La semaine dernière, c'est dans les locaux de Metropolitan Films que j'ai eu la chance de voir « L'Imaginarium du Docteur Parnassus » en avant-première, une projection en petit comité suivie d'une rencontre passionnante avec le cinéaste retranscrite en vidéo sur inthemoodforcinema.com (cliquez ici pour voir les vidéos de la rencontre avec Terry Gilliam).

Après Jean-Pierre Jeunet et son  Tire-Larigot, avec Terry Gilliam et son Imaginarium, me voilà embarquée pour le deuxième tour de manège de la semaine, les deux cinéastes ayant en commun des univers visuels particulièrement marqués et reconnaissables, et une imagination débordante.

 Ce Docteur Parnassus-là et sa troupe voyagent de ville en ville dans leur roulotte d'un autre temps. Cet homme sans âge possède l'inestimable pouvoir de projeter les gens dans leur propre imaginaire, un fascinant voyage qui se conclut toujours par un choix déterminant. Suite à un pari gagné contre le diable, Parnassus devient éternel, mais par amour pour une femme, il demande la jeunesse en échange de son immortalité. Le diable accepta, à condition que le jour de ses seize ans, le premier des enfants de Parnassus à naître lui appartienne. La jeune Valentina atteindra l'âge fatidique dans quelques jours et le diable rôde. Dans une tentative désespérée pour sauver son unique enfant, Parnassus va à nouveau jouer avec le feu : le premier de lui ou du diable qui séduira cinq âmes aura gagné. Avec Percy, Anton et le mystérieux Tony surgi de nulle part, le docteur va se lancer dans une extraordinaire course contre la montre. Le diable a tous les pouvoirs mais Parnassus possède l'Imaginarium.

Présenté hors compétition du dernier festival de Cannes, « L'Imaginarium du Docteur Parnassus » est d'abord le film dont on a parlé parce qu'il a été endeuillé par la disparition d'Heath Ledger, décédé en plein tournage, une disparition qui a paradoxalement nourri le film grâce à l'imagination du cinéaste (dont le synopsis ci-dessus témoigne qu'il regorge de bonnes idées), avec l'aide de trois acteurs (Colin Farrell, Jude Law, Johnny Depp) le remplaçant à tour de rôle et apportant ainsi un nouveau souffle et une autre dimension au film.

L'imagination salvatrice. Dans la réalité comme dans la fiction donc.  Parce que c'est ce qu'est avant tout ce film : un hymne à l'imagination. Débordante. Précieuse. Rare. Protégée. Avec Terry Gilliam, l'imagination s'envole, les rêves sont une richesse inestimable et convoitée.  Pour y accéder il faut traverser le miroir. Miroir qui peut aussi bien refléter l'au-delà, les peurs et les fantasmes que nous y projetons que le propre visage du cinéaste qui se mire et se reconnaît dans ce marginal qui nous embarque dans une imagination échevelée. Qui rive nos yeux à l'écran, éblouis, lorsqu'ils traversent le miroir du moins, dans l'Imaginarium. Le reste du temps, c'est une frustration, les scènes s'étirant en longueur (mais après tout le rêve se mérite...) et le cinéaste semblant lui-même victime des débordements de sa propre imagination.

Malgré ces faiblesses scénaristiques, son univers féérique, foisonnant, fantaisiste, effrayant et fascinant suffit à nous embarquer du paradis aux abîmes de l'enfer. Ce film regorge d'idées visuelles et scénaristiques qui n'auraient été que plus époustouflantes si elles avaient été canalisées, mais après tout l'imagination ne se canalise pas forcément, dans l'univers de Terry Gilliam comme dans l'Imaginarium du Docteur Parnassus et c'est aussi ce qui fait leur charme. Peut-être est-ce là aussi sa manière de ne pas vendre son âme au diable (à l'industrie cinématographique).

Il faut avant tout voir ce film comme une expérience cinématographique sensorielle, véritable ode à l'inventivité, à l'originalité, à la beauté singulière. Comment ne pas être envoûté par un film qui vous fait toucher les nuages, par une telle flamboyance poétique où le monde se dérobe sous vos pieds et le  dérobe à sa banalité !

Avec ce film qui est issu d'un scénario original, Terry Gilliam ambitionnait de synthétiser tout ce qu'il avait fait jusqu'ici. C'est qui l'enrichit et l'alourdit à la fois ; l'enrichit d'idées et d'effervescence, l'alourdit pour les mêmes causes. Avec ce conte initiatique il n'ambitionnait pas seulement de nous faire voyager dans le temps, le paradis, l'enfer, l'imagination mais aussi de nous faire voir le monde avec un nouvel œil, selon notre propre imagination et pas seulement ce que nous disent les médias. Bref d'ouvrir l'œil et de regarder au-delà du miroir ou de cette fenêtre (et ce miroir !) ouvert sur le monde qu'est aussi l'écran de télévision.

 Et puis il y a les acteurs : la voix envoûtante de Tom Waits au service de ce personnage diabolique , la candeur et le teint de porcelaine de la prometteuse Lily Cole et Johnny Depp et Jude Law dont j'avoue avoir préféré les prestations à celles de Heath Ledger et Colin Farrell.

 Alors, si vous aussi avez envie de voir le monde féérique et ensorcelant qui se dissimule derrière le miroir, si comme moi vous vénérez le pouvoir inestimable de l'imagination grâce à laquelle « rien n'est définitif pas même la mort », il ne vous reste plus qu'à acheter votre ticket pour « L'Imaginarium » et à vous plonger dans ce bouillonnement visuel ! Peut-être que vous vous y égarerez un temps, mais je ne pense pas que vous le regretterez !

Quel film peut-on bien réaliser après le chef d'œuvre "Les Noces Rebelles" (si vous ne l'avez pas encore vu, précipitez-vous sur le DVD,  et rendez-vous à la fin de cet article pour lire ma critique en espérant vous convaincre de voir ce qui est sans doute un des trois meilleurs films de cette année et qui frôle la perfection) ? Plutôt que de réaliser un film semblable qui aurait forcément souffert de la comparaison,  Sam Mendès a eu la bonne idée de réaliser un film qui est quasiment le contrepied du précèdent...

 Certes, Verona (Maya Rudolph) et Burt (John Krasinski), cherchent ici aussi un ailleurs, pas pour échapper à leur vie de couple étouffante, mais pour trouver l'endroit parfait pour fonder une famille. Ils viennent en effet d'apprendre qu'ils vont devenir parents et la seule raison pour laquelle ils vivaient dans la ville de province dans laquelle ils habitaient était la présence des parents de Burt qui ont brusquement décidé de déménager. Ils vont donc partir rendre visite à leurs familles et amis  pour trouver le bon endroit. Le bon modèle.

Aux antipodes du glamour hollywoodien, Sam Mendes a choisi deux acteurs non auréolés de tout le mythe qui entourait ceux de son précèdent film (Kate Winslet et Leonardo Di Caprio), un couple ordinaire  auquel chacun est censé pouvoir s'identifier. Une autre histoire de couple. Un couple d'amoureux qui se suffisent l'un à l'autre et pour qui trouver le bon endroit est le moyen de se retrouver et non d'échapper à son alter ego. D'ailleurs, la protagoniste féminine du couple s'appelle Verona. La ville des amoureux immortalisée par Shakespeare. Tout un symbole... même si ici pas de Capulet et Montaigu pour mettre à mal leur amour. Simplement des questionnements, un cheminement vers l'âge adulte. A travers les rencontres qu'ils vont effectuer, les lieux qu'ils vont visiter, ils vont grandir, prendre la mesure de la responsabilité qui va bientôt leur incomber.

Leur parcours est divisé en saynètes sur un schéma assez semblable. Ces saynètes sont séparées par des panneaux indiquant le nom de l'endroit où ils arrivent et la vérité (du couple qui les accueille et de leur attitude avec leurs enfants) apparaît le plus souvent lors de scènes de repas, là aussi propices à créer l'identification, aussi excentriques soient les réalités auxquelles ils sont alors confrontés : du couple qui se moque de ses propres enfants au couple hippie aux principes éducatifs improbables où l'enfant trône comme un roi en bout de table mais est finalement nié. Ils vont alors être confrontés à tous les modèles pour trouver le leur : de la mère qui s'en va à celle qui adopte parce qu'elle ne peut pas avoir d'enfants.

Mais ne vous y trompez pas, il s'agit aussi et avant tout d'une comédie. Parfois décalée, et surtout rafraîchissante comme peut l'être un premier film qui ne démériterait pas dans la compétition des films indépendants du Festival du Cinéma Américain de Deauville. Les deux acteurs principaux, à la fois ordinaires et originaux et surtout talentueux, y sont aussi pour beaucoup. Ce long-métrage qui est le cinquième de Sam Mendes  a pourtant la fraîcheur d'un premier film !

