Arrivée juste à temps pour voir le générique du film (de début, hein, je précise, je ne fais pas comme certains critiques qui arrivent dix minutes après le début ou partent dix minutes avant la fin…), sans grande envie de le voir mais avec pour objectif de satisfaire ensuite ma frénésie d’écriture ( de tout ce qui est à portée de clavier, j’ignore si ça se soigne et n’en ai d’ailleurs pas envie…) par une critique cette fois-ci donc, eh bien j’ai été très agréablement surprise par ce film dont je n’attendais rien d’autre que matière à satisfaire mon insatiable soif d’écriture. J’aurais d’ailleurs dû me souvenir de « L’heure zéro » du même Pascal Thomas, un film vu à Dinard lors du Festival du Film Britannique et dont l’intrigue se déroulait d’ailleurs dans la cité balnéaire bretonne en question. Auparavant, Pascal Thomas avait déjà signé « Mon petit doigt m’a dit » qui mettait déjà en scène Prudence et Bélisaire Beresford sous les traits de Catherine Frot et André Dussolier, un succès autant dans les salles (1 200 000 spectateurs) que dans les critiques qu’il pourrait bien renouveler cette fois-ci.

 Prudence et Bélisaire Beresford (colonel des services secrets à la retraite) se reposent désormais dans leur château qui domine le lac du Bourget. Prudence qui trouve qu’elle dégage une odeur de vieux ne déteste rien tant que se reposer. Elle rêve qu’un mort titubant frappe à la porte et vienne les sortir de leur léthargie, les plongeant dans une affaire palpitante et mystérieuse. Cela tombe bien : sa pittoresque tante belge Babette (Annie Cordy)  a assisté à un crime de la fenêtre du train. Bien que Bélisaire soit incrédule, Prudence (la mal nommée) part à la recherche du cadavre et se fait employer comme cuisinière dans une inquiétante demeure (dont les habitants le sont au moins autant) où elle est persuadée qu’elle trouvera des indices. Entre un vieillard irascible, le père de famille (Claude Rich), et ses quatre enfants qui attendent l’héritage (interprétés par Chiara Mastroianni- ici, mélancolique à souhait, et qu’on ne voit d’ailleurs pas suffisamment au cinéma-, Melvil Poupaud, Christian Vadim, Alexandre Lafaurie) elle n’est pas au bout de ses surprises. Et nous non plus…

 Les surprises ne résident d’ailleurs pas là où on pourrait les attendre dans une adaptation d’Agatha Christie, à savoir dans la résolution de l’intrigue, finalement ici secondaire, les suspects n’étant  pas bien nombreux et le coupable facilement identifiable… mais que cela ne vous surtout arrête pas ! Si vous aimez Agatha Christie, vous retrouverez le second degré, l’ironie, le ton même parfois irrévérencieux de l’auteur que Pascal Thomas a librement et intelligemment adaptée.

 Je pourrais reprendre ma critique de « L’heure zéro » et l’adapter à ce film qui présente les mêmes ingrédients avec tout de même des qualités supplémentaires et avant tout le couple savoureux formé par André Dussolier et Catherine Frot, « Hercule Poirot en deux personnes » pour reprendre l’expression utilisée par Pascal Thomas...avec les fameuses petites cellules grises qui vont avec. Le film s’inspire ainsi du recueil « Partners in crime » dans lequel Tommy et Tuppence Beresford mènent l’enquête et l’intrigue est similaire à celle du « Train de 16H50 » (dans lequel l’enquête est néanmoins menée par Miss Marple).

 Ce qui fait d’abord le charme convaincant de ce film, c’est le talent de Catherine Frot (j’ai beau avoir vu et revu « Un air de famille » un nombre incalculable de fois, je l’y trouve toujours aussi remarquable et hilarante), dont le personnage prend un malin plaisir à mener son enquête, et que l’actrice semble prendre aussi un plaisir à interpréter, et nous à la suivre dans ses rocambolesques péripéties. Elle est rayonnante, virevoltante, malicieuse et elle forme avec André Dussolier un couple impertinent et libre comme on aimerait en voir plus souvent au cinéma. Leur élégance imprègne tout le film : des décors aux dialogues, savoureux. Ni leurs personnages ni ceux qui les interprètent ne redoutent l’autodérision comme quand André Dussolier se prend, malgré lui, pour Marilyn Monroe dans « Sept ans de réflexion ». Leur couple a un côté touchant qui, si le scénario avait quelques faiblesses, nous les ferait oublier tant nous les suivons avec plaisir et intérêt, voire jubilation, d’autant plus que les membres de la famille où s’est fait employer Prudence se détestent tous cordialement, mettant ainsi en valeur leur complicité.

 Comme dans ses précédents films adaptés d’Agatha Christie, Pascal Thomas brouille astucieusement les repères entre les temporalités. Si l’intrigue se déroule de nos jours, ses personnages ont un caractère intemporel, ses décors et ses costumes un air joliment désuet qui nous embarquent dans son univers distrayant, et pas seulement.

 Si vous voulez passer une heure trente (un peu plus même) réjouissante en joyeuse compagnie, alors ce crime-là sera aussi votre affaire, préférez-le au « Grand Alibi » de Pascal Bonitzer -voir ma critique ici: http://www.inthemoodforcinema.com/archive/2008/04/16/avant-premiere-le-grand-alibi-de-pascal-bonitzer-au-cinema-l.html - (autre adaptation récente d’Agatha Christie) qui n’en avait ni la saveur, ni l’originalité. Un film à l’image de son affiche : (re)bondissant, coloré, décalé, joyeux.

