cinéma - Page 17

2022 21/11
Spectacle symphonique "Claude Lelouch, d'un film à l'autre" : l'inoubliable hymne à la vie de Claude Lelouch pour ses 85 ans !

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Éperdument vivants. Ainsi sont presque toujours les personnages dans les films de Claude Lelouch. Ainsi nous donnent-ils encore plus envie d’être. Dans Un homme et une femme, Jean-Louis Duroc (Trintignant) demande à Anne Gauthier (Anouk Aimée), citant Giacometti « Qu'est-ce que vous choisiriez : l'art ou la vie ? ». Lelouch n'a certainement pas choisi, ayant réussi a insufflé de l'art dans la vie de ses personnages et de la vie dans son art. Son cinéma, c'est de l'art qui transpire la vie. Et, hier soir, chaque seconde transpirait la vie.

C’est par son fameux court-métrage, sa trépidante traversée de Paris de huit minutes, C’était un rendez-vous, qu’a débuté cette soirée unique. Hier soir, au Palais des Congrès, c’était effectivement un sacré rendez-vous. Un rendez-vous avec mes premiers émois de cinéma. Un rendez-vous avec certains des films qui me l’ont fait aimer, comme on devrait toujours aimer : la vie, les êtres chers, le septième art. Passionnément. Inconditionnellement. Par ce concert exceptionnel au Palais des Congrès, avec les 80 musiciens de l’orchestre philarmonique de Prague, Claude Lelouch a célébré ses 85 ans....enfin pardon ses...8+5=13 ans ! Une soirée qui, comme chacun de ses films, aspirait à nous faire « aimer un peu plus la vie » qui est « le plus grand cinéaste du monde », cette vie qu'il fait tournoyer sous sa caméra, et qu’il rend ainsi si vibrante et intense. Dans chacun de ses films, la vie est un jeu. Dénué de tiédeur. Sublime et dangereux. Grave et léger. Un jeu de hasards et coïncidences. Le cinéma, son cinéma, l’est aussi.

« C’est l’irrationnel qui invente notre vie. La musique est ce qui parle le mieux à notre irrationnel » a coutume de dire Claude Lelouch. Alors, hier soir, l’irrationnel a déployé toute sa puissance pour nous embarquer dans un tourbillon d’émotions transcendé par la musique (surtout) de Francis Lai.

Cette soirée aurait pu être une scène d’un film de Lelouch, là où la frontière entre le cinéma et la réalité est si ténue. L’ouvreuse vend le programme sur l’air de « qui me dira » et déjà le cinéma empiète sur la réalité, lui procure une aura romanesque.

La vie de Lelouch a d’ailleurs débuté sous le signe du cinéma. C’est dans un cinéma qu’il se réfugia pendant la guerre. Et ses parents s’y sont rencontrés, pendant un film de Fred Astaire et Ginger Rogers, lesquels, des années plus tard, lui remettront son Oscar. Comme dans une scène d'un film de Lelouch glorifiant les hasards et coïncidences ! Il n’y a pas plus bel endroit pour s’abriter de la réalité qu’un cinéma après tout, non ?

Claude Lelouch n’a eu de cesse de sublimer la vie et les acteurs avec sa fougue communicative, sa réjouissante candeur, son regard enthousiaste, sa curiosité malicieuse. Bien que les critiques ne l’aient pas épargné, il est toujours resté fidèle à sa manière, singulière, de faire du cinéma, avec passion et sincérité, et fidélité : à la musique de Francis Lai (toujours enregistrée avant le tournage et diffusée sur le plateau), aux fragments de vérité, aux histoires d’amour éblouissantes, à sa vision romanesque de l’existence, à ses aphorismes, aux sentiments grandiloquents et à la beauté (parfois terrible) des hasards et coïncidences.

Quel plaisir de revoir tous ces moments inoubliables de cinéma portés par la musique (essentiellement de Francis Lai qui a composé les musiques de 35 de ses 50 films) magistralement interprétée par l’orchestre philarmonique de Prague, de cet inénarrable Dabada mondialement célèbre repris par Nicole Croisille à la musique de son prochain film composée par Ibrahim Maalouf et jouée en exclusivité hier.

Que d’images et musiques inoubliables revues et réentendues hier ! La foule d’émotions qui passent sur le visage de Girardot à la fin d’Un homme qui me plaît jusqu’à son regard final, poignant, sur le magnifique Concerto pour la fin d’un amour. L’incroyable musique de western de ce film aussi. Ou encore ce couple magique et improbable interprété par Françoise Fabian et Lino Ventura dans le jubilatoire La bonne année (le film préféré de Kubrick, tandis qu’hier soir dans les messages enregistrés, Travolta déclarait que Un homme et une femme était son «film préféré de tous les temps» et Woody Allen que Lelouch était pour lui une source d’inspiration). Ce crescendo étourdissant et magistral du Boléro de Ravel plus bouleversant que jamais grâce à l’orchestre philarmonique et au montage des images des films de Lelouch. Ou encore la musique épique, flamboyante et lyrique de Itinéraire d’un enfant gâté qui, rappelez-vous, dans le film, accompagne d’abord les premières années de Sam Lion et les numéros de cirque étourdissants qui défilent (sans dialogues, juste avec la musique pour faire le lien) jusqu’à l’accident fatidique. Puis, les flashbacks qui alternent avec les vagues sur lesquelles flotte le navire de Sam Lion, des vagues qui balaient le passé. Rappelez-vous ces premières minutes bouleversantes, captivantes, montées et filmées sur un rythme effréné, celui sur lequel Sam Lion (ainsi appelé parce qu’il a été élevé dans un cirque) va vivre sa vie jusqu’à ce qu’il décide de disparaître.