Derrière ce road movie rafraîchissant, plus grave qu'il n'y paraît, Sam Mendes débusque à nouveau les faux-semblants et met de nouveau en scène ses thèmes de prédilection : l'hypocrisie sociale du couple et ce qu'il dissimule derrière une apparence de respectabilité (et cela commence avec les parents de Burt, dans une scène irrésistible dans laquelle ils témoignent de leur redoutable égoïsme), la sensation d'étouffement (à l'intérieur du couple ou d'un lieu, ici) et l'envie d'y échapper.

A l'image du film, ses personnages principaux sont attachants par leur simplicité, fauchés mais amoureux et heureux. Ce road movie va être leur parcours initiatique.

Sam Mendes filme  au plus près des visages pour aller au-delà des apparences.  La musique d'Alexi Murdoch baigne l'ensemble dans une mélodie envoûtante et le scénario original de Dave Eggers et Vendela Vida, s'il ne nous époustoufle pas, nous charme incontestablement, par sa tendresse et son humour.

Ailleurs nous irons, signifie le titre. Ailleurs Sam Mendes nous a emmenés. Tout en nous rappelant que le bonheur c'est souvent non pas d'échapper à son destin mais de s'y confronter. Et que, le  plus souvent, il ne se situe pas ailleurs, mais bel et bien là, juste à côté de nous.

 Je ne vous surprendrai pas en vous disant que j'ai, et de loin, préféré la complexité, la noirceur, la subtilité, la beauté cruelle des « Noces Rebelles » mais je vous recommande également ce « Away we go » qui, en vous emmenant ailleurs avec un mélange d'apparente et séduisante légèreté et de touchante gravité, vous parlera sans doute aussi, d'ici et de vous. Alors... sur mes recommandations, avec Sam Mendès, ailleurs vous irez !

Sortie en salles: le 4 novembre 2009

"Les Noces Rebelles" de Sam Mendes: critique du film

Lorsqu’ils se rencontrent, April (Kate Winslet) et Frank Wheeler (Leonardo Di Caprio) en sont persuadés : ils sont différents, exceptionnels même. Certes ils ont emménagé sur Revolutionary road,  dans une banlieue tranquille comme il y en a tant d’autres, où les conventions sociales et la vie routinière règnent mais ils en sont certains : ils ne se laisseront pas piéger. Oui, ils sont différents et le prouveront.

Actrice sans talent, April consacre  pourtant bientôt tout son temps à sa maison et ses enfants, en rêvant d’une vie trépidante loin de Revolutionary road.  Frank, quant à lui, fait un travail sans intérêt dans un bureau dans la même entreprise que celle où son père travaillait, et finit par tromper sa femme avec une secrétaire terriblement insignifiante et stupide.

Un jour, celui-là même ou Frank commence à la tromper, en fouillant dans sa boîte à souvenirs, April trouve une photo de Frank à Paris et se souvient de leurs aspirations.  Elle reprend brusquement goût à la vie, surtout espoir en la vie et en l’avenir. C’est décidé : leur avenir est à Paris, elle convainc Franck de partir y vivre quelques mois plus tard. Ils l’annoncent alors à leurs proches avec l’insolence du bonheur.

L’intrigue se déroule dans le Connecticut, dans les années 50 mais ce n’est finalement qu’un détail… tant ce film a une portée intemporelle et universelle.

Si ces « Noces rebelles » font l’effet d’un coup de poignard dont il faudra un temps certain pour se remettre, c’est autant pour son dénouement terriblement fort et magnifiquement cruel que pour les questionnements que ce film suscite et auxquels chacun a forcément été confronté, un jour ou l’autre. Le schisme potentiel entre ce que l’on est, ce que l’on voudrait devenir ou ce que l’on a rêvé de devenir. Les idéaux de jeunesse face à la réalité de la vie familiale. Le courage d’échapper à une vie médiocre, confortable et conformiste ou la  facilité, la lâcheté même, de s’y conformer. La facilité de suivre une existence tracée ou le courage de se rebeller contre celle-ci.

Revolutionary Road, le nom de leur rue : voilà bien tout ce que leur vie a finalement de révolutionnaire tant ils vont se faire enfermer par cette vie si éloignée pourtant de celle à laquelle ils aspiraient, tant ils vont devenir semblables aux autres, malgré tout, tant ils vont être happés par ce « vide désespérant » de l’existence qu’ils méprisent par-dessus tout.

 Avec son costume et son chapeau grisâtres, chaque matin, sur le quai de la gare Frank est anonyme et perdu dans une foule indifférenciée d’hommes vêtus de la même manière, sinistrement semblables. Son bureau est carré, gris, terne comme la cellule d’une prison. Et chaque matin April le regarde partir derrière une vitre aux lignes carcérales. Cette prison d’uniformité, de médiocrité va bientôt se refermer sur eux … jusqu’au point de non retour.

La rencontre n’occupe qu’une très petite partie du film : le pré-générique au cours duquel April jette son dévolu sur Frank, parce qu’il porte en lui toutes les espérances d’une vie exceptionnelle, parce qu’il a l’arrogance et la beauté prometteuses, prometteuses d’un futur différent de celui des autres, d’une vie où on « ressent » les choses et où on ne les subit pas. Puis, on les retrouve mariés, se disputant suite à une représentation théâtrale dans laquelle jouait April et où son manque de talent a éclaté. Générique. Le temps du bonheur est terminé. Le reste n’en sera que le vain  espoir.

La suite est à la fois d’une déchirante cruauté mais aussi d’une déchirante beauté : la beauté du regard aiguisé d’un cinéaste au service de ses acteurs, au service du scénario, au service de cet enfermement progressif. La justesse des dialogues, ciselés et incisifs, auxquels notre attention est suspendue. La beauté de certains plans, de certaines scènes, brefs moments de bonheur qui portent déjà en eux son impossibilité et qui les rend d’autant plus éblouissants : April lumineuse, irréelle et déjà évanescente, dans l’embrasure d’une porte  ou une danse sensuelle exprimant autant la vie que la douleur de son renoncement… Et cette scène qui succède à une dispute où tout semble devenu irrévocable et irrémédiable. Cette scène (que je ne vous décrirai pas pour vous la laisser découvrir) à la fois d’une atroce banalité et d’une rare intensité où le contraste avec la précédente et où les enjeux sont tels que notre souffle est suspendu comme lors du plus palpitant des thrillers. Quel(s) talent(s) faut-il avoir pour faire passer dans une scène en apparence aussi insignifiante autant de complexité, de possibles, d’espoir, d’horreur ? Cette scène est magistrale.

Alors, non…la route ne les mènera nulle part. Si : en enfer peut-être.  Au grand soulagement des voisins qui raillaient hypocritement leur départ, qui redoutaient en réalité qu’ils échappent à cette vie qu’ils se sont condamnés à accepter et à suivre sans rechigner.  Le piège va se refermer sur eux. La rébellion sera étouffée. La médiocrité remportera la bataille contre la vie rêvée et idéalisée.

La musique de Thomas Newman est parfois douloureusement douce et ne fait qu’exacerber ce sentiment de regret, de bonheur à jamais insaisissable, de même que la photographie qui, tantôt (plus rarement) d’une lumière éclatante, tantôt d’une obscurité presque inquiétante épouse les espoirs et les déchirements, les désillusions du couple.

Onze ans après « Titanic » le couple Di Caprio / Winslet se reforme (de nouveau accompagnés de Kathy Bates) donc pour ce film qui en est l’antithèse, une adaptation du roman « Revolutionnary Road » (La Fenêtre panoramique) de Richard Yates publié en 1961. Ce choix de casting est judicieux  et très malin, non seulement parce qu’ils auraient pu choisir un blockbuster beaucoup plus « facile » et qu’avec ce sujet ce n’était pas gagné d’avance (au contraire des protagonistes du film, ils ont donc  fait preuve d’audace) mais aussi parce qu’ils représentaient alors le couple romantique par excellence, les voir ainsi se déchirer n’en est d’ailleurs que plus fort. Kate Winslet, par son jeu trouble et troublant, n’a ainsi pas son pareil pour faire passer la complexité et la douleur de ses tourments, l’ambivalence de cette femme que le conformisme étouffe progressivement et pour que chacune de ses expressions contienne une infinitude de possibles, contribuant à ce suspense et cette sensation de suffocation intolérable.  On étouffe, subit, souffre avec elle. C’est à la fois jubilatoire et insoutenable. Avec son air d’éternel adolescent maladroit, ne sachant prendre sa vie en mains, Leonardo Di Caprio, quant à lui, trouve là un de ses meilleurs rôles et prouve une nouvelle fois l’étendue de son jeu.

 Le film leur doit beaucoup tant ils rendent ce couple à la fois unique et universel et extrêmement crédible. Dommage que les seules nominations pour les Oscars ( même si Kate Winslet a obtenu le Golden Globe pour ce rôle ) soient pour Michael Shannon comme meilleur acteur dans un second rôle (qui le mérite néanmoins, qui interprète un fou de la bouche duquel sortira pourtant la vérité , rassurant finalement les voisins hypocrites qui préfèrent ne pas entendre-au sens propre comme au sens figuré, cf le mari de Kathy Bates au dénouement- qui refusent de l’admettre puisque n’étant pas sain d’esprit il aurait donc tort et eux auraient raison d’avoir choisi, plutôt suivi cette vie. C’est aussi le seul à être d’accord et à comprendre réellement les Wheeler), pour le meilleur costume et pour le meilleur décor (Kristi Zea, la chef décoratrice dit s’être inspirée des œuvres du peintre Edward Hopper donc ce film porte la beauté laconique et mélancolique).

