Mercredi prochain sortent en salles deux films que je vous recommande vivement: "In the air" de Jason Reitman et "Mother" de Bong Joon-ho. Concernant le second je vous propose de retrouver dès à présent ma critique du film, mon résumé de l'interview du réalisateur, la bande annonce et des extraits du film.

Mother. Voilà un titre bien ambitieux mais de la part de Bong Joon-ho dont c'est le quatrième long-métrage et qui avait, avec « Memories of murder », affirmé sa marque et son talent, on pouvait (légitimement) s'attendre à un film à la hauteur de cette ambition.

Mother (Kim Hye-Ja) est ici une veuve qui élève seule son fils unique Do-joon (Won Bin), sa raison d'être mais aussi son inquiétude perpétuelle, ce dernier étant intellectuellement déficient et particulièrement naïf. Lorsqu'une jeune fille est retrouvée morte, Do-joon est immédiatement accusé. Sa mère décide de mener l'enquête pour prouver son innocence.

Dès le premier plan qui met en scène la mother du titre éponyme, Joon-ho Bong nous envoûte, nous intrigue, nous charme, nous provoque, nous inquiète.  La mère danse de manière languissante, poétique et décalée, dans un champ de blé. La caméra, fluide et presque sensuelle, se rapproche et tournoie. Joon-ho Bong nous annonce qu'il va mener la danse, à n'en pas douter peu conventionnelle, et qu'au centre de cette danse se trouvera la mère. Valse visuelle et des genres que Joon-ho Bong ne cessera de conduire avec brio jusqu'au dernier plan.

Oubliant cette scène qui aurait dû résonner comme un avertissement, comme une promesse d'inattendu,  Bong Joon-ho nous oriente d'abord vers la comédie. Teintée d'humour noir certes. Et puis c'est le meurtre. Et la comédie dévie vers le thriller, progressivement,  Bong Joon-ho instillant intelligemment de l'étrangeté menaçante dans des scènes quotidiennes alors à la tonalité décalée, par l'effet d'un savant sens du montage, de l'ellipse, du gros plan, du cadrage et par des plans d'une beauté redoutable.

Là où souvent les ruptures de ton et le mélange des genres ralentissent et alourdissent une intrigue, ici, ils la densifient au contraire, marques du style unique de leur auteur. Comme la mère dans le premier plan, Jonn-ho Bong nous enserre dans son univers nous embarquant avec elle dans son sentiment maternel, inconditionnel, qui se heurtera à la folie de la vulgarité ordinaire. Celle de la justice. Ou de la police incompétente. Avant, elle-même, de sombrer dans sa folie maternelle synonyme d'amour inconditionnel.    Bong Joo-ho relativise ainsi cette  folie, les scènes de folie étant cadrées avec plus d'inquiétante fantaisie que les scènes quotidiennes, ce qui est folie aux yeux du monde étant normalité dans le regard d'une mère prête à tout pour sauver son fils.

Pour parvenir à ce film captivant, il fallait aussi une actrice exceptionnelle comme l'est Kim Hye-Ja, avec son regard tantôt compatissant, tantôt inquiétant, tantôt déterminé, tantôt coupable souvent tout à la fois, mais aussi un sens aigu du suspense que le « simple » écoulement d'eau d'une bouteille parvient à faire culminer par la minutie de la mise en scène et l'ingéniosité  du découpage.

 Bong Joon-ho fait ainsi danser et s'entrelacer subtilement tragédie du souvenir et bonheur de l'oubli, violence et amour inconditionnel, humour noir et folie,  culpabilité suffocante et soleil rédempteur symbolisé par la beauté vertigineuse du dernier plan qui  achève de nous emporter nous rappelant la promesse envoûtante et poétique de la danse initiale. Promesse tenue au-delà de nos espérances pour ce film hybride, palpitant, étonnant, poignant qui n'épargne ni les travers de la société coréenne ni les ombres et forfaits d'un inconditionnel amour maternel (pléonasme ?) pour mieux encore en exalter la force renversante.

« Mother » a été présenté dans la section « Un Certain Regard » du Festival de Cannes 2009 et vient d'être élu meilleur film au 30ème trophée « The Blue Dragon Awards » à Séoul.

Sortie en salles : le  27 janvier 2010.

Interview de Bong Joon-ho (réalisateur de "The Host", "Memories of murder", "Mother"...)