Rappelez-vous aussi le « Montmartre 1540 » de Trintignant dans Un homme et une femme (c’est déjà un peu de la musique quand il le prononce, non ?). Ou des années plus tard dans Les plus belles années d’une vie quand soudain il s'illumine par la force des souvenirs de son grand amour, comme transfiguré, jeune, si jeune soudain. Et la majesté d'Anouk Aimée, sa grâce quand elle remet sa mèche de cheveux. Que d'intensité poétique et poignante lorsqu'ils se retrouvent et qu’ils sont l’un avec l’autre dans ce film des décennies après Un homme et une femme comme si le cinéma (et/ou l'amour) abolissai(en)t les frontières du temps et de la mémoire.

« Les plus belles années d’une vie sont celles qu’on n’a pas encore vécues ». Cette citation de Victor Hugo reprise dans le film précité résume au fond ce que nous racontent tous les films de Claude Lelouch. Et ce qu’a raconté cette soirée. Et ce sont cette liberté et cette naïveté presque irrévérencieuses qui me ravissent, n’en déplaise aux sinistres cyniques. Comme chacun des films de Lelouch, cette soirée était une déclaration d’amour avec ses touchantes maladresses et ses élans passionnés. Une déclaration au cinéma. Aux acteurs. À l’amour. Aux hasards et coïncidences. Un hymne à la vie. Au présent. À l’émerveillement. À la musique.

« Je ne suis pas un metteur en scène. Je suis un metteur en vie. Le plus grand scénariste, le meilleur dialoguiste, c’est la vie », « J’ai toujours privilégié l’émotion à la technique. L’émotion, c’est la vérité » répète régulièrement Claude Lelouch. « La musique c’est ce qui parle le mieux à notre instinct, qui interpelle notre cœur » dit-il aussi. Alors, hier, le mien était chamboulé.

« Chaque homme est seul et tous se fichent de tous et nos douleurs sont une île déserte ». Cette citation d’Albert Cohen ouvre Itinéraire d’un enfant gâté et place le film sous le sceau du pessimisme et de la solitude, impression que renforce la chanson interprétée par Nicole Croisille qui ouvre le film. « Qui me dira, les mots d’amour qui font si bien, du mal ? Qui me tiendra, quand tu iras décrocher toutes les étoiles ? Qui me voudra, avec le nez rouge, et le cœur en larmes ? Qui m’aimera, quand je n’serai plus que la moitié d’une femme ? » tandis qu’un petit garçon seul sur un manège attend désespérément sa mère. Un homme s’occupe de lui, découvre le carton qu’il a autour du cou et qui indique que sa mère l’a abandonné.

Rares sont les films qui émeuvent ainsi, dès les premiers plans et qui parviennent à maintenir cette note jusqu’au dénouement. Pour y parvenir, il fallait la subtile et improbable alliance d’ une musique fascinante comme un spectacle de cirque, d’acteurs phénoménaux au sommet de leur art, de dialogues réjouissants magistralement interprétés, un scénario ciselé, des paysages d’une beauté à couper le souffle, des histoires d’amour (celles qui ont jalonné la vie de Sam Lion, avec les femmes de sa vie, son grand amour décédé très jeune, sa seconde femme, sa fille Victoria pour qui il est un héros et un modèle et qui l’aime inconditionnellement, mais aussi celles d’Albert avec Victoria), jouer avec nos peurs (l’abandon, la disparition des êtres chers, le besoin de reconnaissance), nos fantasmes (disparaître pour un nouveau départ, le dépaysement) et les rêves impossibles (le retour des êtres chers disparus). Mais je digresse...

Hier soir, au contraire, nous n’étions plus sur l’île déserte. La musique est effectivement le meilleur des médicaments comme l’a dit hier soir Claude Lelouch. Un baume universel sur les âmes meurtries et les cœurs blessés. Bref, ce fut un grand moment. De musique. D’émotions. De cinéma. Sur scène, Calogero, Nicole Croisille, Barbara Pravi, Ibrahim Maalouf, Patrick Bruel, Thomas Dutronc, ont rejoint l'orchestre philarmonique pour interpréter les chansons extraites des BO des films de Claude Lelouch tandis que Didier Barbelivien lui a composé et interprété une chanson inédite et que Francis Huster lui a lu deux déclarations d'amour, l'une de la compagne de Claude Lelouch, la talentueuse écrivaine Valérie Perrin, et l'autre des acteurs qui ont tourné avec lui, nombreux dans la salle venus souhaiter un joyeux anniversaire à celui dont on espère qu'il continuera le plus longtemps possible à nous faire aimer la vie, ainsi, passionnément.