 Un film intemporel et universel, d’une force et d’une cruauté aussi redoutables qu’admirables, servi par deux comédiens exceptionnels et une réalisation virtuose. Un film palpitant qui est aussi une réflexion sur le mensonge, l’espoir, les idéaux de jeunesse, la cruauté de la réalité, la médiocrité, l’hypocrisie et le conformisme de la société. Les vingt dernières minutes sont d’une intensité rare et font atteindre des sommets de perspicacité, de complexité à ce film dont on ressort touchés en plein cœur avec cette envie aussi de le faire battre encore plus vite et plus fort. Le pouvoir des grands films dont « Les Noces rebelles » fait indéniablement partie. Je vous invite vivement à faire un tour sur cette « revolutionary road », autre "sentier de la perdition". Vous n’en reviendrez pas indemnes… et je vous le garantis : cette rue-là vous bousculera, vous portera et vous hantera bien après l’avoir quittée. 

Le Corbeau. La Vérité. Quai des Orfèvres. Les Diaboliques. Le Salaire de la Peur. Cinq films de Clouzot qui font partie de mon panthéon cinématographique et qui ont bercé mon enfance. Cinq films qui montrent à quel point Clouzot était un brillant directeur d'acteurs : Vera Clouzot, Simone Signoret,  Charles Vanel, Yves Montand, Louis Jouvet... et Brigitte Bardot à qui il offrit son plus beau rôle dramatique dans le splendide « La Vérité ». A quel point il était un grand metteur en scène (malgré l'étiquette de « qualité française » qu'on a voulu lui accoler). A quel point ses films témoignent d'audace et de modernité, de suspense auquel Hitchcock même n'aurait rien eu à envier, d'intensité dramatique rare, de cynisme réjouissant... mais ce n'est rien à côté du film qui ne vit jamais le jour et qui, sans nul doute, aurait été un chef d'œuvre. Un film unique et singulier intitulé « L'Enfer » sur la piste duquel Serge Bromberg s'est retrouvé suite aux aléas parfois bienheureux du destin : une panne d'ascenseur qui le conduisit à rester bloqué avec Inès Clouzot, la dernière femme du cinéaste...

 Avec Ruxandra Medrea, il retrace l'histoire de ce film mêlant témoignages de protagonistes de l'époque mais aussi images du film ou des essais. Et si le documentaire s'intitule « L'Enfer de Clouzot » (et non documentaire de Serge Bromberg sur L'Enfer) c'est parce qu'il est avant tout un hommage au film qu'il tente de reconstruire (même si cette reconstruction d'un film qui s'est en quelque sorte lui-même sabordé était vouée à l'échec) avant même d'être un documentaire sur celui-ci et son tournage. Serge Bromberg a choisi de se mettre en retrait pour mettre en valeur l'œuvre de Clouzot, sans pour autant édulcorer le caractère entier (c'est un euphémisme...) du cinéaste que le perfectionnisme (mais avec quel brillant résultat dans ses précédents films !) poussait à exiger le meilleur de ses acteurs, et à les épuiser.

Ces images époustouflantes, de beauté, d'inventivité, d'audace, ont été bloquées pendant des années pour raisons juridiques essentiellement puis ont été considérées comme perdues. Elles datent de 1964...et pourtant en 2009 on se demande quel film a su concilier avec autant de perfectionnisme et d'imagination  le fond et la forme : « l'Enfer » est ainsi l'histoire d'un homme, Marcel Prieur (Serge Reggiani), patron d'un modeste hôtel de province, saisi par le démon de la jalousie. Chaque plan, chaque son (un travail considérable qui exploite toutes les pistes sonores de la folie) témoigne de cette folie dévastatrice et aveugle avec des images d'une force hypnotique rarement (jamais ?) atteinte...

Son travail, à la confluence des arts, frôle l'expérimental et l'abstraction (lèvres bleutées : on songe à Warhol, distorsion des images qui rappelle les surréalistes...), certains photogrammes pourraient être exposés dans une galerie d'art moderne sans en rougir. Les tentatives sur les couleurs, les impressions : tout semble inédit, tout est fascinant. Si ce film est, pour les yeux, une réjouissance parfois éprouvante  ( le spectateur se retrouvant à éprouver cette impression de folie, de déconstruction du réel, étant destiné à vivre une expérience autant qu'à assister à un film) autant qu'envoûtante, c'est aussi un crève-cœur de voir qu'une telle œuvre n'a jamais véritablement vu le jour par une suite de déconvenues que je vous laisse découvrir, ce tournage pour lequel la Miramax éblouie par les premières images lui avait donné budget illimité (150 techniciens, trois chefs opérateurs...), s'étant lui aussi véritablement transformé en « Enfer ». Costa-Gavras, Catherine Allégret, Bernard Stora et quelques autres apportent leur témoignage sur le déroulement des évènements.

Bérénice Béjo et Jacques Gamblin interprètent quant à eux quelques scènes qui n'ont jamais été tournées  dans le dépouillement le plus total qui ne pardonne pas la moindre fausse note : on retient notre souffle et si les deux acteurs sont irréprochables on ne peut s'empêcher de songer au supplément d'âme  que leur auraient apporté Romy Schneider et Serge Reggiani. Progressivement on imagine ainsi ce qu'aurait été ce film aussi improbable que magistral. Mais était-ce bien nécessaire de couper ainsi le rythme tant les images de Clouzot suffisent à nous laisser imaginer ce que son film aurait été... ?

Et puis il y a Romy Schneider... Romy qui hante, capture, captive, éblouit, séduit l'écran alors qu'elle n'avait que 26 ans, Romy dont le jeu, les attitudes et le regard témoignaient d'une fascinante modernité, et pourtant à l'époque, elle n'avait pas encore tourné « La Piscine » et n'était encore que l'ingénue « Sissi » dans l'esprit des spectateurs. Face à elle, Serge Reggiani épouse le visage de la folie maladive avec une rage bouleversante. Le tout dans ce cadre à la fois familier inquiétant du Cantal et du Viaduc de Garabit.

Ce film, d'une étrange beauté, sans nul doute, aurait à jamais permis à Henri-Georges Clouzot de décoller l'étiquette de « qualité française »à laquelle on l'a injustement associé. Cela aurait été bien dommage que ce qui subsiste de ce film reste dans les limbes de l'enfer et d'en être privés. Le titre du film est ainsi sous-titré: "la légende d'un film inachevé", cela pourrait aussi être "un film légendaire inachevé...  Chabrol s'en est ainsi certes inspiré pour son film  « L'Enfer » en 1994, indéniablement un très grand film qui n'est cependant pas cette expérience visuelle et sonore sensuelle, novatrice et éblouissante qu'aurait été le film de Clouzot, un chef d'œuvre qui revient de loin et que je vous engage à découvrir... et comme dirait Henri-Georges Clouzot :

 Sortie en salles : le 11 novembre 2009

A suivre sur inthemoodforcinema.com: un concours vous permettant de remporter 5 places pour 2 pour voir "L'Enfer" d'Henri-Georges Clouzot!

Le Théâtre du Châtelet était jusqu'alors pour moi associé au souvenir d'une épique soirée des César, en 2006, (cliquez ici pour en lire le récit), il sera désormais indissociable de ce moment où Tchaïkovski m'a fait frissonner d'émotion et a, en un instant où fiction et réalité se sont rejointes et où la beauté de la seconde a éclipsé celle de la première, imposé un silence respectueux et admiratif et suspendu le souffle de cette salle magistrale.

Europacorp, pour l'avant-première du film « Le Concert » de Radu Mihaileanu  dont l'intrigue se déroule en partie au Théâtre du Châtelet, avait donc, en toute simplicité :-), réservé le Théâtre du Châtelet et convié une bonne partie du cinéma français (et évidemment toute l'équipe du film: Radu Mihaileanu, Alexei Guskov,  Mélanie Laurent, François Berléand, Ramzy, Miou Miou...) dont l'arrivée était retransmise sur écran géant, à l'intérieur de la salle mais aussi dans une cinquantaine de cinémas, dans toute la France, dont les spectateurs ont également pu suivre l'avant-première et ce qui a suivi, retransmis en intégralité. Evidemment l'émotion était décuplée par le fait de se retrouver dans l'endroit même où le film a été tourné...

C'est la toujours très professionnelle Marie Drucker (une des rares à faire sortir des sentiers battus les traditionnelles interviews de fin de JT et à écouter les réponses davantage que ses questions) qui a d'abord présenté le déroulement de la soirée avant de laisser place à la projection.

