Gagnaire prendra la suite les vendredi 19 et samedi 20 mai 2017 pour des dîners aussi sensibles et inspirés que l’univers de Claude Sautet, réalisateur choisi par le Chef. Passionné de cinéma et profondément touché par le « portraitiste du cinéma français », Pierre Gagnaire contera ses histoires gastronomiques autour de plats aux saveurs étonnantes, à l’image de l’audacieux Croquant glacé à la vanille Tahaa, asperge verte, morilles et caramel au Grand Cru Exclusive Selection Nepal Lamjung.
Autre surdoué de la cuisine Française, Arnaud Faye, récemment nommé à la tête du restaurant La Chèvre d’Or où il défend deux étoiles, se frottera lui aussi à l’univers chaleureux de Pedro Almodóvar lors de dîners les mardi 23 et mercredi 24 mai 2017. Sensible à l’univers très humain du réalisateur espagnol, Arnaud Faye affirme que cuisine et cinéma ont de commun l’envie de procurer des sensations. Son émotion, le Chef la partagera notamment au travers d’un explosif « bomba » aérien, aubergine confite et Grand Cru Exclusive Selection Kilimanjaro Peaberry.
Enfin, Alessandro Negrini, acolyte de Fabio Pisani au restaurant doublement étoilé Il Luogo di Aimo e Nadia à Milan, clôturera le bal le vendredi 26 mai 2017. Pour son dîner, le Chef Italien rendra hommage à l’univers d’un autre italien : Matteo Garrone (Gomorra, Tale of Tales). Touché par la poésie et la « force de la matière brute » se dégageant des œuvres du réalisateur, Alessandro Negrini régalera ses convives de mets créatifs, construits autour de produits italiens d’exception tels que la scarmoza fumée, la ricotta de bufflonne, le risotto Carnaroli ou encore l’huile d’olive de Nocellara. Sobrement intitulé « Black coffee & Lemon » son dessert au Grand Cru Exclusive Selection Kilimanjaro Peaberry promet des sensations gastronomiques inédites. Nul doute qu’au cœur de l’ambiance cannoise, les quelques privilégiés invités aux dîners Nespresso vivront des instants culinaires d’exception.
La Plage Nespresso sera ouverte du 17 au 27 mai 2017. Elle accueillera en libre accès tous les journalistes accrédités au Festival de Cannes (en face de l’Hôtel Marriott).
Les Petits déjeuners Vertuo se dérouleront les jeudi 18, samedi 20, dimanche 21 et mercredi 24 mai 2017 (petits-déjeuners signés par le Champion du Monde de la Pâtisserie, Jérôme de Oliveira).
Les dîners « Les Chefs font leur Cinéma » auront lieu :
- Jeudi 18 mai 2017 – Flying Dinner Hommage à Pedro Almodóvar par Arnaud Tabarec
- Vendredi 19 et Samedi 20 mai 2017 – Dîner Hommage à Claude Sautet par Pierre Gagnaire
- Mardi 23 et mercredi 24 mai 2017 – Dîner Hommage à Pedro Almodóvar par Arnaud Faye
- Vendredi 26 mai 2017 – Dîner Hommage à Matteo Garrone par Alessandro Negrini
Pour la septième année, Nespresso soutient les talents de demain au travers du Grand Prix Nespresso, décerné par le Jury de la Semaine de la Critique présidé cette année par Kleber Mendonça Filho. Cette récompense a vu émerger des cinéastes aussi talentueux que l’américain Jeff Nichols ou l’argentin Santiago Mitre.
A l’occasion du 70ème Festival de Cannes, Nespresso mettre à l’honneur la création sous toutes ses formes. Le Grand Prix Nespresso de le Semaine de la Critique et la deuxième édition du concours Nespresso Talents révéleront les talents émergents ; alors que gastronomie et cinéma évolueront main dans la main lors de dîners célébrant le 7ème art, confectionnés par de grands Chefs.
De jour comme de nuit, La Plage Nespresso sera une fois encore le théâtre des plus belles festivités de cette nouvelle quinzaine cannoise.
Pour la septième année, Nespresso soutient les talents de demain au travers du Grand Prix Nespresso, décerné par le Jury de la Semaine de la Critique présidé cette année par Kleber Mendonça Filho.