A l'issue du concert, Claude Lelouch est monté sur scène et, la voix étranglée par l'émotion, a déclaré : «A la fin de Guerre et Paix, Tolstoï disait, le plus difficile dans la vie, c'est d'aimer la vie. C'est ce que j'ai essayé de faire et à travers ces 50 films, d'essayer de vous faire partager cet amour que j'ai de la vie. Profitez-en. Vous ne pouvez pas savoir. Vous savez, je crois qu'on ne saura d'où l'on vient et où l'on va. Vous êtes arrivés dans un film qui avait commencé bien avant vous et vous serez obligés de vous barrer avant la fin du film. Alors profitez d'une seule chose, c'est le présent.» «La musique est la chose la plus importante de ma vie. C'est le meilleur des médicaments. Dès que j'ai un coup de blues, c'est à elle que je pense.»

Selon Platon « La musique donne une âme à nos cœurs, des ailes à notre pensée et un essor à l’imagination. » En sortant du Palais des Congrès hier, la pensée et l’imagination s’envolaient en effet vers un joyeux ailleurs. Comme dans un film de Lelouch… Qui me dira…♪♪♪... Merci et joyeux anniversaire Monsieur Lelouch !

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : IN THE MOOD FOR NEWS (actualité cinématographique) Tags : cinéma, palais des congrès, claude lelouch, film, spectacle symphonique, anniversaire, orchestre philarmonique de prague, musique, musique de film, francis lai, claude lelouch d'un film à l'autre 0 commentaire
2022 04/11
Programme de la 23ème édition du Arras Film Festival : du 4 au 13 novembre 2022

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Alors que les salles de cinéma subissent une baisse dramatique du nombre d’entrées, plus que jamais, je souhaite vous faire découvrir ici des pépites cinématographiques, que ce soit en sortant des sentiers battus ou en vous parlant des films dits populaires, en restant toujours fidèle à mon credo : n’évoquer que les films qui m’ont enthousiasmée, vous (re)donner le goût de la curiosité et de la découverte en salles, ce à quoi incite tout particulièrement l’Arras Film Festival qui s’intéresse à toutes les formes de cinéma comme le démontre son foisonnant programme que je vous détaille ci-dessous.

Après le Dinard Festival du Film Britannique (dont vous pouvez lire mon compte-rendu, ici), je vous donne ainsi rendez-vous le mois prochain pour l’Arras Film Festival qui aura lieu du 4 au 13 novembre 2022.

Pour cette 23ème édition, 120 longs métrages, dont 80 inédits ou avant-premières, seront projetés. Je me réjouis tout particulièrement de (vous faire) découvrir ce festival à la programmation très riche, qu’il s’agisse des avant-premières les plus attendus ou de films européens méconnus. Ce festival a en effet pour objectif de promouvoir la diversité du cinéma, et plus particulièrement du cinéma européen qui « joue un rôle essentiel dans la diffusion et la promotion des films, l’émergence de jeunes talents et l’éducation aux images. »

Pendant 10 jours, chaque année, ce sont près de 50000 spectateurs, et plus de 500 professionnels et journalistes venus de toute l’Europe qui assistent au festival. Au programme : un « savant mélange de films populaires, d’œuvres exigeantes et de films que l’on ne voit nulle part ailleurs » :

- des avant-premières en présence des équipes parmi lesquelles les très tentants derniers films de : Philippe Lioret, Eric Lartigau, Clovis Cornillac (le très attendu Couleurs de l’incendie, adaptation du livre éponyme de Pierre Lemaitre, suite de la saga initiée par Au revoir là-haut), Bruno Chiche (Maestro(s)), Roschdy Zem, Gad Elmaleh, Rachid Bouchareb, Anne Le Ny…

- des avant-premières « toiles de maîtres », des films de grands maîtres du cinéma international présentés en avant-première dont Les Banshees d’Inisherin de Martin McDonagh (Une fable tantôt caustique, tantôt tragique, constamment déroutante dont je vous parle ici) mais encore The lost king de Stephen Frears...

- des avant-premières de films tournés dans la région des Hauts-de-France dont Le Prix du passage de Thierry Binisti, cinéaste dont je vous parle souvent ici qui a notamment réalisé le sublime Une bouteille à la mer, ou encore Saint Omer d’Alice Diop (Lion d'argent de la Mostra de Venise 2022), Un hiver en été de Laetitia Masson, La guerre des Lulus de Yann Samuell...

- une compétition de films européens projetés pour la première fois en France, 9 longs-métrages en présence des réalisateurs et producteurs en provenance de Hongrie, Slovaquie, Pologne, Serbie, Roumanie, Belgique, Ukraine, République tchèque…

- une sélection d’œuvres fortes, drôles, parfois même décalées, proposées dans le cadre des sections Visions de l’Est, des avant-premières ou des films inédits provenant de pays d’Europe centrale ou orientale...

- des découvertes européennes, une sélection de longs-métrages inédits ou en avant-première pour mettre en valeur les nouveaux talents du cinéma européen, l’occasion notamment de découvrir Corsage de Marie Kreutzer, primé du Prix de la Meilleure création sonore du Festival de Cannes 2022 ou encore The quiet girl de Colm Bairead qui a atteint des sommets au box-office britannique...

- mais aussi un focus sur le cinéma espagnol avec une sélection de longs-métrages en avant-première ou inédits pour mettre en valeur les talents du cinéma espagnol actuel...

- des perspectives du cinéma français avec une sélection de longs-métrages inédits ou en avant-première pour mettre en valeur les nouveaux talents du cinéma français avec, notamment, Amore mio de Guillaume Gouix...