Première (enrichissante) expérience d'intervieweuse "en live" (d'où le style indirect, promis: les prochaines seront filmées) avec le charmant et très loquace Bong Joon-Ho (réalisateur de « The Host », « Memories of Murder »...) hier soir, dans le cadre tamisé et chaleureux d'un hôtel du 6^ème arrondissement. 

Le film « Mother » dont il nous a essentiellement parlé sort en salles le 27 janvier 2010. Je vous le recommande vivement et vous pouvez lire ma critique en cliquant ici. « Mother » a été présenté dans la section « Un Certain Regard » du Festival de Cannes 2009 et vient d'être élu meilleur film au 30ème trophée « The Blue Dragon Awards » à Séoul (équivalent de nos César) . En 4 films, Bong Joon-Ho, au même titre par exemple que Park Chan-wook, a réussi à s'imposer comme une référence incontournable de cette nouvelle vague coréenne particulièrement inventive. Il connaîtra ainsi son premier succès (auprès du public comme de la critique et au-delà des frontières coréennes) avec "Memories of murder". "The Host" sera présenté à la Quizaine des Réalisateurs et récoltera une estime internationale. En 2008, il participe au triptyque "Tokyo" avec Leos Carax et Michel Gondry. Il adapte actuellement la bd "La Transperceneige" avec Park Chan-wook comme producteur.

Merci à Diaphana ainsi qu'à Florian et à Jérôme de Cinefriends d'avoir instigué cette passionnante et instructive rencontre. En attendant la vidéo, voici un résumé de ses réponses. 

 Ma première question concernait la critique de la société coréenne, un aspect commun à ses différents films, celui-ci stigmatisant ainsi ici l'inefficacité de la police et la corruption de la justice, déjà brocardées de manière plus ou moins métaphorique dans ses précédents films. Je lui ai ainsi demandé dans quelle mesure réaliser était pour lui un acte politique.

Selon lui en tant qu'être humain il est évidemment, par essence, amené à avoir une conscience politique mais il ne le fait pas forcément exprès. Pour Bong Joon-Ho, dans ce film en particulier, les policiers sont plus « mignons » qu'incompétents et s'ils commettent des fautes irréparables, ils le font comme tout être humain peut en commettre.

Il a ajouté aimer "montrer des gens ordinaires dans des situations exceptionnelles".

Pour lui « The Host » est une vitrine de la satire et dans « Mother », il voulait ainsi prendre le contrepied avec un film « plus intimiste ». Il voulait ainsi « mettre les individus dans une situation extrême pour montrer l'instinct de l'être humain » et voulait ainsi faire l'autoportrait de la société coréenne à travers eux.

Je lui ai ensuite parlé de Kim Hye-Ja qui interprète brillamment le rôle de la mère, sidérante dans l'intensité de son jeu et sa diversité d'expressions. Je lui ai demandé si elle  avait été à la base du projet, si elle avait dicté son choix du sujet principal ou s'il avait dès le départ envie de traiter de cet amour fusionnel et obsessionnel et dans ce cas pour quelle raison il avait choisi ce sujet.

Bong Joon-Ho a répondu qu'elle avait été à l'origine du film. En Corée c'est une sorte d'icône mais il voyait en elle presque une « sorte de folie dans son jeu », une « sorte de psychopathe » alors qu'elle incarne toujours les mères vertueuses et généreuses. Avec beaucoup d'humour il a répondu qu'elle était aussi folle dans la vie que dans le film.

Je lui ai ensuite demandé s'il souhaitait renouveler l'expérience de « Tokyo » et tourner ainsi à l'étranger, pourquoi pas en France.

Pourquoi pas a-t-il répondu à condition de pouvoir garder le contrôle à 100%, et d'avoir le final cut comme c'est le cas pour lui en Corée.  L'expérience à Tokyo a ainsi été pour lui « très satisfaisante ». Quant au cinéma français, sa rencontre avec Laurent Cantet la veille de cette interview avec lequel il a évoqué vaguement un projet lui a apparemment donné quelques idées. 

Bong  Joon-ho est ensuite revenu sur le personnage de la mère, sur lequel il voulait « vraiment se concentrer », la « regarder en gros plan. » Il faisait entièrement confiance à son interprète. Dans certains plans, très larges, elle ressemble ainsi à un grain de sable afin de montrer le caractère « acharné » de sa lutte.

Concernant le caractère très soigné de sa réalisation, Bong Joon-Ho a précisé avoir écrit le scénario et le storyboard et avoir toujours une idée précise des plans quand il va sur le tournage  tout en se demandant ensuite comment se détacher du story-board une fois sur le tournage. Tout ce qui est technique respecte ainsi le story-board.