 Sandra.M

Septembre 1980. Dans quelques mois les Français éliront un nouveau Président de la République. Pendant ce temps, Coluche triomphe tous les soirs au Théâtre du Gymnase. "Comique préféré des Français", il est au sommet de sa gloire... Toujours prêt à provoquer un peu plus, il décide, pour rire, poussé par son entourage aussi, de poser sa candidature à la Présidence de la République. Les sondages s'affolent, sa cote monte en flèche jusqu’à atteindre le score incroyable de 16%. Et si finalement un clown se faisait élire Président ? Lui-même commence à y croire...peut-être un peu trop…

Clamons-le, proclamons-le d’emblée et acclamons-le : François-Xavier Demaison est absolument sidérant. Il dévore l’écran, (ré)incarne Coluche, lui donne une nouvelle dimension, gigantesque, le fait revivre à sa manière, nous fait retrouver sa gestuelle si particulière, sa voix pourtant inimitable, sa démarche si singulière. Il s’est glissé dans le costume Coluche tout en y apportant sa personnalité. La performance (encore que le terme soit mal choisi, car jamais justement contrairement à l’actrice principale d’un biopic, césarisée-oscarisée, jamais on a l’impression d’assister à une performance) est remarquable. Et si le film devait avoir une raison d’exister ce serait celle-là et uniquement celle-là : donner à Demaison un rôle à la (dé)mesure de son talent. Et puis j’aime bien ceux qui, comme Demaison, vont au bout de leurs rêves, s’échappent d’une vie tracée pour prendre des risques et surtout celui, grisant, de vivre de leur passion, quelle que soit l’issue (François-Xavier Demaison a abandonné son métier d’avocat fiscaliste à Manhattan suite au 11 septembre 2001), et surtout pas par souci de plaire ou de reconnaissance mais simplement pour être fidèle à ce qu’ils sont profondément. « Celui qui se perd dans sa passion est moins perdu que celui qui perd sa passion ». Oui, résolument.

Voilà pour l’essentiel. Pour le reste…pour le reste, il me déplait de ne pas aimer un film quand ses créateurs semblent aussi passionnés mais c’est ainsi. Je me suis profondément ennuyée, suis toujours restée à distance et ai eu aussi l’impression qu’Antoine de Caunes restait lui aussi toujours à distance de son sujet, par peur de l’égratigner peut-être, par peur d’écorner l’image qu’il admirait à l’évidence. La caméra à l’épaule ne suffit pas à nous bousculer ni vraiment à refléter l’agitation qui semblait régner autour de Coluche (sa maison était constamment envahie par ses amis motards, journalistes, acteurs…).

 Est-ce parce que je serais imperméable à l’humour de Coluche (mais pas hermétique au personnage qu’Antoine de Caunes rend indéniablement attachant), je n’ai pas ri un seul instant. Même si à l’évidence le but n’était pas d’écrire une comédie mais « l’histoire d’un mec » engagé dans un combat trop grand pour lui qui n’appartenait à d’autre parti qu’à « celui d’en rire » et allait se retrouver dans une histoire sérieuse, qu’il allait d’ailleurs finir par prendre au sérieux, un combat qui allait finalement le dépasser.

De ce film émane une profonde mélancolie, sans doute celle de l’artiste très entouré face à sa solitude, ses responsabilités, ses doutes, ses contradictions qui passe de l’insouciance à la gravité. Peut-être est-ce d’ailleurs un aspect qu’il aurait été intéressant de creuser, notamment en montrant le rôle vampirique de l’entourage qui reste malheureusement ici une masse grégaire et informe (la plupart des personnages n’ayant pas de noms). Si François-Xavier Demaison dévore l’écran, son personnage dévore aussi malheureusement les autres personnages qui n’ont pas l’espace pour exister.  Antoine de Caunes s’en défend en disant que le personnage central est Coluche et que faire exister chaque personnage aurait été une perte de temps. C’est la première raison pour laquelle j’ai pensé à « Parlez-moi de la pluie »  dans lequel chaque personnage existe réellement même s’il n’apparaît que peu à l’écran sans être tout à fait un film choral. La deuxième raison pour laquelle j’y ai pensé c’est évidemment eu égard à l’image de la politique et du politique qui en ressort, à l’opposé de  l’image véhiculée par Coluche du « un pour tous, tous pourris » comme le disait l’humoriste, une image un peu facile, sans doute dans l’air du temps. Que Coluche ait été victime de pressions et même d’intimidations n’est pas un scoop, il est néanmoins amusant de le voir courtisé par tous les partis et hommes politiques ( de Lalonde à Attali), et même parfois de le voir en rencontrer certains dont les convictions sont opposées aux siennes, de le voir parler de sujets sérieux avec dérision, d’être pris très au sérieux par ses interlocuteurs, de finalement être rattrapé par l’attente et l’espoir qu’il a soulevés, et surtout de voir l’obstacle qu’il constitue alors pour ceux à qui il prend des voix, et l’importance que prend alors ce qui, au départ, était une plaisanterie.

Peut-être l’aspect impersonnel du film est-il aussi lié au fait qu’il s’agisse à l’origine d’un projet de producteurs (Edouard de Vesinne et Thomas Anargyros), un scénario préalablement commandé au journaliste Diastème qui devait être un biopic du comique et qu’Antoine de Caunes a eu l’intelligence de transformer et concentrer sur cette période intéressante, où « l’histoire de ce mec » rencontre l’Histoire, une Histoire qui ne supporte pas que les comiques s’en mêlent.

A défaut d’être un grand cinéaste avec un univers propre (mais peut-être cela viendra-t-il) Antoine de Caunes démontre son talent de réalisateur appliqué (notamment dans la reconstitution d’une époque, ici plutôt réussie, bande originale à l’appui, la musique ayant été ici confiée à Ramon Pipin un des musiciens de Coluche), capable de s’adapter à tous les genres (fantastique avec « Les morsures de l’aube », suspense historique avec « Monsieur.N »-le plus réussi et sous-estimé à mon avis-, la comédie avec « Désaccord parfait ») et un bon directeur d’acteurs :  Léa Drucker dans le rôle de Véronique Colucci apparaît peu mais impose sa belle présence, Denis Podalydès et Olivier Gourmet sont toujours aussi justes… et puis François-Xavier Demaison, phénoménal, je ne me lasse pas de le répéter…

 Quoiqu’il advienne, quel que soit le sujet, je ne manque JAMAIS un film de Woody Allen et ils sont peu nombreux ces réalisateurs dont chaque film recèle une trouvaille, dont chaque film est une réussite (même si certains évidemment sont meilleurs que d’autres, ou plus légers que d’autres), une véritable gageure quand on connaît la productivité de Woody Allen qui sort quasiment un film par an.