- et Cinémas du monde : une sélection de longs-métrages pour découvrir d’autres cultures et approcher les problématiques du monde actuel avec des films en provenance du Japon, du Chili, de Turquie ou d’Algérie avec le dernier film de Mounia Meddour, Houria,...

- Les enfants et les familles ne sont pas oubliés avec de belles avant-premières, ainsi que des animations ludiques et pédagogiques, certaines s’adressant tout particulièrement aux établissements scolaires...

- une rétrospective de 12 films sur le thème Victoria, une Reine, un Empire avec des œuvres aussi formidables et diverses que Oliver Twist de David Lean, Khartoum de Basil Darden, L’homme qui voulut être roi de John Houston, Elephant man de David Lynch, Confident royal de Stephen Frears...

- une sélection de grands chefs-d’œuvre d’Europe de l’Est proposés dans le cadre des 70 ans de la revue Positif comme Cendres et diamants de Wajda, Le temps des Gitans de Kusturica ou encore 4 mois, 3 semaines, 2 jours de Cristian Mungiu...

- des ciné-concerts avec notamment Paris qui dort de René Clair, en version restaurée par la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé accompagnée par l’Ensemble Ciné-Concert du Conservatoire d’Arras sous la direction de Jacques Cambra...

- mais aussi une programmation pour les professionnels avec :

- les Arras days, plateforme de coproduction au concept atypique et innovant dont la 11ème édition aura lieu les 12 et 13 novembre avec, notamment, une table ronde co-organisée avec l’ARP, l'ACAP et Pictanovo sur le thème de « L’aventure du premier film », le samedi 12 novembre de 10h à 11h.

- la 16ème édition des rencontres professionnelles du Nord, du 8 au 10 novembre 2022. Près de 200 professionnels français et belges réunis pendant trois jours, plus de 10 projections de films en avant-première en présence des réalisateurs et des équipes, des présentations de line-up par les distributeurs, des moments d’échanges et de convivialité… Ce rendez-vous annuel unique au nord de Paris est proposé avec la Chambre Syndicale des cinémas du Nord-Pas de Calais. Inscriptions en ligne sur : www.lesrencontresprodunord.fr.

-Et enfin L'AFF passe son BAC. Lundi 7 novembre, de 9h30 à 17h. Pour la sixième année consécutive, l’Arras Film Festival, en partenariat avec le Rectorat de l’Académie de Lille, offre un stage pédagogique aux élèves de Première et Terminale des classes « L » et leurs enseignants, centré sur le film entrant au baccalauréat : LES VITELLONI de Federico Fellini (Italie, 1953).

Valérie Donzelli sera l’invité d’honneur de cette 23ème édition et sera la cinquième actrice-réalisatrice consécutive invitée d’honneur. Elle donnera une masterclass le jeudi 10 novembre, à l’Université d’Artois. Seront par ailleurs présentés une sélection de films représentant sa carrière d'actrice, ses 5 longs métrages en tant que réalisatrice, et sa série Nona et ses filles.

Thomas Lilti, présidera le jury Atlas qui décernera l’Atlas d’or et l’Atlas d’argent parmi une sélection de films européens en compétition. Il sera accompagné de Alix Poisson, Finnegan Oldfield, India Hair, Patrick Sobelman.

PROGRAMME COMPLET

Film d’ouverture

CHOEUR DE ROCKERS de Ida Techer et Luc Bricault avec Mathilde Seigner, Bernard Le Coq, Anne Benoit, Andréa Ferréol, Brigitte Roüan, Myriam Boyer ouvrira le festival.

Film de clôture

MON HÉROINE de Noémie Lefort (avec Pascale Arbillot, Louise Coldefy, Brigitte Fossey, Firmine Richard) sera projeté en clôture.

Avant-premières

16 ANS DE PHILIPPE LIORET

ANNIE COLÈRE DE BLANDINE LENOIR

L'ASTRONAUTE DE NICOLAS GIRAUD

C'EST MON HOMME DE GUILLAUME BUREAU

CET ÉTÉ-LÀ DE ERIC LARTIGAU

COULEURS DE L'INCENDIE DE CLOVIS CORNILLAC

DE GRANDES ESPÉRANCES DE SYLVAIN DESCLOUS

EN PLEIN FEU DE QUENTIN REYNAUD

LA GRANDE MAGIE DE NOÉMIE LVOVSKY

MAESTRO(S) DE BRUNO CHICHE

LES MIENS DE ROSCHDY ZEM

NOS FRANGINS DE RACHID BOUCHAREB

PLUS QUE JAMAIS DE EMILY ATEF

POUR LA FRANCE DE RACHID HAMI

RESTE UN PEU DE GAD ELMALEH

LES SURVIVANTS DE GUILLAUME RENUSSON

LES TÊTES GIVRÉES DE STÉPHANE CAZÈS

TOI NON PLUS TU N'AS RIEN VU DE BÉATRICE POLLE

LE TORRENT DE ANNE LE NY

AVANT-PREMIÈRES Toiles de maîtres

DES FILMS DE GRANDS MAÎTRES DU CINÉMA INTERNATIONAL PRÉSENTÉS EN AVANT-PREMIÈRE

LES BANSHEES D’INISHERIN DE MARTIN MCDONAGH

THE LOST KING DE STEPHEN FREARS

MES RENDEZ-VOUS AVEC LÉO DE SOPHIE HYDE

AVANT-PREMIÈRES Films produits en région

FILMS SOUTENUS PAR PICTANOVO AVEC L'AIDE DE LA RÉGION HAUTS-DE-FRANCE.