 C'est en Russie que débute ce concert-là, avec Andreï Filipov (Aleksei Guskov), désormais homme de ménage au Bolchoï, 30 ans après avoir été le plus grand chef d'orchestre de l'Union Soviétique et avoir dirigé ce même orchestre du Bolchoï. Mais voilà, il y a 30 ans c'était Brejnev qui était au pouvoir et Filipov avait vu son concert et sa carrière interrompus pour avoir refusé de se séparer de ses musiciens juifs. Resté tard pour faire le ménage, il tombe par hasard sur un fax adressé au directeur du Bolchoï : une invitation du Théâtre du Châtelet conviant l'orchestre du Bolchoï à venir jouer à Paris. Andreï a alors la folle idée de réunir ses anciens amis musiciens, qui (sur)vivent aujourd'hui de petits boulots et de les emmener à Paris en les faisant passer pour le Bolchoï...

Un sujet en or ! Des thèmes (récurrents chez le cinéaste) propices à susciter l'empathie du spectateur : une révoltante injustice et une imposture pour prendre une revanche sur celle-ci. De nouveau le cinéaste explore ainsi le thème des persécutions dont les Juifs ont été victimes, cette fois donc dans la Russie de Brejnev qui rayait les différences et broyait les individualités, pervertissant les idées initialement nobles du communisme qu'elle prétendait appliquer.

D'abord un peu déroutée par le style, à des années lumière du subtil et bouleversant « Va, vis et deviens », il me faut un peu de temps pour m'habituer à cette exubérance, à ces personnages hauts en couleur, à cette Russie grisée et grise, à ce genre, nouveau pour le réalisateur, celui de la comédie. Le personnage de Filipov plus nuancé et grave parvient pourtant à lui seul à captiver l'attention.

 La stigmatisation d'une partie de la Russie qui s'est enrichie sur les ruines du communisme (parfois avec les mêmes que ceux qui en étaient les garants) et dépense avec ostentation et  mauvais goût, croyant que l'argent peut tout corrompre et acheter, la nostalgie du communisme et d'un temps pourtant dramatique sont des pistes passionnantes que Radu Mihaileanu effleure avec humour, parfois extravagance et néanmoins justesse.

Certains de ses personnages sont attachants et traités avec beaucoup de tendresse ... alors que d'autres le sont caricaturalement, avec un ton frôlant la condescendance vraiment dommageable, avec un résultat à l'opposé de celui envisagé réduisant certains personnages à des clichés douteux : une fois à Paris les Juifs ne pensent qu'à vendre des téléphones portables et à s'enrichir, et les Russes, grégaires, ne pensent qu'à boire...

C'est d'autant plus dommage que lorsque Radu Mihaileanu aborde le registre dramatique, on retrouve toute la sensibilité dont il sait faire preuve notamment dans les scènes entre Mélanie Laurent et Aleksei Guskov. Cette dernière illumine l'écran et son visage lumineux contraste joliment avec la gravité de celui d'Aleksei Guskov, leur face à face oriente la fin du film vers le registre dramatique dont on se dit qu'il est dommage qu'il n'ait pas été employé dès le début. On se dit aussi que cette caricature, certes dommageable, est sans doute plus de la pudeur  maladroite que du mépris volontaire, la fameuse « politesse du désespoir ».

La fin du film portée par l' émouvante exaltation de Mélanie Laurent, la gravité attendrissante d'Aleksei Guskov, la caméra virevoltante de Radu Mihaileanu (mais peut-être parfois trop, ne nous laissant pas  le temps de nous attarder sur un regard, un geste, une note bien suffisants pour susciter l'émotion), et la musique de Tchaïkovski nous laissent entrevoir le chef d'œuvre qu'aurait pu être ce film inégal parsemé de trop courts instants de grâces et de quelques bonnes idées humoristiques (l'irrésistible traduction du Russe en Français, le personnage de Berléand au débit impressionnant...), porté pourtant par une idée en or et un cinéaste dont nous ne doutons pas de la sensibilité et des bonnes intentions.

Dommage que des notes dissonantes faussent cette partition si prometteuse, ce bel hymne au pouvoir rédempteur et fédérateur de la musique... et que l'intensité captivante soit uniquement celle du dénouement(certes réussi) -le concert du faux Bolchoï au Théâtre du Châtelet- pour délaisser le reste qui a certainement aussi pâti du mélange, parfois incongru, des genres. (Sortie en salles: le 4 novembre)

Générique. La salle applaudit. Le rideau se lève sur les 55 musiciens de l'orchestre Lamoureux. La salle est envahie par une vague de silence et d'émotion. Les notes mélodieuses,  tantôt joyeuses et bouleversantes, mélancoliques et exaltantes, romantiques et tourmentées du concert pour violon et orchestre opus 35 de Tchaïkovski s'élèvent (et nous élèvent) dans le Théâtre du Châtelet comme dans la fiction quelques secondes plus tôt. Le lieu, les autres n'existent plus. Le temps non plus. Peut-être sommes-nous à la fin du  19ème? Peut-être Tchaïkovski va-t-il apparaître sur scène comme par miracle et magie ?  Paraît-il que ce concert n'a duré que 10 minutes.  Pour moi une brève éternité. Un sublime moment d'éternité éphémère...

 Ensuite il a bien fallu revenir. Au présent. A la foule. Au monde réel. A la lumière éblouissante. Aux voix dissonantes de la réalité. Toute l'équipe du film est montée sur scène interviewée par Marie Drucker, je vous laisse découvrir ces instants en photos et vidéos : vous entendrez les acteurs principaux du film comme Mélanie Laurent et François Berléand mais aussi le réalisateur Radu Mihaileanu... (dont vous pourrez aussi lire le résumé sur Filmgeek, La Cité des Arts et Buzzmygeek).

Après l'interview de Rémi Bezançon, j'ai le grand plaisir de vous proposer aujourd'hui les interviews d'Aymeric Cormerais et Yvon Marciano, respectivement acteur principal et réalisateur de "Vivre!", qui sortira en salles ce 7 octobre un film que je vous recommande vivement ne serait-ce que parce qu'il donne vraiment envie de "Vivre", un film lumineux qui me trotte toujours dans la tête une semaine après la projection, et qui vous donne cet exaltant sentiment de liberté et de "carpe diem",  et cette sensation qu'aujourd'hui est "le premier jour du reste de [votre] vie" pour paraphraser le titre d'un film d'un réalisateur précité dans lequel a également joué Aymeric Cormerais.

 Un hymne à la liberté, la vie, Paris, l'amour, la jeunesse mais aussi un hommage au cinéma (d'hier et aujourd'hui avec une nouvelle génération d'acteurs) et à la Nouvelle Vague... à ne surtout pas manquer! Un film par ailleurs remarqué par Catherine Deneuve dont elle dit qu'il "aurait plu à Truffaut"!

Inthemoodforcinema.com a également le plaisir de vous faire gagner des places pour l'avant-première du film, en présence de l'équipe, le 6 octobre, à 20H, au Studio 66 (66 rue Jean Jaurès- 94500) à Champigny-sur-Marne. 10 places pour 2 sont à gagner! Pour remporter ces places, assurez vous d'abord d'être disponibles et de pouvoir vous rendre sur le lieu de la projection, ensuite il vous suffira de m'envoyer un email à inthemoodforcinema@gmail.com avec votre nom et le nom de la personne qui vous accompagnera, en me disant en une phrase pourquoi vous souhaitez assister à cette avant-première, et avec comme intitulé de l'email "Avant-première de "Vivre!"".

Cliquez ici pour lire ma critique de "Vivre" d'Yvon Marciano

INTERVIEW D'YVON MARCIAN0 (réalisateur de "Vivre!)

 Pour Yvon Marciano, il s'agit d'un second long-métrage en tant que réalisateur. Yvon Marciano est réalisateur, scénariste, directeur de la photographie, cadreur. Son premier long-métrage, il y a 13 ans déjà, "Le Cri de la soie" (avec Marie Trintignant) avait été très remarqué et avait reçu de nombreux prix. Marie Trintignant avait par ailleurs été nommée comme "meilleure interprète féminine" pour ce film aux César 1997. Yvon Marciano a également réalisé de nombreux courts-métrages pour lesquels il a été de nombreuses fois primé. Il a également réalisé plusieurs films publicitaires et programmes pour la télévision. Il est aussi professeur de réalisation à l'école de cinéma ESEC et il enseigne également à l'Ecole Florent le travail de l'acteur face à la caméra.

In the mood for cinema : Treize années séparent « Vivre ! » de votre précèdent long-métrage « Le Cri de la soie », est-ce un choix de votre part que de vous être consacré au court-métrage pendant cette période ou avez-vous eu d’autres projets de longs avortés entre-temps ?