Je lui ai enfin demandé de parler du  thème de la culpabilité autour duquel son film s'articule notamment. Ainsi « Memories of murder » traitait déjà du thème d'un serial killer qui ne fut jamais arrêté, dans « Mother », Do-joon sera finalement aussi relâché, et sa mère jamais jugé pour le meurtre qu'elle a commis, ma question consistait donc à savoir s'il avait une tendresse particulière pour les coupables innocentés ou s'il s'agissait pour lui avant tout d'un moyen de traiter du thème de la culpabilité.

 Bong Joon-Ho a répondu que pour lui le sentiment de culpabilité était très important, ainsi que la notion de châtiment, se demandant ainsi si on est toujours condamné pour un crime qu'on a commis, trop d'innocents étaient jugés coupables. La mère se retrouve ainsi confrontée à un dilemme moral face à un innocent accusé.

J'aurais eu encore beaucoup de questions à lui poser... une demi-heure étant forcément trop courte pour aborder tous les aspects  d'un film aussi hybride, d'une réjouissante complexité, à la fois teinté d'humour noir, de poésie, mais créant aussi un véritable suspense pour aboutir à un film indéfinissable mêlant les genres (policier, mélodrame, comédie...)  avec énormément d'habileté.

Bande annonce de "Mother":

MOTHER bande annonce Joon ho Bong
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Extraits de "Mother":

Mother Extrait 1 Joon ho Bong
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Mother Extrait 2 Joon ho Bong
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Mother Extrait 3 Joon ho Bong
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Mother Extrait 4 Joon ho Bong
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 Merci à Florian et Jérôme de Cinefriends pour l'invitation et l'organisation de cette rencontre.  

Retrouvez également mon interview d'Alejandro Amenabar et ma critique d' "Agora".

Encore un biopic !, m'étais-je exclamée en apprenant qu'un film sur Gainsbourg était en préparation après avoir déjà dû subir ceux sur Piaf, Chanel, Sagan, ou d'autres comme celui sur Coluche dans lequel Antoine de Caunes tentait de contourner  le genre avec plus ou moins d'habileté en se concentrant sur une période particulière de l'existence de ce dernier (celle de sa campagne présidentielle). Le fait que ce genre ait été particulièrement en vogue ces dernières années reflète sans doute la frilosité ou de l'opportunisme de certains producteurs qui, en produisant des films retraçant les existences de personnalités appréciées du public, s'assurent d'emblée un nombre d'entrées conséquent. Après « This is it », on se demande d'ailleurs quel sera le premier à initier un biopic sur Mickael Jackson...

Avec Gainsbourg, idole et référence de plusieurs générations mais aussi proche  d'un certain nombre de personnalités encore vivantes, le sujet était a priori aussi opportuniste  que délicat. Joann Sfar a donc eu l'excellente idée (apparemment suggérée par Jane Birkin pour bien signifier que les dialogues et situations ne sont pas authentiques) de donner à son film  l'appellation de « conte », désamorçant d'avance toutes les polémiques et s'autorisant ainsi une composition libre. Une liberté dont était épris celui dont il retrace une partie du parcours artistique et des amours souvent célèbres et tumultueux. Ou quand le sujet et la forme se confondent subtilement. D'où l'idée aussi judicieuse de cette « gueule » qui accompagne Gainsbourg, un Gainsbarre omniprésent, son double maléfique, sa face obscure, son Mister Hyde.

Tout commence dans le Paris occupé des années 1940 où Serge Gainsbourg s'appelle encore Lucien Ginsburg, fils d'immigrants russes juifs forcé de porter l'étoile jaune ...

Difficile d'expliquer pourquoi ce film au scénario pourtant imparfait m'a autant touchée et embarquée, séduite comme tant l'ont été par un Gainsbourg à l'apparence pourtant si fragile. Sans doute cette fameuse magie du cinéma. Certainement aussi l'interprétation incroyable d'Eric Elmosnino qui ne singe pas Gainsbourg mais s'approprie magistralement sa personnalité, sa gestuelle, son mélange d'audace et de fragilité touchantes. Certainement cette photographie d'une beauté redoutable. Ces scènes qui exhalent le charme provocateur de Gainsbourg. L'éclat troublant et sensuel du couple qu'il forme avec Brigitte Bardot (Laetitia Casta qui, pour ceux qui en doutaient encore, montre à quel point elle est une actrice extraordinaire empruntant même les intonations si particulières de Bardot ) ou avec Jane Birkin (Lucy Gordon, lumineuse qui chante « Le Canari est sur le balcon », chanson tristement prémonitoire -l'actrice s'est récemment suicidée- ).  Sans doute encore la force intemporelle de chansons qui ont accompagné des périodes de mon existence comme pour tant d'autres, et la force émotionnelle des réminiscences qu'elles suscitent...