LES PIRES DE LISE AKOKA ET ROMANE GUERET

LE PRIX DU PASSAGE DE THIERRY BINISTI

SAINT OMER D'ALICE DIOP

UN HIVER EN ÉTÉ DE LAETITIA MASSON

LA GUERRE DES LULUS DE YANN SAMUELL

TEMPÊTE DE CHRISTIAN DUGUAY

COMPÉTITION EUROPÉENNE

9 LONGS-MÉTRAGES À DÉCOUVRIR EN EXCLUSIVITÉ EN PRÉSENCE DES RÉALISATEURS ET DES PRODUCTEURS

IL BOEMO DE PETR VÁCLAV

RÉPUBLIQUE TCHÈQUE / ITALIE / SLOVAQUIE

L'HOMME LE PLUS HEUREUX DU MONDE DE TEONA STRUGAR MITEVSKA

MACÉDOINE DU NORD

MEN OF DEEDS DE PAUL NEGOESCU

ROUMANIE

LUXEMBOURG, LUXEMBOURG DE ANTONIO LUKIC

UKRAINE

NOWHERE DE PETER MONSAERT

Belgique

SIX WEEKS DE NOÉMI VERONIKA SZAKONYI

HONGRIE

WOLKA DE ÁRNI ÓLAFUR ÁSGEIRSSON

ISLANDE, POLOGNE

WORKING CLASS HEROES DE MILOŠ PUŠIĆ

SERBIE

VISIONS DE L'EST

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE PROVENANT DES PAYS D'EUROPE CENTRALE ET ORIENTALE

AFTER THE WINTER DE IVAN BAKRAC

MONTÉNÉGRO

KLONDIKE DE MARYNA ER GORBACH

UKRAINE

METRONOM DE ALEXANDRU BELC

ROUMANIE

MIKADO DE EMANUEL PARVU

ROUMANIE

MOJA VESNA DE SARA KERN

SLOVÉNIE, AUSTRALIE

NATURAL LIGHT DE DÉNES NAGY

HONGRIE

Classiques

NOUS ÉTIONS JEUNES DE BINKA ZHELYAZKOVA

BULGARIE | 1961

LA PASSAGÈRE DE ANDRZEJ MUNK A

POLOGNE | 1961-1963

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES NOUVEAUX TALENTS DU CINÉMA EUROPÉEN

AILLEURS SI J'Y SUIS DE FRANÇOIS PIROT

Belgique

LA CONFÉRENCE DE MATTI GESCHÖNNECK

Allemagne

CORSAGE DE MARIE KREUTZER

AUTRICHE, LUXEMBOURG, ALLEMAGNE, France

DALVA DE EMMANUELLE NICOT

BELGIQUE, France

GODLAND DE GABRIELE MUCCINO

ISLANDE, DANEMARK, FRANCE, SUÈDE

NOSTALGIA DE MARIO

Italie

THE QUIET GIRL DE COLM BAIRÉAD

Irlande

RABIYE KURNAZ VS. GEORGE W. BUSH DE ANDREAS DRESEN

ALLEMAGNE, France

SICK OF MYSELF DE KRISTOFFER BORGLI

NORVÈGE

ONE IN A MILLION UN DOCUMENTAIRE DE JOYA THOMES

Allemagne

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES Focus sur le cinéma espagnol

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES TALENTS DU CINÉMA ESPAGNOL ACTUEL

JOSEFINA DE JAVIER MARCO

NOS SOLEILS DE CARLA SIMÓN

LES TOURNESOLS SAUVAGES DE JAIME ROSALES

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES Perspectives du cinéma français

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES NOUVEAUX TALENTS DU CINÉMA FRANÇAIS

AMORE MIO DE GUILLAUME GOUIX

BRILLANTES DE SYLVIE GAUTIER

LA MONTAGNE DE THOMAS SALVADOR

CINÉMAS DU MONDE

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES POUR DÉCOUVRIR D'AUTRES CULTURES ET APPROCHER LES PROBLÉMATIQUES DU MONDE ACTUEL