Imaginez donc mon désarroi d’avoir manqué celui-ci au dernier Festival de Cannes (non, vous ne pouvez pas : c’est insoutenable surtout sachant que mes acolytes festivaliers en sortaient tous le sourire aux lèvres, réjouis et un brin narquois envers ma malchance…) et mon impatience de le voir dès sa sortie en salles. Je me demande comment j’ai pu attendre trois jours après sa sortie surtout sachant que, dans mon impatience, je pensais qu’il sortait la semaine dernière… Bref,  alors ce dernier Woody Allen était-il à la hauteur de l’attente ?

Evidemment, il serait malvenu de le comparer à la trilogie londonienne (cliquez ici pour accéder à mes critiques des trois films de la trilogie), véritable bijou d’écriture scénaristique et de noirceur jubilatoire. Ce dernier est plus léger (quoique…), et pourtant..., et pourtant c’est encore une véritable réussite, qui ne manque ni de sel (pour faire référence à une réplique du film), ni d’ailleurs d’aucun ingrédient qui fait d’un film un moment unique et réjouissant.

Pitch : Vicky (Rebecca Hall) et Cristina (Scarlett Johanson) sont d'excellentes amies, avec des visions diamétralement opposées de l'amour : la première est plutôt raisonnable, fiancée à un jeune homme « respectable » ; la seconde est plutôt instinctive, dénuée d'inhibitions et perpétuellement à la recherche de nouvelles expériences passionnelles. Vicky et Cristina sont hébergées chez Judy et Mark, deux lointains parents de Vicky,  Vicky pour y consacrer les derniers mois avant son mariage  et y terminer son mémoire sur l’identité catalane; Cristina pour goûter un changement de décor. Un soir, dans une galerie d'art, Cristina remarque le ténébreux peintre Juan Antonio (Javier Bardem). Son intérêt redouble lorsque Judy lui murmure que Juan Antonio entretient une relation si orageuse avec son ex-femme, Maria Elena (Pénélope Cruz), qu'ils ont failli s'entre-tuer. Plus tard, au restaurant, Juan Antonio aborde Vicky et Cristina avec une « proposition indécente ». Vicky est horrifiée ; Cristina, ravie, la persuade de tenter l'aventure...

Les jeux de l’amour et du hasard. Un marivaudage de plus. Woody Allen fait son Truffaut et son « Jules et Jim » pourrait-on se dire à la lecture de ce pitch. Oui mais non. Surtout non. Non parce que derrière un sujet apparemment léger d’un chassé-croisé amoureux, le film est aussi empreint de mélancolie et même parfois de gravité. Non parce qu’il ne se contente pas de faire claquer des portes mais d’ouvrir celles sur les âmes, toujours tourmentées, du moins alambiquées, de ses protagonistes, et même de ses personnages secondaires toujours croqués avec talent, psychologie, une psychologie d’une douce cruauté ou tendresse, c’est selon. Non parce que le style de Woody Allen ne ressemble à aucun autre : mélange ici de dérision (souvent, d’habitude chez lui d’auto-dérision), de sensualité, de passion, de mélancolie, de gravité, de drôlerie, de cruauté, de romantisme, d’ironie...

Woody Allen est dit-on le plus européen des cinéastes américains, alors certes on a quitté Londres et sa grisaille pour Barcelone dont des couleurs chaudes l’habillent et la déshabillent mais ce qu’il a perdu en noirceur par rapport à la trilogie londonienne, il l’a gagné en sensualité, et légèreté, non pour autant dénuées de profondeur. Il suffit de voir comment il traduit le trouble et le tiraillement sentimental de Vicky lors d’une scène de repas où apparait tout l’ennui de la vie qui l’attend pour en être persuadé. Ou encore simplement de voir comment dans une simple scène la beauté d’une guitare espagnole cristallise les émotions et avec quelle simplicité et quel talent il nous les fait ressentir. (Eh oui Woody Allen a aussi délaissé le jazz pour la variété et la guitare espagnoles…)

 Javier Bardem, ténébreux et troublant, Penelope Cruz, volcanique et passionnelle, Scarlett Johanson (dont c’est ici la troisième collaboration avec Woody Allen après « Match point » et « Scoop »…et certainement pas la dernière), sensuelle et libre, Rebecca Hall, sensible et hésitante : chacun dans leurs rôles ils sont tous parfaits, et cette dernière arrive à imposer son personnage, tout en douceur, face à ces trois acteurs reconnus et imposants. (Dommage d'ailleurs que son personnage n'apparaisse même pas sur l'affiche, c'est finalement le plus intéressant mais certes aussi peut-être le plus effacé...dans tous les sens du terme.)

 A la fois hymne à la beauté (notamment de Barcelone, ville impétueuse, bouillonnante, insaisissable, véritable personnage avec ses bâtiments conçus par Gaudi , le film ne s’intitulant pas « Vicky Cristina Barcelona » pour rien) et à l’art, réflexion sur l’amoralité amoureuse et les errements et les atermoiements du corps et du cœur, Woody Allen signe une comédie (on rit autant que l’on est ému) romantiquement sulfureuse et mélancoliquement légère, alliant avec toute sa virtuosité ces paradoxes et s’éloignant des clichés ou  de la vulgarité qui auraient été si faciles pour signer un film aussi élégant que sensuel.  Cet exil barcelonais pourra en déconcerter certains, mais c’est aussi ce qui imprègne ce film de cette atmosphère aussi fougueuse que cette ville et ces personnages.