Un film en apparence désordonné et confus comme émergeant des volutes de fumée et des vapeurs d'alcool indissociables de Gainsbourg. Joann Sfar brûle ainsi les étapes de son film comme Gainsbourg le faisait avec sa vie, ce qui aurait pu apparaître comme une faille scénaristique devient alors une trouvaille. Les scènes phares de son existence amoureuse et artistique deviennent alors autant de tableaux de l'existence de celui qui était d'abord destiné à la peinture. Les décors, de l'appartement de Dali à celui de la rue de Verneuil, sont poétiquement retranscrits, entre la réalité et le conte. « Ce ne sont pas les vérités de Gainsbourg qui m'intéressent mais ses mensonges » précise Joann Sfar. Tant mieux parce que les mensonges en disent finalement certainement davantage sur la vérité de son être.

Sans tomber dans la psychologie de comptoir, par touches subtiles, Sfar illustre comment ses blessures d'enfant portant l'étoile jaune intériorisées expliquent sa recherche perpétuelle de reconnaissance d'un pays qui l'a parfois mal compris et quand même adopté, qu'il provoquait finalement par amour (notamment avec sa fameuse Marseillaise). Comment Gainsbourg est toujours resté ce Lucien Ginsburg, éternel enfant rebelle.

Le risque était aussi de faire chanter les comédiens avec leurs propres voix, une réussite et puis évidemment il y a la musique et les textes de Gainsbourg, génie intemporel, poète provocateur d'une sombre élégance. Paris audacieux et gagnés pour ce premier film prometteur.

Un de mes premiers grands coups de cœur de ce début d'année. Si comme moi vous aimiez Gainsbourg l'insoumis, ses textes et ses musiques, vous retrouverez avec plaisir son univers musical, et dans le cas contraire nul doute que ce conte vous emportera dans la magie poétique et captivante de cette vie  héroïque.

Comment ne pas être curieux de découvrir un film dont l'écriture du scenario a nécessité plus de 7 ans, dont le réalisateur n'a rien tourné depuis 13 ans ? Surtout quand le synopsis est aussi prometteur que le suivant : un enfant, Nemo, dont les parents se séparent se retrouve sur le quai d'une gare à devoir choisir. Entre son père et sa mère. Entre deux vies possibles. Premier choix déterminant. Le train est sur le point de partir. Partira-t-il avec son père ou sa mère ? Quelle voie choisira-t-il ? Plutôt que d'effectuer un choix entre ces deux possibles, Jaco van Dormael imagine et filme les deux situations et la multitude de vies possibles qui découlent de celles-ci. Ces vies ce sont celles (vécues et/ou inventées et/ou sorties de l'imagination de l'adolescent qu'il fut) qu'un vieil homme dernier mortel, sur le point de mourir, raconte à un journaliste.

Parfois il suffit d'une feuille d'arbre, d'une goutte d'eau, d'une phrase pour incliner notre destin dans un sens ou dans un autre. Qui ne s'est jamais demandé « et si » ? Qui n'a jamais imaginé ce qu'aurait été son existence si une décision n'avait pas été prise ou prise différemment ? On se demande donc comment, avec un sujet aussi universel, une telle distance s'instaure entre ce qui se passe sur l'écran et ce que ressent le spectateur, du moins ce que j'ai ressenti, essentiellement de l'ennui et de l'agacement. La faute d'abord à cette structure en flash back, à ce vieillard avec son rire mi sardonique mi ridicule qui, pour une raison que l'on ignore, parvient  à raconter ses histoires à un journaliste qui réussit à pénétrer dans sa chambre d'une manière que l'on ignore également... Les allers et retours entre le présent et le passé n'apportent rien à l'intrigue, si ce n'est des digressions fatigantes et qui hachent la (non) linéarité de l'ensemble et un décor futuriste remarquable qui nous frustre encore davantage nous montrant ce que aurait pu être ce film.