BLANQUITA DE FERNANDO GUZZONI

CHILI

BURNING DAYS DE EMIN ALPER

TURQUIE

LA FAMILLE ASADA DE RYÔTA NAKANO

JAPON

HOURIA DE MOUNIA MEDDOUR

ALGÉRIE

JOYLAND DE SAIM SADIQ

PAKISTAN

LE PIÈGE DE HUDA DE HANY ABU-ASSAD

PALESTINE

FESTIVAL DES ENFANTS

UNE SÉLECTION D’AVANT-PREMIÈRES POUR LES PLUS JEUNES

DOUNIA ET LA PRINCESSE D'ALEP DE MARYA ZARIF, ANDRÉ KADI

CANADA, France

ERNEST ET CELESTINE : LE VOYAGE EN CHARABIE DE JULIEN CHHENG, JEAN-CHRISTOPHE ROGER

France

LA GUERRE DES LULUS DE YANN SAMUELL

France

INTERDIT AUX CHIENS ET AUX ITALIENS DE ALAIN UGHETTO

FRANCE, ITALIE, BELGIQUE, SUISSE, Portugal

NENEH SUPERSTAR DE RAMZI BEN SLIMAN

France

OPÉRATION PÈRE NOËL DE MARC ROBINET

France

PIRO PIRO DE MIN SUNG AH, BAEK MIYOUNG

CORÉE | PROGRAMME DE 6 COURTS MÉTRAGES

TEMPÊTE DE CHRISTIAN DUGUAY

France

VIVE LE VENT D'HIVER ! DE MILEN VITANOV, MĀRA LINIŅA, BRITT RAES, ALEKSEY POCHIVALOV, MARINA MOSHKOVA

ALLEMAGNE, LETTONIE, BELGIQUE, RUSSIE

PROGRAMME DE 5 COURTS MÉTRAGES

MA PREMIÈRE SÉANCE A PARTIR DE 18 MOIS

RETROSPECTIVE VICTORIA, UNE REINE, UN EMPIRE

Le règne de Victoria 1ère, qui dura de 1837 à 1901, fut marqué par une impressionnante expansion de l’Empire britannique, devenu la première puissance mondiale, et par la révolution industrielle, période de grand changement social, économique et technologique. Cette rétrospective de 12 films propose un regard contrasté sur une époque où le meilleur pouvait côtoyer le pire.

OLIVER TWIST DE DAVID LEAN AVEC ROBERT NEWTON, ALEC GUINNESS, JOHN HOWARD DAVID, KAY WALSH 1H56 | GB | 1948

ZOULOU DE CY ENDFIELD AVEC STANLEY BAKER, MICHAEL CAINE, JACK HAWKINS, ULLA JACOBSSON 2H18 | GB | 1964

SHERLOCK HOLMES CONTRE JACK L'ÉVENTREUR DE JAMES HILL AVEC JOHN NEVILLE, DONALD HOUSTON, JOHN FRASER, ANTHONY QUAYLE 1H35 | GB | 1965

KHARTOUM DE BASIL DEARDEN AVEC CHARLTON HESTON, LAURENCE OLIVIER, RICHARD JOHNSON, RALPH RICHARDSON 2H14 | GB | 1966

LA CHARGE DE LA BRIGADE LÉGÈRE DE TONY RICHARDSON AVEC DAVID HEMMINGS, TREVOR HOWARD, VANESSA REDGRAVE, JOHN GIELGUD 2H19 | GB | 1968

L’HOMME QUI VOULUT ÊTRE ROI DE JOHN HUSTON AVEC SEAN CONNERY, MICHAEL CAINE, CHRISTOPHER PLUMMER 2H09 | GB | 1975

L’ULTIME ATTAQUE DE DOUGLAS HICKOX AVEC BURT LANCASTER, PETER O’TOOLE, SIMON WARD, DENHOLM ELLIOTT 1H53 | GB | 1979

ELEPHANT MAN DE DAVID LYNCH AVEC JOHN HURT, ANTHONY HOPKINS, ANNE BANCROFT, JOHN GIELGUD 2H03 | GB-USA | 1980

AUX SOURCES DU NIL DE BOB RAFELSON AVEC PATRICK BERGIN, IAIN GLEN, RICHARD E. GRANT, FIONA SHAW 2H16 | USA-GB | 1990

LA DAME DE WINDSOR DE JOHN MADDEN AVEC JUDI DENCH, BILLY CONNOLLY, GEOFFREY PALMER, ANTHONY SHER 1H45 | GB | 1997

VICTORIA, LES JEUNES ANNÉES D'UNE REINE DE JEAN-MARC VALLÉE AVEC EMILY BLUNT, RUPERT FRIEND, PAUL BETTANY, MIRANDA RICHARDSON, JIM BROADBENT 1H42 | GB | CONFIDENT ROYAL DE STEPHEN FREARS AVEC JUDI DENCH, ALI FAZAL, TIM PIGOTT-SMITH, EDDIE IZZARD 1H51 | GB | 2017 2009

CARTE BLANCHE – 70 ANS DE LA REVUE POSITIF

Fidèle partenaire de l’Arras Film Festival, la revue Positif fête cette année ses 70 ans. A cette occasion, vous pourrez découvrir sept films d’Europe de l’Est, un par décennie, qui ont fait à leur époque la couverture de la revue et illustrent parfaitement son rôle dans la découverte de ces cinématographies et de leurs grands auteurs.

CENDRES ET DIAMANTS DE ANDRZEJ WAJDA AVEC ZBIGNIEW CYBULSKI, WACLAW ZASTRZEZYNSKI, EWA KRZYZEWSKA 1H43 | POLOGNE | 1958

UNE AFFAIRE DE CŒUR : LA TRAGÉDIE D’UNE EMPLOYÉE DES PTT DE DUSAN MAKAVEJEV AVEC EVA RAS, SLOBODAN ALIGRUDIC, RUZICA SOKIC 1H16 | YOUGOSLAVIE | 1967

LA RECONSTITUTION DE LUCIAN PINTILIE AVEC JOHN NEVILLE, DONALD HOUSTON, JOHN FRASER, ANTHONY QUAYLE 1H37 | ROUMANIE | 1968

LE TEMPS DES GITANS DE EMIR KUSTURICA AVEC DAVOR DUJMOVIC, BORA TODOROVIC, LJUBICA ADZOVIC 2H15 | YOUGOSLAVIE | 1989

LA DOUBLE VIE DE VÉRONIQUE DE KRZYSZTOF KIESLOWSKI AVEC IRÈNE JACOB, PHILIPPE VOLTER, SANDRINE DUMAS, ALEKSANDER BARDINI 1H38 | POLOGNE-FRANCE | 1991

4 MOIS, 3 SEMAINES, 2 JOURS DE CRISTIAN MUNGIU AVEC ANAMARICA MARINCA, LAURA VASILIU, VLAD IVANOV 1H53 | ROUMANIE | 2007

CORPS ET ÂME DE ILDIKÓ ENYEDI AVEC ALEXANDRA BORBELY, GEZA MORCSANYI, ZOLTAN SCHNEIDER 1H56 | HONGRIE | 2017

CINÉ-CONCERTS

Mardi 8 et mercredi 9 novembre à la Chapelle du Conservatoire à rayonnement départemental d'Arras.