Malgré les 72 ans du cinéaste, le cinéma de Woody Allen n’a pas pris une ride : il fait preuve d’une acuité, d’une jeunesse, d’une insolence, d’une inventivité toujours étonnantes,  remarquables et inégalées. Un voyage barcelonais et initiatique décidément réjouissant. Vivement le prochain ! En attendant je vous laisse réfléchir à l’idée défendue dans le film selon laquelle l’amour romantique serait celui qui n’est jamais satisfait… A méditer !

 A l'occasion de la sortie en salles cette semaine de "Blindness" de Fernando Meirelles, le film d'ouverture du 61ème Festival de Cannes, vous pouvez retrouver ci-dessous l'article que j'avais consacré à cette ouverture sur "In the mood for Cannes" ainsi que ma critique du film.

Les marches vues d'en haut, photo "In the mood for Cannes" 2008

Ne trouvez-vous pas que les songes et les mythes et les rêves d’enfance, parfois, paraissent plus réels que la réalité ? Dans les miens il y avait cette cérémonie d’ouverture que je regardais toujours, quoiqu’il arrive, les yeux écarquillés, avides de la moindre inflexion de ton, du moindre regard troublé, ému, désarçonné que la caméra captait, scrutait, dévorait, décuplait dans cette salle dont le souffle semblait suspendu le temps de cet étrange, solennel, mythique protocole. Ouverture de cette fenêtre elle-même ouverte sur le monde, sur un océan de possibles, de rêves, d’utopies, d’imprévus,  de découvertes et d’audaces cinématographiques, d’instants de cinéma et de vie langoureusement, dangereusement, magnifiquement entremêlés. Dans mes rêves d’enfance, l’émotion ressentie à cet instant par les 2300 privilégiés présents dans cette salle, antre du septième art, point de mire des cinéphiles et amateurs de cinéma du monde entier, devait  être indicible. J’ai alors réalisé toute la force du gros plan, de l’émotion cinématographique que la réalité ne sait pas toujours égaler mais qu’elle saisit avec parcimonie, avec plus de sincérité peut-être.

 A peine arrivée à Cannes, émergeant à peine de la réalité, le festival m’emportait dans son tourbillon frénétique et surréaliste,  je me retrouvais en pleine cérémonie d'ouverture, face à mes rêves d’enfance, après cet « étrange rituel  venu du Sud » pour paraphraser Edouard Baer. Alors que derrière mon écran j’imaginais que les cœurs devaient battre la chamade avant cet instant cinématographique historique qui ouvre 12 jours de festivités cinéphiliques (pas seulement certes) , dans la réalité la léthargie semblait s’être emparée des festivaliers tandis que la montée des marches se poursuivait diffusée sur les écrans à l’intérieur de la salle. Pourtant quand le générique du festival a égrené ses quelques mythiques notes, enfin alors cette musique a agi comme une réminiscence de mes souvenirs de ce festival, vécus réellement depuis mon premier festival il y a 8 ans, ou à travers mon regard d’enfant fasciné, intrigué, happé. A peine le temps de savourer un léger frisson d’émotion qu’Edouard Baer apparaîssait sur scène avec sa désinvolture élégante, son ironie faussement nonchalante, son humour décalé et sa gravité légère, son « heart full of love » aux accents shakespeariens. Il nous a parlé de fierté  et d’ arrogance là où elles sont d’ailleurs l’arme et la défense des festivaliers, si orgueilleusement exhibées. Puis, il nous a parlé du labyrinthe de David Lynch dans lequel j’ai d’ores et déjà envie de m’égarer et il a remercié Cannes pour avoir « kidnappé le grand fracas du monde au profit des beautés singulières ». Sans doute une des plus belles définitions de ce festival qui donne en effet un écho sans pareil aux fracas du monde et qui aspire de plus en plus à s’en faire l’écho retentissant (il suffit de voir le caractère politique, social de la majorité des palmes de ces dernières années). La palme d’or 2008 du jury présidé par Sean Penn s’inscrira-t-elle dans cette lignée ? Réponse dans 11 jours.

Puis, Sean Penn, la voix fragilisée par l’émotion est intervenu brièvement, précisant  que lui et son jury « feraient de leur mieux », que Cannes a toujours sélectionné de grands films et surtout que cette année serait un « nouvel épisode du festival de Cannes », qu’il était là avant tout pour « transmettre des lettres d’amour à certains de ces films ». Enfin il a fait appel aux distributeurs pour qu’ils soutiennent les films qui ne recevront pas de prix. Le visage de Sean Penn était empreint de gravité et d’émotion contenue, probablement conscient que son rôle, par cet écho retentissant donné à un cinéaste, un thème, un fracas parmi tant d’autres, est davantage que cinématographique.

Il faudra Richie Havens pour donner un très relatif air de Woodstock au festival, un air de liberté, et un air plus léger à Sean Penn. La salle esquisse quelques battements de main. L’émotion à peine éclose est interrompue par Claude Lanzmann (présence symbolique, est-ce là le symbole de ce nouvel « épisode » du Festival, reflet des fracas du monde, des fracas passés, dont ceux du présent se font les échos sinistres et cyniques ?) et son monologue interminable, ses phrases entrecoupées, les quelques sifflements de la salle et applaudissement ironiques. Alors qu’on aurait eu envie de légèreté, il a évoqué la « lourde charge de faire exister ce festival », « d’en accroître le rayonnement, évènement unique et incomparable de la planète cinéma ». Unique et incomparable, nous l’aurions presque oublié. J'ai alors regardé les visages à la dérobée. J'ai réalisé que j'étais dans cette salle avec ces 2299 autres privilégiés. J'ai réalisé que s’ouvrait cette parenthèse enchanteresse, parfois désenchantée. J'ai réalisé que j'étais à Cannes. J'ai réalisé que si le cinéma ou l’écran sublimaient la réalité, ils n’ont jamais eu autant d’imagination, parfois cruelle mais aussi parfois sublime, que cette dernière. J'ai réalisé que je n’avais pas envie de choisir entre le rêve et la réalité. Cela tombe bien, Cannes est l’endroit idéal pour feindre l’aveuglement, pour feindre de se perdre dans cette douce (pas toujours) illusion.