Cette récompense a vu émerger des cinéastes aussi talentueux que l’américain Jeff Nichols ou l’argentin Santiago Mitre.
Lancé en 2016, le concours Nespresso Talents permet quant à lui aux cinéastes professionnels comme aux amateurs d’exprimer leur créativité. La compétition repousse les limites de la réalisation classique en demandant aux participants de tourner leurs films au format vertical (9:16), un angle entièrement inédit. Ouvert aux candidatures depuis le 11 février jusqu’au 7 avril 2017 sur une plateforme dédiée, Nespresso Talents permettra aux apprentis cinéastes sélectionnés de remporter des fonds de financement et un voyage exclusif au Festival de Cannes 2017, où ils seront mis à l’honneur.
Investie par tous les festivaliers depuis plusieurs années, La Plage Nespresso reprend du service en 2017. Vivant au rythme du festival, La Plage offre un cadre privilégié pour prolonger l’expérience cannoise de la plus belle façon qui soit.
Cette année, ce lieu d’exception s’animera dès 9h du matin, avec des petits déjeuners signés par le Chef Pâtissier Jérôme de Oliveira, où le café Nespresso Vertuo coulera à flots.
A midi, les festivaliers prendront place sur la terrasse pour un déjeuner avec vue sur la Méditerranée ; alors que le bar de La Plage accueillera les rendez-vous, séances photo ou les pauses entre deux projections des professionnels.
La Plage Nespresso
Boulevard de la Croisette
06400 Cannes
www.nespresso.com/cannes
Retrouvez également ces informations sur le site de l'Agence 14 septembre, ici.
Critique de UN COEUR EN HIVER de Claude Sautet
Lorsqu’on me demande mon film culte, je cite le plus souvent soit « Le Guépard » de Luchino Visconti, soit « Un cœur en hiver » de Claude Sautet, suscitant régulièrement la perplexité chez mes interlocuteurs concernant le second, et la mienne en retour de constater que beaucoup ne connaissent pas ce film. Je l’ai revu hier après deux ou trois ans et la fascination est restée intacte. Après un certain nombre de visionnages, il me bouleverse, me fascine et m’intrigue toujours autant. Si vous ne l’avez pas encore vu, ou si vous l’avez vu mais n’en gardez qu’un souvenir mitigé je vais essayer de vous convaincre de (re)voir ce film que je considère comme un chef d’œuvre. « Un cœur en hiver » est adapté d’une nouvelle « La Princesse Mary » extraite d’un recueil de nouvelles de Lermontov « La Princesse Mary » mais également inspiré de la vie de Maurice Ravel.
Maxime (André Dussolier) et Stéphane (Daniel Auteuil) sont (apparemment) amis et travaillent ensemble dans l’atmosphère feutrée d’un atelier de lutherie. Les violons sont toute la vie de Stéphane, contrairement à Maxime qui vient de tomber amoureux d’une jeune violoniste, Camille (Emmanuelle Béart), rapidement intriguée puis attirée par la retenue singulière de Stéphane. Pour Stéphane, véritable « cœur en hiver », ce n’est qu’un jeu dont il conte l’évolution à son amie Hélène (Elisabeth Bourgine). Stéphane semble n’aimer qu’une seule personne au monde : son maître de violon, Lachaume (Maurice Garrel).
Sur la tombe de Claude Sautet au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance », voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma et peut-être même le mieux « Un cœur en hiver » : d’abord parce que son cinéma est un cinéma de la dissonance, de l’imprévu, de la note inattendue dans la quotidienneté (ici, l’arrivée de Camille dans la vie de Maxime et par conséquent dans celle de Stéphane comme c’est le cas de l’arrivée de David dans « César et Rosalie » ou de Nelly dans « Nelly et Monsieur Arnaud ») et ensuite parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique, une passion qui s’exprime pleinement ici puisque la musique est un personnage à part entière. Le tempo des films de Sautet est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l’impression qu’en changer une note ébranlerait l’ensemble de la composition.
C’est par elle, la musique, que Camille s’exprime (d’ailleurs Maxime le dira, elle ne se livre que lorsqu’elle joue) : tantôt sa mélancolie, sa violence (ainsi cette scène où elle enregistre en studio et qu’elle manie l’archet comme une lame tranchante), son désarroi, ses espoirs. C’est aussi à travers elle que Stéphane ressent et exprime ses (rares) émotions notamment lorsqu’un « c’est beau » lui échappe après avoir écouté Camille jouer. La musique ici, aussi sublime soit-elle (celle des sonates et trio de Ravel) n’est pas forcément mélodieuse mais exprime la dissonance que connaissent les personnages. C’est un élément d’expression d’une force rare, bien plus que n’importe quel dialogue.