OCEANIMATION Concerto LA RENCONTRE CROISÉE INTERDISCIPLINAIRE D’ARTISTES PORTUGAIS ET FRANÇAIS.

PARIS QUI DORT DE RENÉ CLAIR AVEC HENRI ROLLAN, MADELEINE RODRIGUE, ALBERT PRÉJEAN FRANCE | 1923

Version restaurée par la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé accompagnée par l’Ensemble Ciné-Concert du Conservatoire d’Arras sous la direction de Jacques Cambra. Copie : ADRC. E

Les Rencontres professionnelles du Nord

16ème édition, du 8 au 10 novembre 2022

Près de 200 professionnels français et belges réunis pendant trois jours, plus de 10 projections de films en avant-première en présence des réalisateurs et des équipes, des présentations de line-up par les distributeurs, des moments d’échanges et de convivialité… Ce rendez-vous annuel unique au nord de Paris est proposé avec la Chambre Syndicale des cinémas du Nord-Pas de Calais. Inscriptions en ligne sur : www.lesrencontresprodunord.fr

POINT D'INFORMATION

Au cinéma Mégarama

Du 24 octobre au 31 octobre

De 14h30 à 19h30 (sauf dimanches et mardi 1er novembre)

Du 2 au 4 novembre

De 9h30 à 21h30 (tous les jours)

Au Village du Festival

Du 5 au 13 novembre

De 10h30 à 19h (tous les jours)

Au téléphone : 09 72 60 45 72

TARIFS 2022

Pass festival : 70 €

Nominatif. Accès à toutes les séances sauf soirée d’ouverture sur retrait des tickets.

Billets à la séance

Tarif normal : 8 €

Tarif réduit : 6 € (-18 ans, étudiant(e)s, demandeur(se)s d’emploi, adhérent(e)s PlanSéquence + Di Dou Da, Colères du présent,

Université pour tous de l’Artois, membres du CMCAS sur présentation d’un justificatif)

Groupes scolaires : 3,50 €

Séance à tarif unique

Soirée d’ouverture, vendredi 4 novembre : 9 €

Abonnement 10 films : 48 €

Valable pour 1 à 2 personnes par séance sur retrait des tickets. Ne donne pas accès à la soirée d’ouverture.

Abonnement 5 films : 30,50 €

Valable pour 1 à 2 personnes par séance sur retrait des tickets.

Ne donne pas accès à la soirée d’ouverture.

BILLETTERIE PHYSIQUE

Cinéma Mégarama

48, Grand’Place

A partir du 24 octobre

Possibilité d’achat des pass, abonnements et billets pour la soirée d’ouverture.

De 14h30 à 19h30 (sauf dimanches et mardi 1er novembre)

A partir du 2 novembre

Possibilité d’achat de tous les billets y compris ceux correspondants aux pass et aux abonnements.

De 9h30 à 21h30 (tous les jours)

BILLETTERIE EN LIGNE

A partir du 20 octobre

Possibilité d’achat en ligne des pass, abonnements et billets pour la soirée d’ouverture.

A partir du 27 octobre

Possibilité d’achat en ligne de tous les billets (sauf tarif réduit) y compris ceux correspondant aux pass et aux abonnements sur arras.megarama.fr.

Pour en savoir plus, le site officiel du Arras Film Festival.

Un festival à suivre également sur twitter (@ArrasFilmFestiv) et instagram (@arrasfilm).

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : ARRAS FILM FESTIVAL 2022 Tags : arras, film, arras film festival 2022, 23ème arras film festival, cinéma, festival de cinéma 0 commentaire
2022 20/10
HALLELUJAH, LES MOTS DE LEONARD COHEN, documentaire de Dan Geller et Dayna Goldfine – Critique (au cinéma, le 19 octobre 2022)

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Le Festival du Cinéma Américain de Deauville a eu l’excellente idée de braquer ses projecteurs sur Leonard Cohen et l’histoire fascinante de sa chanson mythique, Hallellujah, avec ce documentaire sélectionné dans Les Docs de l’oncle Sam, section toujours synonyme de formidables découvertes comme L’Etat du Texas contre Melissa de Sabrina vVn Tassel, l’an passé. Cette chanson a fait le tour du monde et a souvent été utilisée au cinéma et, pourtant, qui en connaît véritablement le sens et l’histoire ? Combien sont ceux qui l’ont attribuée et l’attribuent encore à Jeff Buckley (comme certains chanteuses et chanteurs d’ailleurs dans le documentaire) ?