Et cela tombe bien de nouveau car c’est également d’aveuglement (au sens propre comme au sens figuré), de cécité dont aspirait à nous parler le film d’ouverture également en compétition officielle « Blindness » de Fermando Meirelles. (« La Cité de Dien », « The Constant Gardener »).

Pitch : Le pays est frappé par une épidémie de cécité qui se propage à une vitesse fulgurante. Les premiers contaminés sont mis en quarantaine dans un hôpital désaffecté où ils sont rapidement livrés à eux-mêmes, privés de tout repère. Ils devront faire face au besoin primitif de chacun : la volonté de survivre à n’importe quel prix. Seule une femme (Julianne Moore) n’a pas été touchée par la « blancheur lumineuse ». Elle va les guider pour échapper aux instincts les plus vils et leur faire reprendre espoir en la condition humaine.

L’impression qui domine à l’issue de ce film est l’agacement. L’agacement devant un film qui semble là seulement pour justifier la phrase et la morale simplistes  qui le sous-tendent, (en résumé : les voyants sont aveugles à la beauté du monde, à leur « bonheur »,  et l’aveuglement leur rend la vue, et en annihilant les différences visuelles, abat les préjugés …) d’ailleurs annoncées dès les premières minutes. Annoncé d’emblée le discours en perd toute sa force. Une nouvelle société carcérale s’instaure (soulignée lourdement à force de plans de visages derrière des grillages) où la dignité est piétinée pour survivre. Malgré l’ignominie de ce que ses protagonistes vivent le cinéaste a néanmoins eu recours au hors-champ, au fondu au blanc( !) pour épargner notre regard ou peut-être créer une empathie avec l’aveuglement dans lequel sont plongés les personnages, ce qui au lieu de nous immerger dans leur intériorité, crée une nouvelle distanciation ( déjà initiée par la multiplicité des personnages et leur manque de caractérisation).  Une voix off grandiloquente qui semble sortie d’un blockbuster contre lequel semble pourtant vouloir s’inscrire le cinéaste, surligne grossièrement le propos et apporte un classicisme qui détone avec le parti-pris (finalement faussement) moderne et radical du film. Les personnages n’existent pas (avant même d’être déshumanisés il aurait été bien qu’ils soient déjà humanisés) si bien que nous n’adhérons pas à leur déshumanisation, à leur passage à l’animalité  et encore moins à leur retour à la vie, à la condition humaine, au regard potentiellement rempli de préjugés que l’aveuglement était censé leur avoir ôté. Un hymne à la différence finalement aveugle à celle-ci. Un film  redondant, didactique, qui sous-estime l’intelligence du spectateur, qui s’égare et nous égare par la prétention de son discours dont il n’arrive pas à la hauteur, aveuglé par celui-ci.  Meirelles se prend pour Ionesco sans avoir le talent à l’échelle immense de la gravité du propos mais « Blindness » n’est pas « Rhinocéros », évidemment pas. Relisez plutôt ce dernier.

La salle a froidement accueilli le film dont je serais très surprise qu’il figure au palmarès…même s’il pourrait s’inscrire dans la lignée de certains « Grand Prix » pour la radicalité du propos. Est-ce là la marque de ce « nouvel épisode »  du Festival de Cannes qu’a évoqué Sean Penn et que souligne peut-être la présence de Claude Lanzmann? A suivre au prochain épisode sur « In the mood for Cannes ».

Le réalisateur Neil LaBute (photo "In the mood for Deauville")

L'équipe du film ( photo "In the mood for Deauville")

L'équipe du film au CID , photo "In the mood for Deauville"

L'équipe du film au CID, photo "In the mood for Deauville"

Samuel L.Jackson à la conférence de presse, photo "In the mood for Deauville"

Hier soir avait lieu au CID la projection en Première d’un des films les plus attendus de ce 34ème Festival du Cinéma Américain  de Deauville ( « Lakeview Terrace » de Neil La Bute) notamment en raison de son acteur principal présent à Deauville dont il est un habitué puisque le festival lui avait rendu hommage il y a quelques années : Samuel L.Jackson.

 Pitch : Pout Chris (Patrick Wilson) et Lisa (Kerry Washington), emménager dans leur maison de « Lakeview Terrace » est un rêve devenu réalité. Pourtant, rapidement, les deux jeunes gens deviennent la cible de leur voisin, Abel Turner, ( Samuel L.Jackson) un policier qui désapprouve leur relation interraciale. Cet homme strict et austère, père célibataire et policier se montre de plus en plus oppressant envers le jeune couple allant jusqu’à les harceler chez eux.

 Il y a 10 ans, Neil LaBute avait obtenu le prix spécial du jury à Deauville pour « En compagnie des hommes », une vision acerbe de l’univers sombre et sexiste des cadres américains. Avec « Lakeview Terrace », le cadre est différent mais le regard du cinéaste aspire à être tout aussi mordant. Le cadre est donc ici Los Angeles, le quartier de « Lakeview Terrace », qui est un véritable acteur du récit puisque, au fur et à mesure que s’accroît la tension entre les voisins, les flammes se rapprochent inéluctablement de Lakeview Terrace. A travers des reportages télévisés ou des échos a priori anodins, la menace de l’incendie gronde, tout comme les remarques ou les actes a priori anodins d’Abel font eux aussi gronder une autre menace, tout aussi insidieuse, et qui ne cesse, elle aussi, de grandir, tout aussi incontrôlable, pour finalement ravager la vie de Chris et Lisa comme l’incendie va ravager la ville. 

 Le sentiment de situation inextricable et la tension sont accrus par le fait que le voisin soit policier et que celui censé représenter l’ordre et la loi soit source d’inquiétude. Les tensions avec celui-ci révèlent aussi celles qui existent dans le couple, (lié au père de Lisa qui n’accepte pas leur couple mixte et à l’envie d’enfant de Lisa).