La passion est donc celle pour la musique mais aussi celle qui s’exprime à travers elle, l’autre : la passion amoureuse. Celle qui s’empare de Camille pour cet homme hermétique au regard brillant, transperçant qui la fascine, l’intrigue, la désempare. Le trouble s’empare d’elle dès sa première répétition à laquelle Stéphane assiste. Elle ne parvient pas à jouer, dit qu’elle reprendra un autre jour et puis quand Stéphane quitte la pièce, elle reprend comme si de rien n’était. Ensuite, venue rejoindre Maxime dans l’atelier de lutherie, ce dernier occupé, elle l’attend en compagnie de Stéphane et lui confie ce qu’elle n’avait jamais dit à personne, lui parlant de ses rapports compliqués avec son agent et amie Régine (Brigitte Catillon). Enfin, troisième rencontre déterminante : Stéphane vient la voir jouer, seul, sans Maxime pour la première fois. Ils s’évadent un instant de la répétition pour aller boire un café après avoir traversé la rue sous la pluie. Leurs mains s’effleurent presque subrepticement, négligemment. Stéphane la protège de la pluie avec sa veste. Puis, il l’écoute assis au café, avec son regard scrutateur. Puis, c’est l’absence et le silence de Stéphane mais c’est trop tard : Camille est déjà bouleversée, amoureuse. A priori, racontées ainsi rien d’extraordinaire dans ces trois scènes, pourtant le scénario et la mise en scène de Sautet et surtout ses personnages sont d’une telle richesse que chacune d’elle est plus haletante qu’une scène d’un palpitant thriller. Aucun plan n’est inutile. Comme dans un thriller, chaque plan a une implication sur la résolution.
Tous les films de Sautet se caractérisent d’ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks ) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l’on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d’être démesurément explicatif, c’est au contraire un cinéma de l’implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu’il « reste une fenêtre ouverte sur l’inconscient ».
Le souffle du spectateur est suspendu à chaque regard (le regard tellement transperçant de Stéphane, ou de plus en plus troublé de Camille) à chaque note, à chaque geste d’une précision rare. Je n’ai encore jamais trouvé au cinéma de personnages aussi « travaillés » que Stéphane, ambigu, complexe qui me semble avoir une existence propre, presque exister en dehors de l’écran. Là encore comme un thriller énigmatique, à chaque fois je l’interprète différemment, un peu aussi comme une sublime musique ou œuvre d’art qui à chaque fois me ferait ressentir des émotions différentes. Stéphane est-il vraiment indifférent ? Joue-t-il un jeu ? Ne vit-il qu’à travers la musique ? « La musique c’est du rêve » dit-il. Ou, selon cette citation de La Rochefoucauld que cite Sautet fait-il partie de ceux qui pensent que« Peu de gens seraient amoureux si on ne leur avait jamais parlé d’amour » ? A-t-il peur d’aimer ? Ou n’y croit-il simplement pas ? Est-il sincère quand il dit avec une froide tranquillité que Maxime n’est pas un ami, juste « un partenaire ».
Le film commence ainsi de nuit dans l’atelier et se termine de jour dans un café et entre ces deux moments, Stéphane passera de l’ombre à la lumière, d’une personnalité ombrageuse à (peut-être, là aussi, l’interprétation varie à chaque visionnage) un homme capable d’aimer. Un personnage assez proche du personnage de Martial dans « Quelques jours avec moi » (un autre film de Sautet méconnu que je vous recommande, où son regard se fait encore plus ironique et acéré, un film irrésistiblement drôle et non dénué de –douce-cruauté). « Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. » disait ainsi Truffaut.
Et puis certaines scènes font pour moi partie des plus belles et cruelles du cinéma. Cette scène où dans une voiture, Camille lui avoue l’amour qu’il lui inspire et se livre à lui, ce à quoi Stéphane répond avec tranquillité, jubilation peut-être, froidement en tout cas : « je ne vous aime pas ». Cette scène me glace le sang à chaque fois. Et puis la scène où Camille veut l’humilier à son tour. Elle se maquille outrageusement, le rejoint au café où il a ses habitudes où il dîne avec son amie Hélène. Camille lui crie sa rancœur, sa passion, cherche à l’humilier. La scène est tranchante, violente et sublime comme la musique de Ravel jouée par Camille.