Yvon Marciano : J’ai d’abord traversé un véritable « tsunami » dans ma vie personnelle qui m’a empêché, pendant au moins sept ans, de me consacrer au long métrage. Au cours de ces treize années, j’ai quand même réalisé huit courts métrages, mis en scène deux pièces de théâtre, et écrit deux scénarios de longs. Le premier intitulé « Le Beau Sexe » n’a malheureusement pas trouvé le financement nécessaire malgré un beau casting féminin (Marie Trintignant, Elsa Zylberstein, Marie-Josée Croze, Julie Gayet…). Quant au deuxième « Do not disturb », le montage financier est en cours, et j’espère pouvoir le tourner très prochainement. Le film sera produit par Mercredi Films.

ITMFC : Vous dîtes vous-même, après une dizaine de courts, avoir subitement décidé d’écrire et réaliser « Vivre ! », y a-t-il eu un élément déclencheur ?

Yvon Marciano : L’impatience. L’idée de devoir attendre encore deux ou trois ans avant de tourner me paraissait insupportable. L’idée de devoir refaire le parcours habituel (recherche de financement, attente des réponses) et de devoir supporter l’inertie terrible du système… Cela m’a incité à imaginer une toute autre méthode pour « Vivre ! » : se jeter à l’eau sans financement ou presque, écrire et préparer le film dans l’urgence, le plus librement possible, sans pression, en réunissant autour de moi de jeunes acteurs et de jeunes techniciens. J’avais en effet depuis longtemps le désir de parler de la jeunesse, et de donner leur chance à de jeunes comédiens. Et faire un film qui soit au maximum du côté du plaisir.

ITMFC : Comment résumeriez-vous et définiriez-vous « Vivre ! » ?

Yvon Marciano : Un film qui se voudrait tonique, vivant, libre. En réaction contre un cinéma très largement dépressif. Un film du côté de la lumière, qui essaie de parler de tout (même des choses graves) avec légèreté.

ITMFC : « Vivre ! » est un magnifique hommage à la Nouvelle Vague. On retrouve notamment une référence explicite à « A bout de souffle ».  Dans quelle mesure le cinéma de cette époque vous a-t-il influencé et ce film de Godard en particulier ?

Yvon Marciano : Le cinéma de la Nouvelle Vague m’a nourri quand j’étais adolescent. Il m’a profondément marqué, à cause de sa liberté de ton, de sa liberté formelle. Certains films de Godard et Truffaut, pour ne citer que ceux-là, ont été déterminants pour moi.

ITMFC : Bresson aussi semble vous avoir influencé ou encore Truffaut, les personnages masculins de « Vivre ! » me semblent ainsi avoir tous un quelque chose d’Antoine Doinel, et en particulier Théo qui me rappelle beaucoup le Doinel de « Baisers volés ». Dans quelle mesure ces cinéastes et ce film en particulier vous ont-ils également influencé ?

Yvon Marciano : C’est très pércisément Bresson qui m’a donné envie de faire du cinéma. Son « Pickpocket » a été une révélation, un coup de fouet. Ce film m’avait bouleversé et sidéré par son sujet, son personnage principal, son traitement, sa mise en scène « au cordeau ». D’une maîtrise incroyable. Depuis, je me suis un peu éloigné de cet « art de la maîtrise » dont Bresson, Dreyer ou Hitchcock, sont les représentants illustres. J’ai envie aujourd’hui de plus de spontanéité, de plus de liberté. D’être surpris au moment du tournage. Les ressemblances avec Doinel et le cinéma de Truffaut ne sont pas conscientes. Il se trouve que j’ai toujours senti de très grandes affinités avec Truffaut, et une grande admiration, davantage pour l’homme d’aillleurs que pour le cinéaste. Catherine Deneuve a vu « Vivre ! » il y a quelques mois. Je ne l’avais jamais rencontrée, et ce qu’elle m’a dit après la projection m’a sincèrement touché, venant d’elle qui l’a très bien connu : « Ce film aurait beaucoup plu à François. »

ITMFC : Avez-vous donné des indications aux comédiens pour qu’ils s’inspirent du jeu de ceux de cette époque par exemple pour qu’ils aient cette fausse désinvolture qui me semble spécifique à la Nouvelle Vague ?

Yvon Marciano : Non, pas particulièrement. C’était à moi de créer, au moment du tournage, les conditions (rapidité d’exécution, liberté, décontraction, absence de pression, goût du jeu, plaisir) pour que cette « désinvolture » s’exprime au mieux.

ITMFC : De « Vivre ! » émane un sentiment de liberté et de légèreté auquel contribue aussi le mode de filmage. Etait-ce un choix délibéré de votre part ?

Yvon Marciano : Bien sûr ! Il était impensable pour moi de tourner autrement. Il fallait la caméra à l’épaule, sans aucune machinerie (ni pied, ni rails de travelling), le matériel d’éclairage le plus léger possible. Avec Pierre Befve, mon chef-opérateur, nous voulions que tout le matériel soit contenu dans une petite camionnette. Que la logistique soit la moins contraignante possible. Je voulais même qu’on puisse se déplacer à pied d’un décor à l’autre, en sachant que nous avions parfois cinq lieux différents dans la journée !

ITMFC : « Vivre ! » est un film à la fois intemporel et contemporain, un hymne à Paris, au cinéma, à l’amour mais c’est aussi un hymne à la jeunesse et à la nouvelle génération des comédiens qui interprètent ces personnages. Qu’est-ce qui selon vous caractérise cette nouvelle génération ? Comment avez-vous choisi ces jeunes comédiens et en particulier Aymeric Cormerais qui interprète le rôle principal ?

Yvon Marciano : J’ai fait un casting qui a duré 5 semaines, j’ai demandé conseil à quelques personnes de confiance qui travaillent dans le cinéma, j’ai profité de mes interventions à L’Ecole Florent (ou je dirigeais chaque année un stage de cinéma d’un mois et demi) pour proposer certains rôles à des élèves talentueux que j’avais depuis longtemps repérés (Gaël Tanniou, Lydie Waï, Pierre-Marie Baudoin). Arnaud Denis m’a été conseillé par une amie comédienne. Quant à Aymeric Cormerais, j’ai fait des essais avec lui qui m’ont convaincu : j’ai aimé sa liberté, sa désinvolture. Je me suis inspiré de la personnalité des comédiens pour écrire le scénario, l’écriture et le casting ayant été menés en parallèle. C’est assez grisant de partir des comédiens pour écrire, de dessiner leurs personnages en fonction de ce qu’ils vous inspirent. Je voulais parler de la jeunesse, pas forcément celle des années 2000, mais davantage de l’esprit de la jeunesse. Que ce film fasse un minimum de concessions à la mode, à l’air du temps, qu’il soit autant que possible intemporel. Ce qui me frappe, dans la jeunesse d’aujourd’hui, c’est souvent (et on peut la comprendre) une peur de l’avenir, une peur du lendemain. Qui génèrent une forme de passivité, de flottement, d’indécision, d’attentisme, d’inertie. Rien ne me fait plus peur que l’immobilisme. Quand on est jeune, il ne faut surtout pas rester au bord du chemin à attendre je ne sais quel espoir. Il faut agir, avancer, saisir la vie à bras le corps. Quelles que soient ses capacités, il faut aller de l’avant, tenter des choses, se casser la figure si besoin, prendre des coups peut-être, mais agir ! C’est la seule manière de rester vivant ! Ce sont en tout cas ces valeurs-là, cette philosophie-là, que j’ai voulu défendre dans le film.

ITMFC : « Vivre ! » a été tourné en un mois à Paris donc avec une économie de temps mais aussi de moyens, cela donne une impression de spontanéité rafraîchissante à l’ensemble, est-ce que cela a constitué une contrainte ou au contraire une liberté pour vous en tant que cinéaste?

Yvon Marciano : Les deux ! Des contraintes énormes au moment de l’écriture. Impossible de sortir de Paris car le moindre déplacement coûte cher, impossible de tourner dans des décors qui ne seraient pas gratuits. Le manque d’argent représentait la plus grande contrainte. Mais une fois passée l’étape de l’écriture, j’ai ressenti au moment du tournage un incroyable sentiment de liberté. Je me suis beaucoup amusé, j’étais porté par l’énergie du groupe, par l’investissement énorme de chacun des jeunes gens qui composaient l’équipe. Je ne crois pas avoir ressenti la moindre pression, la moindre frustration. Ce tournage a été assez miraculeux.

ITMFC : L’équipe technique était je crois majoritairement composée d’étudiants en cinéma, en quoi cela a-t-il influé sur votre travail ?

Yvon Marciano : Il était important pour moi qu’un film sur la jeunesse soit tourné par des jeunes gens. C’était impensable autrement. J’ai misé sur l’alchimie du groupe, la synergie, le plaisir partagé, le goût de la jeunesse pour le risque, le pari et le jeu. J’avais l’intuition que ces choix ne pouvaient qu’imprégner le film.

ITMFC : Paris est un personnage à part entière, comment avez-vous choisi les lieux, y avait-il un fil directeur particulier entre ces différents endroits ?