 Le film présente deux intérêts principaux : la tension, constante, et l’interprétation, inquiétante, de Samuel L.Jackson qui magnétise la caméra, mange l’écran. Certes son personnage exige cette présence charismatique et menaçante mais le personnage de Chris est trop naïf et velléitaire par rapport à ce dernier, et leurs caractères trop stéréotypés dès le début, pour que cela soit vraiment crédible.  D’après ses propos en conférence de presse, le réalisateur a voulu éviter tout manichéisme, ce qui n’est, d’après moi, qu’en partie réussi, le personnage interprété par Samuel L.Jackson étant tout de même assez caricatural, de même que la relation entre Chris et Lisa.

 Quant au sujet, le racisme, que Neil LaBute a prétendu vouloir traiter de manière  plus ou moins tacite, à force d’être tacite, il en devient secondaire, les raisons de tensions étant finalement multiples : le sentiment de propriété, les différences sociales… Neil LaBute joue en effet habilement sur le sentiment d’insécurité, sur le sentiment presque violent de propriété mais construit un film et un dénouement trop prévisible et politiquement correct pour emporter une totale adhésion. Il  traite finalement davantage de la difficulté de communiquer dans des maisons cadenassés et ultra sécurisées que du racisme (qui en est néanmoins aussi une résultante).

 « Harcelés » reste un bon divertissement qui n’apprendra rien aux amateurs de suspense tant il reprend les poncifs du genre sans rien y apporter (le suspense, contrairement à ce que pourrait laisser entendre le titre de cette note, n’a ici rien d’hitchcockien…) et à vouloir que son thème principal soit tacite, il nous donne finalement l’impression de l’avoir seulement effleuré.

 Reste la prestation remarquable de Samuel L.Jackson dont, après avoir perçu et croisé son regard imperturbable et glacial, glaçant même, lors de la conférence de presse, je me demande si ses personnages sont toujours des rôles de composition…mais il s’agit là d’une toute autre question.

Dussé-je être la seule et la dernière, je vous recommande sans réserves le film de Philippe Garrel « La frontière de l’aube » (qui sort demain en salles) malgré l’ostracisme dont il a été l’objet lors du dernier Festival de  Cannes où il était en compétition. Ci-dessous, retrouvez mon récit de la projection cannoise et ma critique du film.

En bonus vous pouvez voir la vidéo de l’équipe du film sur les marches à Cannes, en cliquant ici.

Ci-dessus, l'équipe de "La frontière de l'aube" de Philippe Garrel.

 Voilà ce qui, de l’avis général, faisait défaut  au Festival de Cannes cette année : une controverse et de l’effervescence. Pour le second élément il est vrai qu’il était difficile de rivaliser avec l’exemplaire 60ème anniversaire. Pour le premier, encore que le terme soit un peu fort, il y a eu « La Frontière de l’aube » de Philippe Garrel.

Il a en effet été hué lors de ses projections au « Grand Théâtre Lumière » et méprisé lors de la séance du lendemain dans la salle du 60ème pour la première fois à moitié vide ! Quelle curiosité exemplaire des festivaliers se fiant davantage à la rumeur qu’à leur propre opinion, condamnant avant d’avoir entendu l'argumentaire de l'accusé. C’est donc particulièrement intriguée que je suis allée voir ce film, deuxième film français de la compétition, curieuse de découvrir quelle ignominie pouvait susciter un tel rejet du public, un tel lynchage médiatique.

Synopsis : Une star (Laura Smet) vit seule chez elle, son mari est à Hollywood et la délaisse. Débarque chez elle un photographe (Louis Garrel) qui doit la prendre en photo pour un journal, faire un reportage sur elle. Ils deviennent amants. Ils vont habiter deux semaines à l’hôtel pour faire ce reportage et repassent de temps en temps à l’appartement de la star.

Nous sommes d’abord chaleureusement envoûtés par le noir et blanc, par le charme savoureusement désuet et intemporel de la photographie qui magnifie les visages (la fièvre contenue et ravageuse et le désarroi de Laura Smet, le romantisme mélancolique de Louis Garrel), ausculte leurs basculements, leurs tourments, leurs fragilités. Un noir et blanc en hommage à Cocteau et à la Nouvelle Vague à laquelle Philippe Garrel empreinte un style elliptique et un ton décalé qui nous embarque dans son au-delà surréaliste et contribue à cette intemporalité. Les amants ne s’envoient pas de textos ou d’emails mais des lettres. Amants d’aujourd’hui, d’hier, de demain : éternels. 

Ce qui m’a charmée dans ce film qui a le mérite de ne ressembler à aucun autre de la compétition (et il faut l’avouer, la plupart des films brassent les mêmes thèmes, dans un style relativement similaire ) est probablement ce qui a agacé la majorité des festivaliers : son aspect littéraire (mais alors pourquoi glorifier Desplechin qui emploie , certes différemment, le même procédé ?), sa lenteur qui donne le temps au temps, le temps de s’imprégner de la mélancolie des personnages, son romantisme sans concessions, son aspect surréaliste et sa façon de saisir et juxtaposer des instants.

 « La frontière de l’aube » est vaguement inspiré d’une nouvelle de Théophile Gautier « Spirit » : un mythe romantique dans lequel les protagonistes se rejoignent dans la mort pour vivre dans l’éternité. Avec une poésie désenchantée, entre rêve et réalité, éternité et intemporalité, bonheur bourgeois et bonheur éternel, Philippe Garrel, réfutant tout cynisme, nous redonne le goût de ce que le cinéma d’aujourd’hui s’acharne à nier, par un excès de réalisme et de réalité,: celui de croire en des amours éternels dont la littérature s’arroge désormais l’exclusivité, et encore.

Un film aux frontières de la réalité, de la folie, de la mort sur la passion dévastatrice. L’aube : une heure incertaine, velléitaire mais qui de toute façon donnera naissance au jour, à l’espoir tout comme cet amour fatal est porteur d’une beauté à la fois sombre et lumineuse .