 Mélanger les genres (science fiction, drame, comédie romantique...) , les effets de style pour différencier les vies et les possibles, faire coïncider la forme et le fond était une bonne idée mais trop d'effets de style accroissent encore davantage la distance avec le spectateur. Certaines scènes sont d'une naïveté (pourtant plutôt habituellement un compliment pour moi) accablante tant le peu de temps consacré à chaque histoire (évidemment sans quoi le film aurait duré 10h) les rend superficielles et conduit à réduire les dialogues à l'essentiel, et parfois à la mièvrerie. Pas une seconde je n'ai été touchée, ce qui est d'autant plus étonnant avec un sujet conceptuellement aussi poétique, avec un réalisateur qui dans le « Huitième jour » avait montré combien il savait être poétique sans être mièvre.

Il faut reconnaître que les transitions sont habiles, que les décors sont sublimes et inventifs (d'ailleurs récompensés à la 66^ème Mostra de Venise), que les différentes vies sont visuellement extrêmement bien différenciées procurant une limpidité qui n'était pas gagnée d'avance aux histoires. D'où cette sensation d'un possible qui n'a pas abouti, d'un sujet en or et très (trop ?) ambitieux auquel on a fait prendre la mauvaise voie. A l'image de son personnage principal, le film manque d'identité pour en avoir trop endossé, s'égarant lui aussi dans ses multiples possibles mis en scène.

L'effet papillon donne de belles idées de montage (mais dans ce domaine « Babel » restera pour moi la référence inégalée), un montage qui a d'ailleurs nécessité une année. Jaco van Dormael égratigne au passage des vies standardisées, monocordes, monotones et un potentiel futur pas si lointain où la vie deviendrait aseptisée, où la notion même d'amour (très souvent malheureux en l'occurrence dans les vies passées de Nemo) appartiendrait à la préhistoire, où la mort même serait vécue en direct.

A force de conduire son film et ses personnages dans toutes les directions, Jaco Van Dormael ne nous conduit nulle part, si ce n'est à l'idée que mieux vaut se laisser porter par le destin telle une feuille portée par le vent, un choix n'étant finalement pas meilleur qu'un autre et toutes les vies méritant d'être vécues... Un film qui plaira peut-être aux amateurs du cinéma de Gondry (dont je ne suis pas) qui, avec une structure assez alambiquée, ne parvient pas à masquer une intrigue finalement mince. Restent des acteurs remarquables (Jared Leto, Diane Kruger, Sarah Polley), le décor ingénieux,  la photographie de Christophe Beaucarne  somptueuse et magnifiquement adaptée à chaque vie, à chaque genre et une belle idée de fable d'anticipation sur les hasards et coïncidences, sur la complexité et la multiplicité des choix. Une belle esquisse. Un beau gâchis. Un bel objet froid comme le futur désincarné et aseptisé ici mis en scène. Ce (capitaine) Nemo l ne m'a pas embarquée dans son Odyssée...

Quoi de mieux pour s'évader en cette période hivernale que d'aller voir un film intitulé « in the air » ? Détrompez-vous pourtant, il vous ramènera au contraire à la réalité de notre époque, à l'image de « Thank you for smoking » et « Juno », les deux premiers longs métrages de Jason Reitman qui se penchaient déjà sur des maux de notre société. Ce film n'en est pas moins réussi et divertissant mais pas seulement car surtout d'une nuance salutairement audacieuse contrairement à « Thank you for smoking » que j'avais trouvé finalement très conventionnel, démagogique et politiquement correct à force de revendiquer si ostensiblement ne pas vouloir l'être. Pour cette troisième réalisation, Jason Reitman a donc choisi d'adapter le roman de Walter Kirn « Up in the air ».

Le protagoniste d' « In the air », Ryan Bingham est un professionnel du licenciement, il est ainsi chargé par des sociétés d'annoncer à leurs employés qu'ils vont être licenciés. Sa profession l'amène à parcourir les Etats-Unis et à passer beaucoup de temps dans les airs, dans les aéroports, les hôtels des aéroports, les bars des aéroports. Il collectionne les miles et atteindre les 10 millions de miles est son rêve le plus cher. Cette vie lui permet de fuir tout engagement : mariage, propriété, famille mais lorsque, lors d'un de ses nombreux voyages,  il rencontre son double féminin Alex (Vera Farmiga), tout se complique d'autant plus que, dans le même temps, son patron (Jason Bateman) l'incite à faire évoluer ses méthodes. Sur les conseils d'une jeune collaboratrice ambitieuse Natalie Keener (Anna Kendrick), il décide ainsi de faire désormais les licenciements par vidéo conférence, ce qui l'amènera à limiter ses voyages. Dans un premier temps Natalie l'accompagne...