Yvon Marciano : Paris est une ville dont je ne me lasse pas. Cela fait trente ans que j’y habite, et je lui trouve toujours une beauté, une richesse, une diversité, une photogénie magnifiques. En tant que cinéaste, je suis toujours ébloui par la beauté de certaines rues, de certains sites, par la présence de la Seine, par une qualité de lumière, de ciel. Je voulais en effet que la ville ne soit pas qu’un décor, à l’arrière-plan. Qu’elle fasse partie intégrante du récit. Que mes personnages puissent dire : « Paris nous appartient » !

ITMFC : Dans «  Vivre ! » plus de 80 lieux de tournages ont été utilisés je suppose que cela a constitué une contrainte supplémentaire pour les comédiens  mais aussi pour vous ?

Yvon Marciano : Cela faisait partie du pari initial. J’avais très peur que le film, à cause de l’extrême modestie de son budget, apparaisse comme un film pauvre. C’est pourquoi j’ai multiplié les lieux, les personnages, les séquences. Avant de commencer à tourner, je voulais que mon film soit un peu comme une mosaïque, un kaléïdoscope.

ITMFC : Claude Sautet disait que le cinéma « doit faire aimer la vie ». C’est le sentiment avec lequel je suis ressortie de la projection de votre film. Etait-ce votre intention première ?

Yvon Marciano : Votre réaction me fait très plaisir. Je souscris entièrement à ce que disait Sautet. On sait tous que la vie est difficile, semée d’obstacles, de souffrances, de dangers et parfois de périls. Mais cela ne m’intéresse pas d’aller dans le courant souvent « dépressif » du cinéma d’aujourd’hui. Je me sens, en tant que cinéaste, l’obligation morale (j’insiste sur ce qualificatif « morale »), d’être plutôt du côté de la lumière que de l’ombre, et d’exalter la vie. Sans chercher à mentir ou à tromper les gens, en étant au plus près de la vérité des situations et des personnages, mais en faisant un cinéma, je l’espère, tonique. Qui donne envie de se battre, d’ouvrir grand ses yeux et ses oreilles, et de savourer la vie.

ITMFC : Si vous deviez convaincre les spectateurs d’aller voir « Vivre ! » plutôt qu’un autre film ce 7 octobre que leur diriez-vous?

Yvon Marciano : Je leur dirais que j’ai essayé de faire un film libre, vivant, en toute indépendance, en ce sens qu’il ne m’a été imposé par personne, qu’il s’est fait en dehors des règles habituelles du système, en refusant de passer sous les fourches caudines du « formatage ». Et qui, je l’espère, transmet des ondes positives, et donne envie de vivre ! 

ITMFC : Quels sont  vos projets ? Attendrez-vous 13 ans avant de réaliser un nouveau long-métrage ?

Yvon Marciano : Non, surtout pas ! Je voudrais réaliser « Do not disturb » dans un avenir proche, et faire encore mille choses. Mes désirs de films sont divers, multiples, et très nombreux. Mais, comme vous vous en doutez, tout cela ne dépend pas que de moi…

INTERVIEW D'AYMERIC CORMERAIS (acteur principal de "Vivre!" d'Yvon Marciano)

Pour Aymeric Cormerais il s'agit d'un premier premier rôle dans un long-métrage même si vous avez déjà pu le remarquer dans "Béa", le court-métrage de Romual Beugnon pour lequel il a reçu le prix d'interprétation au Festival du Film Romantique de Cabourg un excellent court-métrage que vous pouvez visionner en cliquant ici- , vous avez également pu le voir dans le non moins excellent "Elle viendra pas" d'Olivier Serrano ou encore dans un rôle  secondaire et non moins mémorable dans « Le premier jour du reste de ta vie » de Rémi Bezançon). Vous le retrouverez aussi demain , à  20H30, sur France 2 dans « Pour une nuit d'amour », un inédit de la collection « Contes et nouvelles » du XIXème siècle adapté de Zola et réalisé par Gérard Jourd'hui.

In the mood for cinema : Aymeric, Théo dans « Vivre ! » est ton premier premier rôle dans un long-métrage, avant d’en venir au film,  peux-tu nous dire comment est né ton désir d’être comédien ?

Aymeric Cormerais : Quand j'étais petit, après avoir regardé un film qui m'avait vraiment plu, je voulais faire le même métier que le héros. Quand j'ai vu « Indiana Jones » je voulais être aventurier. Quand j'ai vu « Jack le Tueur de Géants » je voulais chasser des monstres. Quand j'ai vu « La Grande Evasion » je voulais m'évader. Quand je regardais « Mac Gyver » … heu en fait j'ai jamais vraiment compris son boulot mais ça avait l'air vraiment cool. Tous les ans, quand il fallait mettre le métier qu'on voulait faire sur une feuille à la rentrée des classes, je changeais d'avis. Et puis un jour j'ai compris que la meilleure solution pour être tout ça à la fois, c'était d'être comédien.

ITMFC :  Même si «Vivre ! » est le premier long dans lequel tu interprètes un premier rôle, tu as déjà eu un rôle marquant dans « Béa » de Romuald Beugnon, un film primé dans de nombreux festivals pour lequel tu as obtenu le prix d’interprétation au Festival du Film Romantique de Cabourg en 2006, que t’a apportée cette expérience (dans l’évolution de ton travail et  au regard d’éventuelles  opportunités professionnelles)?

Aymeric Cormerais : Romuald a été le premier réalisateur à me faire confiance, et ce malgré la réticence de plusieurs personnes de son équipe. « Béa » est vraiment le film qui m'a permis d'avancer. J'ai pu trouver mon premier agent, rencontrer des directeurs de castings, des réalisateurs … Sans parler du prix d'interprétation. La cerise sur le gâteau ! Et puis lors de projections dans les festivals j'ai remarqué que les mamies m'aimaient bien (certaines me faisaient des clins d'oeil).

ITMFC : Dans « Béa » de Romuald Beugnon, dans le court-métrage d’Olivier Serrano « Elle viendra pas », dans "Le Premier jour du reste de ta vie" de Rémi Bezançon,  et dans  le téléfilm de Gérard Jourd’hui « Pour une nuit d’amour » (diffusé ce vendredi 2 octobre sur France 2) tu interprètes des personnages plutôt antipathiques, jubilatoires pour le spectateur. Le sont-ils aussi à interpréter ? Est-ce vers ce genre de rôle que tu souhaites aller ?

Aymeric Cormerais : Je trouve que le personnage de « Béa » n'est pas antipathique. Il est juste paumé et maladroit. Par contre, le personnage de Sacha dans « Le Premier Jour du Reste de ta Vie » de Rémi Bezançon n'est vraiment pas très sympa.

Je ne sais pas si c'est jubilatoire pour le spectateur mais en tout cas ça l'est pour un acteur. On sait qu'on peut faire ce qu'on veut sur scène sans que ça ait un impact sur la vie réelle, ou presque. On m'a parlé d'amis d'amis qui me détestaient avant de me connaître car ils avaient vu « Le Premier Jour ... ».

ITMFC: Dans "Le premier jour du reste de ta vie" de Rémi Bezançon tu interprétais  ton premier rôle dans un long-métrage...et encore un personnage antipathique.:-) J'imagine que cette expérience sur un film qui a de surcroît rencontré un succès autant publique que critique a dû être particulièrement enrichissante. En quoi cette expérience t'a-t-elle aidé pour le tournage de "Vivre!" dont les conditions de tournage étaient certes très différentes?

Aymeric Cormerais: Travailler avec Rémi Bezançon sur "Le Premier Jour du Reste de ta Vie" a été une expérience incroyable.
"Vivre !" s'est monté en très peu de temps avec très peu de moyens contrairement au "Premier Jour". Ce que j'espère c'est que "Vivre !" prouvera qu'il est possible de faire des films sans passer par le circuit "classique" et que cela donnera des idées à d'autres jeunes réalisateurs. J'ai aussi eu une plus grande liberté dans le jeu sur "le premier jour" que sur "Vivre !" .

ITMFC : Dans « Vivre !», tu interprètes une sorte de dandy intemporel plutôt différent de tes précédents rôles, qu'est-ce ce qui t’a séduit dans ce personnage ?

Aymeric Cormerais : Avant tout je suis séduit par une histoire avant de l'être par un personnage. Si une histoire me touche, j'ai envie d'y participer, de la défendre. Même si ce n'est que pour quelques jours de tournage.

ITMFC : D’ailleurs, comment définirais-tu ton personnage et le film d’Yvon Marciano ?

Aymeric  Cormerais: Théo c'est quelqu'un qui, en accompagnant son ami vers la mort, va réapprendre à vivre (elle est bien cette phrase hein ?).

« Vivre ! » c'est un film « pas comme les autres » comme on nous l'a souvent dit. Certain programmateurs de cinema ont dit qu'il était « inclassable ». Je prends ça comme un compliment.

ITMFC : « Vivre ! » est très influencé par la Nouvelle Vague, t’es-tu inspiré de certains comédiens de l’époque pour interpréter Théo ? Yvon Marciano vous a-t-il donné des indications en ce sens ? Plus généralement, est-ce un cinéma qui t’influence ?