Philippe Garrel a également le mérite d’assumer : son titre nous plonge d'emblée dans son univers revendiqué, celui d’un conte poétique. Les contes de noël sont semble-t-il plus nobles, plus flatteurs pour ceux qui les apprécient. Oui, Desplechin flatte finalement le spectateur, par des références multiples et redondantes, lui donnant le sentiment (réel ou illusoire) de son intelligence, et lui donnant par sa dérision le sentiment, éloge semble-t-il suprême, de sa bonne cyniquitude (j'ai le droit d'utiliser des néologismes:-)), de son insensibilité à un romantisme forcément mièvre, dépassé, ridicule. Philippe Garrel nous prouve pourtant le contraire avec ce film intemporel.

Un film sombre à la poésie lumineuse et enchanterresse qui mériterait de figurer au palmarès.

Hier soir, Blogbang et Pathé distribution organisaient une projection privée en avant-première de « La très très grande entreprise » de  Pierre Jolivet, dans les locaux de Pathé  avec, à l’issue de la projection, une passionnante rencontre avec le cinéaste.

Il est toujours difficile de ne pas être influencée après avoir entendu un cinéaste évoquer son film, comme ce fut le cas hier, avec enthousiasme, conviction, passion, et après avoir ainsi presque « revisionné » le film par le prisme de son regard aiguisé donc voilà : forcément j’ai été influencée mais après tout un film reste indissociable de l’aventure humaine qui l’a porté et contribue aussi à sa richesse, ses faiblesses parfois aussi.

J’en aurais presque oublié ce qui m’a dérangée au début du film : le caractère artificiel  (ou du moins qui m’a semblé comme tel, même si, c’est vrai, l’essentiel ne réside pas là) des liens qui unissent au départ ces quatre personnages,  la célérité avec laquelle ces personnages décident d’agir ensemble et mettent leurs vies personnelles extérieures à leur « mission » de côté (hors champ tout au long du film) pour partir à l’attaque de Naterris, mais j’évoque là Naterris, vous devez vous demander ce dont il s’agit.

Naterris est une très très grande multinationale d'agro-chimie (comme son nom ne l’indique pas, sorte de mélange entre Nature et Terre qui, comme l’a souligné Pierre Jolivet, à l’image de toutes les industries polluantes, porte un nom censé évoquer la nature et l’écologie…), 9 milliards d'euros de chiffre d'affaires. De l'autre, Zaccharias (Roschdy Zem), Mélanie (Marie Gillain), Denis (Jean-Paul Rouve) et Kevin (Adrien Jolivet), ostréiculteur, aide-comptable, restaurateur, ouvrier... Au milieu : un étang pollué par Naterris, dont ces derniers sont riverains. Après deux ans d'une âpre procédure, Naterris est condamnée à leur verser une indemnité ridicule, à eux qui ont tout perdu. A l'inverse des autres plaignants prêts à accepter ce maigre pourboire, ces quatre-là décident de faire appel pour que justice leur soit " vraiment " rendue. Mais pour faire appel, ils n'ont que trente jours et doivent impérativement découvrir un élément nouveau au siège de Naterris, dont l'imposant gratte-ciel domine le parvis de la Défense. Mélanie, Zaccharias, Kevin et Denis décident donc de monter à Paris. Leur mission n'est pas impossible mais s'annonce... très, très difficile !

Pierre Jolivet revient à un genre qui lui a réussi, celui de la comédie sociale (comme dans « Ma petite entreprise » dans lequel il faisait déjà l’éloge de la solidarité et dans lequel jouait déjà Roshdy Zem) sur fond de mondialisation dévorante (il ne pouvait pas mieux tomber dans le contexte actuel de crise économique dont on nous rebat les oreilles…) et de scandale écologique (il connaît bien le sujet : notamment aux côtés de son frère Marc Jolivet, Pierre Jolivet a mené de nombreux combats écologistes ). Mais  ce qui fait la force de ce film et fait donc d’autant mieux passer le discours qui le sous-tend c’est le capital sympathie de ses personnages Zak, Kevin, Mélanie, Denis auxquels chacun peut s’identifier et au combat desquels chacun peut s’identifier : celui de David contre Goliath, de citoyens ordinaires contre une entreprise tentaculaire et impersonnelle.

C’est pour le spectateur jubilatoire de les voir réaliser cette mission impossible avec pour seuls gadgets leurs cellules grises, et surtout leur détermination. C’est là le message du film d’ailleurs martelé par le cinéaste lors de la conversation qui a suivi la projection : mieux vaut se battre que de se laisser faire et avec de la détermination et aussi faibles que soient a priori nos moyens d’action on peut arriver à tout ou presque, y compris s’attaquer à une multinationale prétendument intouchable. Le discours est idéaliste à l’image de ces personnages pour qui l’enjeu de financier devient moral.

L’autre force du film, c’est que plutôt que de faire un drame de ce sujet qui aurait pu s’y prêter Pierre Jolivet en a fait une comédie dont le comique réside principalement dans le caractère de ses personnages, les principaux et les autres croqués avec sensibilité, un regard incisif parfois doucement cruel concernant les personnages secondaires comme celui du vigile aux neurones aux abonnés absents (un pléonasme ? Selon Pierre Jolivet en tout cas…) qui regarde ou plutôt tente de regarder « Mélodie en sous-sol », visiblement un peu lent à son goût.

Pierre Jolivet a expliqué avoir choisi la comédie pour que les personnes dont il parle et auxquelles il souhaite s’adresser puissent voir le film, contrairement à « Fred » par exemple, un film encensé par la critique mais qui parlait du chômage et a finalement été très peu vu par les chômeurs.

Reste à savoir si dans un contexte de crise le public aura envie de voir un film dont le sujet le ramène à sa réalité. Pour le convaincre, je pourrais ajouter que la forme, le caractère à la fois touchant, presque burlesque, de ses personnages l’en distraira aussi, tout en portant un message citoyen, engagé. L’intention est louable alors que la plupart des comédies s’évertuent à nier toute réalité et à n’avoir pour objectif que de vider le cerveau de ceux qui les regardent.