Et puis comment ne pas parler de la distribution, absolument parfaite, à commencer par Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart, sans aucun doute leurs meilleurs rôles auxquels ils semblent se livrer (ou se cacher) corps et âme, d’autant plus ambigus puisqu’ils vivaient alors ensemble. Emmanuelle Béart est à la fois mystérieuse, sensuelle, forte, fragile, fière, brisée, passionnée et talentueuse (elle apprit ainsi le violon pendant un an). Daniel Auteuil donne vie à ce Stéphane énigmatique, opaque, cinglant, glacial, austère qui se définit lui-même comme sournois, parfois révoltant, parfois touchant avec ce regard perçant, tantôt terriblement là ou terriblement absent. L’un comme l’autre, dans leurs regards, expriment une multitude d’émotions ou de mystères. Mais il ne faudrait pas non plus oublier les seconds rôles : André Dussolier, personnage digne qui échappe au cliché de l’amant trompé et qui obtint d’ailleurs le César du meilleur second rôle. Jean-Luc Bideau qui dans une scène courte mais intense aligne les clichés sur la culture et l’élitisme (magnifique scène de dialogue où là aussi Stéphane dévoile une trouble (et pour Camille troublante) facette de sa personnalité). Myriam Boyer, Brigitte Catillon, Elisabeth Bourgine (les femmes de l’ombre avec, chacune à leur manière, une présence forte et déterminante).
« Un cœur en hiver » obtint le lion d’argent à Venise. Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart passèrent à côté des César de meilleurs acteurs (que leur ravirent Claude Rich pour « Le souper » et Catherine Deneuve, pour « Indochine »). Claude Sautet obtint néanmoins le césar du meilleur réalisateur (le seul avec celui de Dussolier malgré sept nominations) et celui du meilleur film fut cette année-là attribué à Cyril Collard pour « Les nuits fauves ». Tous les postes du film auraient mérités d’être récompensés : le scénario, l’image d’Yves Angelo, le travail sur la musique de Philippe Sarde, le scénario de Jacques Fieschi et Claude Sautet…
On retrouve là encore ce qui caractérise les films de Claude Sautet : les scènes de groupe (dont « Vincent, François, Paul et les autres est le film emblématique) et la solitude dans et malgré le groupe, l’implicite dans ce qui n’est pas- les ellipses- comme dans ce qui est-les regards- (Ah le regard tranchant de Daniel Auteuil! Ah, ce dernier plan !), des scènes de café ( « A chaque film, avouait Sautet, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. ») les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu « Le jour se lève » …17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes et avant tout un cinéma de personnages : César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, …et les autres, des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.
On a souvent dit de Claude Sautet était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S’il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d’après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme « La Comédie Humaine » peut s’appliquer aussi bien à notre époque qu’à celle de Balzac.
Le personnage de Stéphane ne cessera jamais de m’intriguer, intrigant le spectateur comme il intrigue Camille, exprimant tant d’ambiguïté dans son regard brillant ou éteint. Hors de la vie, hors du temps. Je vous le garantis, vous ne pourrez pas oublier ce crescendo émotionnel jusqu’à ce plan fixe final polysémique qui vous laisse ko et qui n’est pas sans rappeler celui de Romy Schneider à la fin de « Max et les ferrailleurs » ou de Michel Serrault (regard absent à l’aéroport) dans « Nelly et Monsieur Arnaud » ou de Montand/Frey/Schneider dans « César et Rosalie ». Le cinéma de Claude Sautet est finalement affaire de regards, qu’il avait d’une acuité incroyable, saisissante sur la complexité des êtres, et jamais égalée. Alors que le cinéma est de plus en plus univoque, explicatif, c’est plus que salutaire.
Une histoire d’amour, de passion(s), cruelle, intense, poétique, sublime, dissonante, mélodieuse, contradictoire, trouble et troublante, parfaitement écrite, jouée, interprétée, mise en lumière, en musique et en images.