Aymeric Cormerais : On n'a pas eu le temps de se préparer pour ce film. J'ai su le rôle que j'allais interpréter une semaine seulement avant le tournage. D'habitude on nous le dit au moins un mois à l'avance ce qui nous laisse le temps de répéter et faire des recherches sur le personnage. Là ce n'était pas possible. Cependant c'était aussi le but. Faire un film en très peu de temps pour garder un maximum de liberté. Yvon a voulu faire un film très libre, comme on aurait pu le faire pendant la Nouvelle Vague.

ITMFC : « Vivre » a été tourné en un mois à Paris, donc avec une économie de temps mais aussi de moyens, cela donne une impression de spontanéité rafraîchissante à l’ensemble, est-ce que cela a constitué une contrainte ou au contraire une liberté pour toi en tant que comédien ?

Aymeric Cormerais : Dans la contrainte on peut trouver une certaine liberté. On a transporté nos costumes avec nous à travers Paris, on a tourné sans autorisations, cette année il ne faisait pas beau au mois d'août... Tout cela à contribué à créer une énergie nécessaire pour le film.

ITMFC : Comme je le disais précédemment tu as également joué dans « Pour une nuit d’amour » de Gérard Jourd’hui diffusé ce vendredi sur France 2.  J’imagine que le temps de tournage était là aussi restreint comme pour « Vivre ! ». Est-ce que ton rôle dans le film d’Yvon Marciano et les conditions particulières de tournage (qui a eu lieu il y a deux ans je crois) t’ont aidé pour ce téléfilm soumis par définition à des contraintes temporelles assez similaires ?

Aymeric Cormerais : On ne peut pas comparer ces deux projets. Ne serait ce que du niveau du budget ou de l'organisation. Ce qui est sûr c'est que sur chaque tournage on apprend quelque chose. Entre autres, « Vivre ! » m'a permis d'appréhender un premier rôle dans un long métrage.

ITMFC : Dans «  Vivre ! » plus de 80 lieux de tournages ont été utilisés, même si tu n’es pas présent dans tous les plans, je suppose que cela a constitué une contrainte supplémentaire pour les comédiens ?

Aymeric Cormerais : Ce qui a posé le plus de contraintes c'était le temps. Si la météo prévoyait de la pluie pour le lendemain, on était prévenu la veille au soir pour le changement de scène et de lieu de tournage le lendemain matin. Je pense que cette « urgence » nous a permis de trouver une certaine énergie.

ITMFC : Si tu devais définir « Vivre ! » en trois adjectifs quels seraient-ils ? Si tu devais convaincre les spectateurs d’aller voir « Vivre ! » plutôt qu’un autre film ce 7 octobre que leur dirais-tu?

Aymeric Cormerais : Liberté, égalité, fraternité.

Catherine Deneuve a adoré !

ITMFC : Si je me transformais en Harry Potter muni d’une baguette magique ayant la possibilité de te permettre de tourner le(s) rôle de tes rêves pour le(s) cinéaste(s) de tes rêves, quel(s) serai(en)t-il(s) ?

Aymeric Cormerais : Remi Bezançon (eh oui, encore), Michel Gondry (pour sa fantaisie), Zabou Breitman (pour sa poésie), Jacques Audiard (pour son indescriptible talent), Fred Cavayé, Romuald Beugnon …

ITMFC : Quels sont tes projets après la sortie de "Vivre!" ?

Aymeric Cormerais : Je vais tourner dans l'adaptation de « La Peau de Chagrin » de Balzac, réalisé par Alain Berliner.

Avant-hier, j'ai vu deux films en avant-première : le premier dont je tairai le nom et dont je ne vous parlerai pas (mais j'imagine que beaucoup d'autres se chargeront de faire l'éloge de son alliance qu'ils trouveront sans doute astucieuse, voire révolutionnaire, d'hémoglobine et d'humour noir) car c'est après tout encore la jubilatoire liberté d'un blog (celui-ci en tout cas) que celle de choisir ses sujets et de n'être soumis à aucun diktat  et tant pis si pour cela il faut être rayé de certains fichiers ; le second dont, malheureusement, très peu parleront et pour lequel j'espère vous faire partager mon coup de cœur et susciter votre intérêt ou, à défaut, au moins votre curiosité.

Dans la lumière étincelante et impertinente de l'été, à Paris, Matthieu (Jean-Jacques Levessier), âgé d'une quarantaine d'années, s'éteint, atteint d'un cancer. Théo (Aymeric Cormerais) avec lequel il s'était lié d'amitié, est chargé de contacter une liste de personnes, trois garçons et trois filles qui, comme lui, ont entre 22 et 26 ans et qui connaissaient Matthieu séparément et croyaient tous être son seul ami. Leur rencontre liée par la mort va pourtant leur donner un élan, le goût de vivre intensément... Pour Yvon Marciano, l'idée était d'abord de « tourner un film, en trois semaines, au mois d'août, à Paris, dans une totale liberté. »

En mai dernier, au Festival de Cannes, le film le plus jeune, le plus fou et finalement peut-être le plus irrévérencieux de la compétition était celui réalisé par un jeune octogénaire nommé Alain Resnais : « Les Herbes folles ». Yvon  Marciano ayant lui aussi plus du double de l'âge de ses protagonistes a pourtant signé un des films les plus rafraîchissants, alertes et finalement audacieux de cette rentrée. Si « Vivre ! » n'est que son second long métrage, 13 ans après son premier, « Le cri de la soie », il a été de nombreuses fois primé et sélectionné en festivals pour des courts-métrages et le film précité.

« Vivre ! » est un film sur un sujet sérieux qui ne se prend pas au sérieux, qui nous parle de l'essentiel avec une fausse désinvolture,  un film choral « dans Paris » qui n'est d'ailleurs pas sans rappeler le film éponyme de Christophe Honoré tant il est imprégné de la Nouvelle Vague (et de cinéma en général d'ailleurs avec des références notamment à Charles Laughton et à beaucoup d'autres) auquel il est un hommage notamment de par ses références littéraires et cinématographiques : « Pickpocket » de Bresson (lequel Bresson a beaucoup influencé la Nouvelle Vague), « A bout de souffle »  de Godard ... et surtout un ton très truffaldien avec  au passage une référence à la Cinémathèque (dans une scène qui est d'ailleurs autant un hommage au cinéma d'hier qu'à celui d'aujourd'hui par la présence d'une célèbre actrice que je vous laisse découvrir) qui rappelle le premier plan de « Baisers volés »de Truffaut et  un Théo qui a le romantisme cavalier, le charme désinvolte, le panache et la naïveté d'Antoine Doinel qui prend la légèreté au sérieux et qui rencontre d'ailleurs, là aussi, sa Fabienne Tabard. On retrouve également ce mélange de légèreté et de mélancolie, de désinvolture et de nostalgie, d'anachronisme et de contemporanéité caractéristiques de la série des Doinel.

Avant tout, ce qui séduit dans ce second long d'Yvon Marciano,  ce sont ces personnages rongés par le feu de l'existence qui ont la belle intransigeance et insolence mais aussi les certitudes insensées de la jeunesse (qui les oublie pourtant souvent, dans la réalité autant que dans le cinéma), leurs idéaux savoureusement déraisonnables comme si la légèreté était l'audace suprême et qu'il fallait un cinéaste ayant dépassé l'âge et ayant la nostalgie rageuse de la jeunesse pour la voir avec lucidité et la sublimer. Et si ces personnages ont des caractéristiques marquées, loin de les rendre  caricaturaux cela procure à l'ensemble une intemporalité renforcée par l'image d'un Paris à la fois contemporain et irréel.

« Vivre ! » pourrait aussi s'intituler « Voir ! »  tant chaque scène semble nous intimer de regarder et de voir : de voir à quel point la vie peut-être ludique mais aussi à la fois grave et légère, de voir la beauté de Paris, de voir qu'il faut profiter de chaque instant, de voir qu'il faut saisir la chance et la balle au bond (ici au propre comme au figuré).

Un film sincère d'une touchante spontanéité et maladresse (tourné en trois semaines en DV -à partir d'un scénario écrit en un mois-, le mode de filmage épouse ici judicieusement le fond), d'une louable et revigorante naïveté, un film nostalgique et optimiste dont on ressort avec « la fureur de vivre » de ses personnages.  Une déclaration d'amour au cinéma (on retrouve même des extraits de BO d'Almodovar) et notamment à la Nouvelle Vague, à Paris (pas moins de 80 lieux de tournage dans Paris), théâtre lumineux de ce joyeux marivaudage, un hymne à la jeunesse, à l'amour et à la vie, une bouffée d'air frais qui vous donne le goût de vivre, de savourer chaque seconde... et de faire et voir du cinéma !

 Un vent de jeunesse et de liberté salutaires qui a la douce mélancolie de Mozart et la gravité légère de l'air de jazz qui l'accompagnent et celui de Léonard Cohen sur lequel il s'achève... donc je vous le recommande : prenez le temps de « Vivre ! ».