A lire ce synopsis, probablement vous attendez-vous à voir une énième comédie romantique dont le cynique protagoniste ouvre subitement les yeux sur le monde qui l'entoure et termine son existence  heureux et avec plein d'enfants de celle dont il est tombé amoureux, évidemment au premier regard. Alors, pour la deuxième fois, détrompez-vous et c'est là le grand atout d' « In the air » que celui de jouer avec les codes. Les codes d'un genre cinématographique d'un côté, les codes de notre société de l'autre.

« In the air » est en effet une parfaite métaphore d'une société mondialisée qui n'a jamais communiqué si rapidement avec autant de moyens pour y parvenir. Nous n'avons jamais eu autant de moyens et de facilités à communiquer et voyager mais ces communications et ces voyages restent souvent illusoires et superficiels. Ne restent bien souvent que des images parcellaires des lieux et des personnes croisés telles ce que nous voyons du haut d'un avion. Un survol plus qu'un vol. A l'image de tous ces lieux que parcourt Ryan : uniformisés, froids, sans âme où il arrive et repart, sans attache.  Même l'amour se calcule par critères et en termes de rapidité comme dans cette scène où Natalie énumère les critères de son homme idéal tel un produit de consommation.

Et puis il joue avec les codes du genre cinématographique, « in the air » mêlant habilement documentaire (les témoignages sont, pour la plupart, ceux de vrais licenciés ancrant ainsi l'intrigue dans une vraie réalité économique et lui donnant judicieusement cette humanité dont le film dénonce l'absence dans notre société actuelle qui veut aller toujours plus vite quitte à annoncer des licenciements par ordinateur) répondant aux codes de la comédie romantique pour mieux nous dérouter, et, en un plan magistral, nous montrer la violence fracassante du retour sur terre lorsqu'on a pour habitude de survoler et fuir la réalité. Et c'est pour cela que je parle d'audace... Quand je vois les films d'une société de production française que je ne citerai pas mais que vous reconnaîtrez tous qui construit toutes ses productions sur le même modèle (un pitch accrocheur, un scénario qui ne l'est pas forcément, des têtes d'affiche et  des personnalités venant de l'univers télévisuel, des décors exotiques ...), écrire et produire des scénarii nuancés relève de l'audace. Le film y gagne, à l'image de son personnage principal, en profondeur et en lucidité sur le monde qui l'entoure et nous entoure.

« In the air » n'en est a pour autant un film démoralisant. Certes lucide sur notre société matérialiste, uniformisée et individualiste, il n'en est pas moins par moments (peut-être justement de par cette lucidité) irrésistible, le scénario regorgeant de bonnes idées, d'instants jubilatoires et les trois acteurs principaux étant parfaits dans leurs rôles respectifs avec une mention spéciale pour George Clooney qui, de par ses  choix de rôles, se construit une carrière des plus cohérentes, et est ici parfait en homme a priori cynique (mais pas tant que ça pour ne pas forcer le trait et rester dans la nuance) qui voit ses certitudes et son style de vie être ébranlés. Les décors et la lumière épousent intelligemment ce passage du contrôle au chaos, de la frénésie de son existence à davantage de calme, de réflexion, d'un univers déshumanisé à l'humanisation. Si la prise de conscience reste assez prévisible, les chemins pour y parvenir sont traités avec une nuance réjouissante pour le spectateur,  le cinéaste ayant par ailleurs l'intelligence de ne pas faire un discours moralisateur et  de ne pas nous dicter un choix de vie plutôt qu'un autre.   Ajoutez à cela une bande originale particulièrement réussie, des dialogues délectables et vous serez forcément ravis de ce voyage dans les airs.

Résultat : 6 nominations aux Golden globes (dont celles de meilleur acteur dans un drame pour George Clooney et celle meilleur film). Rendez-vous dès demain matin pour en voir les résultats sur inthemoodforcinema.com !