Un peu comme l’ours en peluche du « Jour se lève » qui a un œil qui rit et un autre qui pleure, nous ressortons des films de Sautet et de celui-là en particulier, entre rires et larmes, bouleversés, avec l’envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »…et il y est parvenu, magistralement. Personne après lui n’a su nous raconter des « histoires simples » aux personnages complexes qui nous parlent aussi bien de « choses de la vie ».
Claude Sautet, en 14 films, a su imposer un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d’une savoureuse mélancolie, de l’ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l’ensemble, et celui-ci pour moi le plus beau et bouleversant.
Retrouvez également ma critique de "César et Rosalie" de Claude Sautet en cliquant ici.
FILMOGRAPHIE DE CLAUDE SAUTET
Né à Montrouge (près de Paris) en 1924, Claude Sautet est mort à Paris le samedi 22 juillet 2000 à l’âge de soixante-seize ans…
Longs-métrages réalisés par Claude Sautet
Bonjour sourire (1955)
Classe tous risques (1960)
L’Arme à gauche (1965)
Les Choses de la vie (1970)
Max et les Ferrailleurs (1970)
César et Rosalie (1972)
Vincent, François, Paul et les autres (1974)
Mado (1976)
Une histoire simple (1978)
Un mauvais fils (1980)
Garçon ! (1983)
Quelques jours avec moi (1988)
Un cœur en hiver (1991)
Nelly et Monsieur Arnaud (1995)
A voir : le documentaire de N.T.Binh « Claude Sautet ou la magie invisible »
A noter: Claude Sautet a également travailler comme ressemeleur de scénarii pour de nombreux cinéastes et notamment sur (parmi de nombreux autres films ) « Borsalino » de Jacques Deray.
Après la version 2016 de mes bonnes adresses à Deauville, je vous propose aujourd'hui mes bonnes adresses à Saint-Germain-des-Prés (Paris 6ème). Cliquez ici ou sur la photo ci-dessous pour lire mon article à ce sujet sur mon blog Inthemoodforhotelsdeluxe.com.
Si vous suivez régulièrement ce blog, vous le savez sans doute, en plus de mes 5 blogs cinéma, je possède 2 sites sur le luxe. Je ne pouvais donc pas ne pas vous parler de cette fantastique opération qui allie mes deux passions de surcroît dans mon cinéma préféré à deux pas de chez moi, l’Etoile St Germain… (J’en profite d’ailleurs pour vous dire que je vous livrerai prochainement ici une nouvelle version de mes bonnes adresses à Saint-Germain-des-Prés).
Derrière ce nom mystérieux de « Priceless souper » se cache en réalité une soirée d’exception très « in the mood for luxe » organisée par la formidable application Le Fooding qui, toute l’année, propose des dîners et événements culinaires.
Lors de ce prochain dîner-cinéma sera projeté le film « Victoria » de Justine Triet, un film qui avait créé l’événement lors du dernier Festival de Cannes. Cette projection aura lieu en présence de la réalisatrice et des acteurs du film (Virginie Efira, Vincent Lacoste, Melvil Poupaud).
Pour ce sixième épisode en écho aux saisons précédentes, où deux chefs star avaient déjà régalé vos papilles ( Daniel Rose –Spring, La Bourse et la Vie- cuisinant pour l’avant-première de Whiplash, et David Toutain au service de Mon roi (et de Maïwenn), MasterCard et Le Fooding réinvestissent donc le cinéma Etoile Saint-Germain-des-Prés avec, en plus du film, à votre programme d’exception: un plateau-repas de folie composé par Christophe Saintagne, ex-tête d’affiche du Meurice et du Plaza Athénée, devenu acteur en chef du formidable Papillon, sans oublier, en MC de luxe, Jean-Marc Lalanne, critique des inRocKs et du Masque et La Plume, et ses invités …
Bref, ne tardez pas à réserver votre place pour cet événement exceptionnel dans un lieu particulièrement agréable.
Informations pratiques
Date : jeudi 01 septembre
Lieu : Le cinéma Etoile St Germain
Nombre de participants : 208 personnes
Prix : 30€ TTC (hors frais de réservation)
Horaires d’arrivée : 19h
Chef : Christophe Saintagne, chef de chez Papillon
Cliquez sur la photo ci-dessous pour lire l'article publié sur mon site http://inthemoodforhotelsdeluxe.com et pour connaître le programme détaillé.
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