Vous pourrez retrouver l'acteur principal, le très prometteur Aymeric Cormerais (prix d'interprétation au Festival du Film Romantique de Cabourg pour l'excellent court-métrage de Romuald Beugnon « Béa »-que vous pouvez visionner en cliquant ici- mais aussi interprète dans le non moins excellent "Elle viendra pas" d'Olivier Serrano ou encore interprète d'un secondaire et non moins mémorable rôle dans « Le premier jour du reste de ta vie » de Rémi Bezançon) le vendredi 2 octobre, à  20H30, sur France 2 dans « Pour une nuit d'amour », un inédit de la collection « Contes et nouvelles » du XIXème siècle adapté de Zola et réalisé par Gérard Jourd'hui.

Et vous pourrez bientôt retrouver une interview d'Aymeric Cormerais sur inthemoodforcinema.com ...

« Vivre ! » : Avec une nouvelle génération d'acteurs (des acteurs pour la plupart professionnels et non amateurs comme ce fut parfois malencontreusement écrit) Aymeric Cormerais, Arnaud Denis, Jean-Jacques Levessier, Gaël Tanniou, Lydie Waï, Pamela Ravassard, Pierre-Marie Baudouin, Natasha Andrews, Macha Polikarpova, Ornella Bes,...

Sortie en salles de « Vivre » d'Yvon Marciano : le 7 octobre

Hier, France 2 projetait dans ses locaux, en avant-première et en présence de toute l'équipe du film, le premier épisode d' « Apocalypse », la série documentaire en six épisodes  sur la deuxième guerre mondiale réalisée par Daniel Costelle et Isabelle Clarke et diffusée sur France 2 les mardis 8, 15 et 22 septembre, à partir de 20H35.

Quand un pseudo homme politique français qualifie la shoah de détail sans que plus personne ou presque ne s'en émeuve ; quand un pseudo comique donne la parole aux négationnistes ; quand des informations télévisées interviewent un ancien nazi disant ne rien regretter, ne comprenant même pas ce qu'il devrait « regretter », et vivant paisiblement à l'étranger, se pavanant avec un cynisme abjecte ; quand les partis politiques extrémistes, notamment en Autriche, connaissent des scores aussi élevés qu'incompréhensibles ; quand chaque jour les informations témoignent d'une terrifiante réminiscence et amnésie historiques, et de notre incapacité à tirer les leçons du passé, comment ne pas se dire que le devoir de mémoire est plus que jamais nécessaire, et même vital ?

 Aussi impensable que cela puisse sans doute paraître à ceux qui ont vécu cette tragédie innommable, un peu plus de  60 ans après, 60 ans après  seulement on oublie, on oublie l'indicible, on oublie l'impensable... On oublie de se souvenir. On oublie de tirer les leçons d'un passé si proche. Pour notre génération encore, des hommes, des visages, des traces vivantes, tangibles et palpables nous relient encore à cette tragédie, un lien fragile et ténu mais si précieux. Pour moi, c'est, au collège, le souvenir de déportés venus nous parler de leur calvaire, témoins poignants et dignes dont le souvenir est à jamais resté gravé dans ma mémoire, comme ce numéro inscrit sur leurs bras, marque à jamais indélébile et preuve irréfutable de la folie humaine. C'est le souvenir, aussi, de mon grand-père résistant et de toutes ces questions que je n'ai pu lui poser. Un regret brûlant qui, sans doute, n'a fait qu'accroître le mélange d'intérêt, de perplexité et de terreur que m'a toujours inspiré cette période. Et puis c'est ce vertige incontrôlable, à Colleville-sur-Mer, devant toutes ces croix blanches et la conscience brusque et violente de toutes ces jeunes vies sans visages, sans noms, brisées et sacrifiées.

Mais qu'en sera-t-il quand ce lien si ténu aura disparu, quand ne restera plus aucun témoin, seulement des croix blanches et des tombes ? Alors... resteront les images. Souvent des images surannées, figées dans le temps, nous paraissant alors d'une époque lointaine, à jamais révolue. Le noir et blanc, l'absence de son parfois créent une distance, finalement confortable. Et c'est avant tout cela qui contribue à faire d' « Apocalypse » un document nécessaire, exceptionnel, poignant, terrifiant, passionnant. C'est d'abord cette reconstitution des couleurs (ici on ne parle plus de colorisation tant chaque couleur a fait l'objet d'une étude minutieuse) qui donne vie et contemporanéité à ces images vieilles de plus de 60 ans. Des images pour la moitié inédites. Hitler, Staline, Mussolini, Goering, Himmler... : la folie a soudain un visage en couleurs plus proche de nous et d'autant plus inquiétant, la traitrise aussi avec Darnand.

Mais ce ne sont pas seulement eux que nous montre ce documentaire unique c'est aussi tous ces anonymes grâce aux paroles et visages desquels nous sommes immergés dans le quotidien d'alors. Avec la couleur, leurs visages, leurs paroles dîtes par Mathieu Kassovitz, la distance est abolie et l'horreur, l'atrocité de la guerre n'en sont que plus palpables, à la fois compréhensibles et inconcevables.

Le bruit des bottes résonne, nous entoure, plus terrifiant, plus proche encore. Un bruit saisissant grâce au travail remarquable de Gilbert Courtois dont le perfectionnisme pour reconstituer chaque bruit ( de coup de fusil, d'avion etc) est aussi pour beaucoup dans cette réussite et ce réalisme. La musique de Kenji Kawai souligne judicieusement la force tragique sans l'exacerber, ce qui l'aurait alors amenuisée, décrédibilisée. Peut-être la voix de Daniel Costelle aurait-elle eu plus de poids, de résonance, de conviction que celle de Mathieu Kassovitz mais sans doute le nom et la jeunesse de ce dernier étaient-ils aussi destinés à convaincre les plus jeunes.

 « Apocalypse » multiplie d'ailleurs les prouesses et singularités. C'est aussi le premier documentaire français sur la seconde guerre mondiale vendue en Allemagne, d'ailleurs diffusé dans 150 pays (dont également le Japon et les Etats-Unis). Cela reflète un autre grand intérêt de ce documentaire : celui de montrer le caractère mondial du conflit, que l'horreur n'a pas eu de frontières. Daniel Costelle et Isabelle Clarke ont d'ailleurs eu la judicieuse idée de faire commencer leur documentaire en montrant Berlin saccagée, détruite, meurtrie, elle aussi. Puis un flash back nous fait remonter dans le temps, au temps de l'insouciance puis à la crise économique qui a fait accéder Hitler au pouvoir, en 1933. On redécouvre en images l'emprise qu'il exerçait sur son peuple, le pacte germano-soviétique, l'invasion des Sudètes, les évènements qui ont précédé le 3 septembre 1939 et la déclaration de guerre...

Alors bien sûr nous connaissons ces évènements historiques (mais le document nous apprendra aussi des évènements moins connus et d'autant plus révélateurs) mais jusqu'alors ces visages et ces évènements ne nous avaient jamais été montrés avec autant de réalisme, correspondant souvent à des dates abstraites sur des manuels d'Histoire; et s'y ajoutent des scènes du quotidien et des « anecdotes » qui font prendre toute la mesure de cette démesure meurtrière que ce chiffre de 50 millions de morts ne parviendra jamais à nous faire envisager tant il est lui aussi monstrueusement inconcevable.

 Le froid redoutable. Les regards  vides de ces hommes qui partent à la guerre et qui, pour certains, ont déjà vécu la précédente. Les gestes brusques, le pouvoir de manipulation d'un dictateur fou, le mystère insondable d'un peuple aveuglé. Des masques à gaz qui emprisonnent des visages angéliques. Et puis ces bruits qui vous glacent le sang et que redoutent encore ceux qui ont vécu la guerre. Tout cela nous heurte, nous réveille, nous révèle finalement tout ce que nous savions sans l'envisager vraiment.

« Apocalypse », en nous immergeant dans l'atrocité de la seconde guerre mondiale est un plaidoyer vibrant pour la paix, un appel à la vigilance et la conscience des générations actuelles et futures, un témoignage irréfutable sur l'absurdité de la guerre, un cri de désespoir et de révolte face aux oublis et réminiscences de l'Histoire, un document nécessaire pour notre génération et celles à venir, une leçon d'Histoire qui a un visage et un corps en couleurs, une voix rententissante: une âme.

Je regarderai les 5 autres épisodes et vous encourage fortement à regarder cette série documentaire unique, nécessaire, un travail remarquable (650 heures de rush pour 6 heures de film, 30 mois de travail, 100% d'images d'archives, 50% d'images inédites, 800 plans différents par épisode...),  une pierre indispensable  dans l'édifice colossal qu'est le devoir de mémoire, aussi indispensable que le « Shoah » de Claude  Lanzmann.

Je vous recommande également le site internet du documentaire extrêmement bien fait avec de nombreux documents inédits et le making off  très instructif.

Merci à Hautetfort pour l'invitation...

 Je manque un peu de temps pour parler de ce documentaire autant que je le souhaiterais, départ pour Deauville oblige, mais je vous en reparlerai...bientôt...