Sortie en salles: le 27 janvier 2010

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La conférence de presse de George Clooney et la présentation de "Michael Clayton" au Festival du Cinéma Américain de Deauville 2007

Le but premier de ce blog était, est et restera de partager mes coups de cœur cinématographiques, ma passion toujours et même plus que jamais insatiable pour le cinéma, de laisser aux autres le soin des critiques assassines mais voilà... je suis actuellement et très temporairement quelque part en province où il y a un splendide Cinéville, des salles tout aussi splendides mais où la programmation arrive rarement à la hauteur de ces magnifiques salles, celle-ci, particulièrement frileuse (et pas seulement en ce janvier glacial)  consistant à suivre ou « miser » sur les succès du box-office et rarement à prendre des risques. Tout ça pour dire qu'entre des films que j'ai déjà vus  comme « Agora »,  « Avatar » ou « Bright star » et des films d'animation à profusion que je n'ai aucune envie de voir, il ne restait que « Bliss », le premier film de Drew Barrymore réalisatrice, que je ne serais sans doute pas allée voir sans cette disette cinématographique. Avide de découvertes de nouveaux (ou nouvelles) cinéastes, c'est donc quand même avec entrain que je suis entrée dans la salle de mon Cinéville adoré, sans même connaître le synopsis, pour conserver le plaisir de la découverte (téméraire je suis, téméraire je reste)... un entrain qui s'est rapidement estompé.

Le synopsis d'abord. Bliss Cavendar (Ellen Page) veut s'émanciper, prendre son envol (dans les deux sens du terme), échapper au destin que lui dessine  sa mère : gagner les concours de beauté locaux. Pour cette dernière, là est sa seule chance de réussir dans  la vie. Bliss a en effet d'autres rêves comme  participer à des compétitions de roller derby (un sport d'une grâce et d'une délicatesse inouïes ... qui consiste à rattraper, dépasser, ... et cogner l'adversaire sur une piste de vitesse, le tout à roller). Bliss troque donc rapidement les robes bien sages contre les rollers et minijupes. Elle est donc lycéenne et serveuse le jour  et le soir elle devient Barbie Destroy dans son équipe de roller...

J'ai beau chercher, je ne me souviens pas m'être autant ennuyée au cinéma... et si l'ennui peut parfois se justifier (un film n'aspire bien évidemment pas forcément à divertir), ce n'est en général pas le cas d'une comédie... ou alors Drew Barrymore a réalisé un film expérimental dont le but est d'éprouver les nerfs du spectateur... C'est dans ce cas une totale réussite !

 Rarement un film aura accumulé autant d'invraisemblances (Bliss en véritable superwoman mène de front ses cours, son travail de serveuse, ses compétitions de roller ; elle dépasse immédiatement en rapidité et agilité ses consœurs deux fois plus âgées et expérimentées qu'elle ; elle devient une reine du roller alors que sa seule expérience remonte à la cour de récré avec ses rollers Barbie ; elle s'intègre immédiatement et suscite une inimitié -mais une seule hein-inimitié aussi rapidement ; personne ne remet en doute son âge malgré ses airs enfantins-il faut avoir plus de 21 ans pour participer aux compétitions-... et ses parents ne soupçonnent  rien de sa double vie parce que bien sûr ses seuls hématomes sont tous à des endroits invisibles au premier regard...) et clichés (elle tombe amoureuse d'un musicien pas trop malin qui,  miracle et coïncidence, la rencontre par hasard et tombe immédiatement amoureux d'elle ; sa mère veut à tout prix  la modeler à son image mais bien évidemment elle finira par se ranger aux souhaits de sa fille et par comprendre qu'elle veut s'émanciper ; la petite sœur est mignonne comme tout mais pas très maligne; le père, débonnaire et plus malin -mais pas trop- qu'il n'y paraît regarde les matchs en cachette...).

Bien sûr (vous voyez comme je n'arrive pas à être totalement assassine...) il y a beaucoup de bonne volonté chez Drew Barrymore, surtout à casser son image,  ne s'épargnant pas la moindre chute ou castagne (très très répétitives) et sans doute son propre passé a-t-il inspiré le besoin de réussite et de reconnaissance familiale de Bliss. On peut aussi lui reconnaître une direction d'acteurs plutôt honorable et des scènes mère-fille contenant une  belle émotion tout en retenue.

Si ce film est donc inspiré de la personnalité de sa réalisatrice (bien qu'adapté du roman de Shauna Cross qui signe également le scénario), il en manque cruellement, encore plus dans la forme que dans le fond beaucoup trop lisse pour évoquer deux univers -du roller derby et des concours de beauté- qui ne le sont pas (le moins « lisse » ou grossier des deux n'étant évidemment pas celui qu'on pourrait croire, ah quelle découverte...).