Le discours qui aurait par ailleurs pu  être simpliste se révèle plus malin : il n’oublie pas de spécifier que ces sociétés créent des emplois et investissent, créent parfois aussi des fondations, dont l’objectif n’est bien évidemment pas purement altruiste.

Il faut évoquer évidemment les acteurs, en particulier les quatre acteurs principaux au premier rang desquels Roschdy Zem dont c’est ici la quatrième collaboration avec Pierre Jolivet et qui, une nouvelle fois, impose son personnage avec une évidence déconcertante, en force et sensibilité. Jean-Paul Rouve qui, de film en film, prouve la diversité de son jeu, en fait juste ce qu’il faut, ni trop ni pas assez, pour être crédible dans son rôle de cuisinier homosexuel, Marie Gillain est juste et touchante et Adrien Jolivet confirme son talent prometteur. Le rythme, notre empathie et même notre sympathie pour ces personnages leur doit beaucoup (sachant qu’eux-mêmes ont parfois enrichi leurs personnages de ces gestes, manies qui les rend drôles et touchants et qui agrémentent le scénario).

Une « très très grande entreprise » à l’assaut de laquelle je vous engage à partir ! Dans cette période de morosité et pessimisme collectifs (du moins  médiatiquement proclamée telle) ce film nous emporte dans son tourbillon de détermination et de dynamisme salutaires avec une sincérité touchante qui ne peut qu’emporter l’adhésion malgré quelques raccourcis et caricatures inéluctables pour que la mécanique de la comédie fonctionne !

Lors de la conversation, intimiste et très intéressante, qui a suivi la projection et dont je vous ai déjà révélé quelques bribes ci-dessus, l’intérêt et la curiosité de Pierre Jolivet pour ses interlocuteurs blogueurs semblait sincère (il a d’ailleurs lui-même avoué être accro à internet et ne pouvoir se coucher sans y jeter un œil) , il a d’ailleurs lui-même posé des questions. Il a par ailleurs révélé que dans le dénouement initialement écrit ( je ne vous raconterai évidemment pas celui qui s’y substitue et que vous verrez) l’usine Naterris devait être détruite  et Michael Moore devait interviewer nos quatre protagonistes, ce qui n’a pu se faire pour des raisons budgétaires. Si comme moi vous trouvez la scène dans laquelle Mélanie (Marie Gillain) donne un billet de 200 euros peu crédible et l’infiltration de ces quatre citoyens ordinaires peu plausible sachez que cela s’inspire d’éléments véridiques et de différents témoignages de personnes travaillant dans des multinationales similaires.  Pierre Jolivet a également fait part de son désir d’aller de plus en plus vers la comédie, ce qui n’empêche pas les sujets graves et profonds comme c’est le cas dans cette « très très grande entreprise ». La conversation se serait sans doute prolongée s’il n’avait fallu libérer la salle. Toutes les bonnes choses ont une fin…en attendant le prochain événement « in the mood for cinema »…

 Remarques :

- Le footballeur Vikash Dhoraso fait une apparition... remarquée

-La musique est signée Manu Katché  (batteur et pianiste qui a notamment travaillé avec Sting et Peter Gabriel)

-Pierre Jolivet était membre du jury du 34ème Festival du Cinéma de Deauville.

-Sortie en salles en France : le 5 novembre 2008

 Merci à Blogbang et Pathé distribution pour l’accueil et à Pierre Jolivet pour sa curiosité et son enthousiasme.

 Lien, la page de Pathé distribution consacrée au film : http://www.pathedistribution.com/accueil/filmavenir.php?IDFilm=1727

 FILMOGRAPHIE DE PIERRE JOLIVET

-En tant qu’acteur : 

 Zim and co. (2005), de Pierre Jolivet

Mon idole (2002), de Guillaume Canet

 Ma petite entreprise (1999), de Pierre Jolivet

 Amour et confusions (1997), de Patrick Braoudé

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993), de Pierre Jolivet

 Le Complexe du Kangourou (1986), de Pierre Jolivet

 Le Dernier combat (1983), de Luc Besson

 L'Avant dernier (1981), de Luc Besson

 Salut, j'arrive (1981), de Gérard Poteau

 Alors... heureux ? (1980), de Claude Barrois

 Le Désert de Pigalle (1958), de Leo Joannon

 -En tant que réalisateur :

 La Très très grande entreprise (2008)

 Je crois que je l'aime (2007)

 Zim and co. (2005)

 Filles Uniques (2003)

 Le Frère du guerrier (2002)

 Ma petite entreprise (1999)

 En plein cœur (1998)

 Fred (1997)

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993)

 Simple mortel (1991)

 Force majeure (1989)

 Le Complexe du Kangourou (1986)

 Strictement personnel (1985)

 -En tant que scénariste :

 La Très très grande entreprise (2008), de Pierre Jolivet

 Je crois que je l'aime (2007), de Pierre Jolivet

 Zim and co. (2005), de Pierre Jolivet

 Filles Uniques (2003), de Pierre Jolivet

 Le Frère du guerrier (2002), de Pierre Jolivet

 Ma petite entreprise (1999), de Pierre Jolivet

 Fred (1997), de Pierre Jolivet

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993), de Pierre Jolivet

 Fortune express (1991), de Olivier Schatzky

 Simple mortel (1991), de Pierre Jolivet

 Force majeure (1989), de Pierre Jolivet

 Le Complexe du Kangourou (1986), de Pierre Jolivet

 Subway (1985), de Luc Besson

 Strictement personnel (1985), de Pierre Jolivet

 Le Dernier combat (1983), de Luc Besson

 L'Avant dernier (1981), de Luc Besson

 Alors... heureux ? (1980), de Claude Barrois

 -En tant que producteur :

 -Strictement personnel (1985), de Pierre Jolivet

 -En tant que dialoguiste

 La Très très grande entreprise (2008), de Pierre Jolivet

 Le Frère du guerrier (2002), de Pierre Jolivet

 -En tant que conseiller technique :

 Mon idole (2002), de Guillaume Canet

 -En tant que scénariste (version originale) :

 Loin du paradis (1999), de Joseph Ruben