Et puis il y a Ellen Page (« Juno » etc, figure désormais emblématique du cinéma indépendant américain), Elle Page et Ellen Page qui est craquante certes et ne ménage pas ses efforts...  la seule qui mérite le déplacement (au Cinéville ou ailleurs) et qui justifie que je vous parle quand même de ce film malgré l'agacement et l'ennui qu'il m'aura fait éprouver. Il n'en demeure pas moins qu'il devient urgent que je rentre à Paris pour profiter d'une programmation diversifiée et voir des films dignes de ce nom...

Voilà un film dont le synopsis était particulièrement séduisant s'annonçant comme très ludique : l'histoire d'Armand (François Berléand) qui coule une pré-retraite dorée sous le soleil de la Côte d'Azur, entre sa boutique de prêt-à-porter, sa maîtresse Vivianne (Clémentine Célarié) et la terrasse du restaurant l'Aline Roc avec vue splendide sur la mer, là où, chaque midi, il déguste sa sole grillée, toujours à la même table et rêve... Seulement l'Aline Roc va être vendu. Armand jusque là, un peu lâche, un peu faible, se laissant toujours marcher sur les pieds va alors s'inventer un jumeau aussi téméraire et  implacable qu'il est lâche et mou...

Ce film avait de quoi susciter doublement ma curiosité, d'abord parce que c'est le fruit du premier partenariat entre Europarcorp et peopleforcinema.com (une société qui permet aux internautes d'investir), ensuite parce que c'est la première réalisation de l'acteur et scénariste ( « Mon idole », « Ne le dis à personne »...) Philippe Lefebvre qui a curieusement choisi une adaptation (du roman de Laurent Chalumeau « Maurice le Siffleur ») plutôt qu'un scénario original pour son premier film derrière la caméra.

D'autres comédies récentes, plutôt réjouissantes, comme « Quatre étoiles » avait déjà pour cadre la très photogénique Côte d'Azur. Alors, était-ce nécessaire de réaliser une énième comédie  se déroulant dans ce cadre ? Certes, en ce mois de janvier glacial, une petite promenade sous le soleil azuréen ne serait-ce que virtuellement est toujours appréciable et revigorante, d'autant que la Côté d'Azur est filmée comme Miami dans les comédies américaines avec vues plongeantes et vertigineuses sur de splendides paysages.

Mais pourquoi diable un scénariste aussi talentueux que Philippe Lefebvre a-t-il cru nécessaire d'accumuler autant de clichés ! Les mafieux russes (je n'en peux plus d'en voir dans chaque comédie ou presque !!). Les palaces rutilants. Le gros promoteur immobilier véreux qui veut écraser le petit commerçant inoffensif. Et la bimbo heureusement rendue irrésistible par Virginie Effira qui a sans aucun doute un don pour la comédie...et pour les plongeons ridicules. Fred Testot avec un personnage qui fonctionne un peu sur les mêmes principes s'en sort lui aussi avec les honneurs. Deux têtes d'affiche venus de l'univers télévisuel duquel Philippe Lefebvre s'est sans doute trop imprégné pour faire un vrai film de cinéma dépourvu de digressions inutiles (qui foisonnent) qui enlisent l'intrigue.

Dommage, la première scène avec Alain Chabat imposait un ton et un rythme prometteurs. D'ailleurs la réalisation est appliquée et ample. Sans doute faudra-t-il attendre son deuxième long-métrage et un scénario original pour que Philippe Lefebvre laisse voir la mesure de son talent.

 A voir donc seulement si vous voulez aller siffler là-haut sur la colline sous un soleil éclatant, pour Fred Testot, Virginie Efira et  Berléand d'une justesse incontestable pour jouer des répliques qui ne le sont pas toujours... Dommage que « Le Siffleur » rejoigne cette (longue) liste de films qui se réduisent à une synopsis alléchant et percutant sans que le scénario soit à la hauteur de cette belle promesse...

 Sortie en salles : le 6 janvier 2010

Il y a quelques semaines avait lieu l'avant-première d'"Agora" à la suite de laquelle j'ai eu la chance de pouvoir interviewer son réalisateur Alejandro Amenabar. Un film recommandé par inthemoodforcinema.com .

Cliquez ici pour lire ma critique d'Agora, pour voir la vidéo de la présentation du film par Amenabar lors de l'avant-première  et pour lire le résumé de mon interview d'Alejandro Amenabar