À la fin des années 60, Leonard Cohen signe, comme Bob Dylan, chez Columbia. A travers l’histoire de cette chanson au destin exceptionnel, le documentaire raconte comment Leonard Cohen s’est reconstruit et s’est affirmé comme l’un des artistes les plus importants de notre époque. Québécois, juif, avec sa voix très grave, austère même, Leonard Cohen trace sa propre route, atypique. Il sort ainsi son premier album, Songs of Leonard Cohen, en 1967, à 33 ans. Mais Leonard Cohen est auteur compositeur et poète et sa légende mettra des années à s’écrire, d’ailleurs aussi grâce à ce documentaire qui est un magnifique hommage à son immense talent d’auteur.

Cette passionnante histoire est aussi celle des affres de la création, des injustices du succès et d’une époque dans laquelle la diversité des médias facilite la vulgarisation des œuvres, sans pour autant que cette communication à outrance permette de connaître le sens profond des choses et leur origine. C’est un atout des documentaires, et de ce documentaire en particulier, que de permettre de redonner du temps au temps, de prendre du recul dans une époque d’immédiateté.

Nous découvrons la chanson à travers les yeux des personnes qui avaient participé à son enregistrement (le producteur et arrangeur John Lissauer), qui l’avaient chantée avec Leonard Cohen lui-même (Sharon Robinson) ou qui l’avaient reprise à leur compte (Judy Collins, Brandi Carlile, Rufus Wainwright) ou encore le rabbin Mordecai Finley, Nancy Bacal, son amie d’enfance depuis près de 80 ans, son amie Dominique Issermann), ainsi que ses compagnons intellectuels (Adrienne Clarkson, le compositeur Larry « Ratso » Sloman).

En 1984, la Colombia refusa de sortir aux Etats-Unis l'album de Leonard Cohen, Various Positions, qui comprenait la mythique chanson. « Leonard, tu es formidable mais le talent reste à voir » lui dira ainsi le très perspicace patron de la Columbia. L'album sort alors en toute discrétion, par une autre maison de disque. L'année dernière, elle fut choisie pour rendre hommage aux victimes du Covid lors d'une cérémonie à Washington devant le président Biden. Entre les deux, l’histoire de cette chanson est un vrai roman ! Une chanson au sens et aux paroles fluctuants tout au long de la vie de son auteur, de telle sorte que chacun a pu se l’approprier et même y apporter une signification différente à chaque moment de sa vie. Il existe 600 à 800 versions de Hallelujah dans le monde aujourd’hui. Les carnets dans lesquels Cohen écrivait au fil des années les différentes versions de ses couplets apparaissent ainsi pour la première fois à l’écran dans le documentaire et attestent du travail titanesque et du perfectionnisme acharné de l’auteur. Le nombre estimé de couplets variait ainsi de 80 à 350 selon la personne qui en racontait l’histoire. Cohen dit ainsi qu’il mit 7 ans à écrire la chanson.
« C'est un processus qui repose sur la persévérance. »

« Je suis auteur avant tout avec son lot de conflits intérieurs. Un auteur ne peut résoudre ses conflits que par l'écriture » dit aussi Leonard Cohen dans le documentaire. Il n’apporte pas forcément de réponses sur le sens de la chanson. On y apprend cependant que Leonard Cohen perd son père à 9 ans. C’est à cet âge qu’il enterre un poème une première fois comme un rituel religieux. Peut-être certains verraient-ils dans cet acte symbolique la clef d’une des chansons les plus mythiques de l’histoire dont il existe des centaines de versions et autant d’interprétations, du profane au religieux. En émane en tout cas une beauté sacrée, poétique, mystique, sensuelle, captivante, et profondément émouvante. Aussi charnelle que spirituelle.

La chanson connut plusieurs résurrections. Passée d’abord inaperçue, elle fut livrée au public par Bob Dylan qui la chantait lors de ses concerts. Puis il y eu les versions de John Cale (qui ne chantait pas les passages évoquant la religion) et Jeff Buckley (« s’il n’était pas mort, la chanson n’aurait pas eu un tel impact ») qui la firent connaître avant que Rufus Wainwright ne la reprenne pour la bande originale de Shrek (BO double disque de platine aux USA) et ne la fasse réellement exploser. Elle devient alors incontournable dans toutes les TV réalités musicales. Cohen observe avec amusement ce détournement qui la fait devenir plus populaire par ses interprètes d’un soir qui la chantent lors d’émissions que par son auteur qui se fait ainsi dépasser dans les classements.

Sa manageuse détournera ensuite son argent. Ruiné, après une retraite bouddhiste dans un monastère de Californie, Cohen devra à nouveau se renouveler et ressusciter. Il sort trois albums salués par la critique, Old Ideas (2012), Popular Problems (2014) et You Want It Darker (2016…sorti 16 jours avant sa mort), et un album posthume, le bien nommé Thanks for the Dance (2019). Et à plus de 80 ans, il effectue une tournée dans le monde entier…restant parfois 3 heures sur scène.

« La vie est une pièce bien écrite, si on exclut le 3eme acte. Dans mon cas, le début du 3ème acte est extrêmement bien écrit ». « Je n'ai pas vraiment trouvé ce que je cherchais mais je n'ai plus besoin de chercher. ». Malgré les centaines de versions de la chanson légendaire c’est Leonard Cohen qui véritablement l’incarnait, ainsi que toute la complexité des émotions qu’elle recelait. « Regardez autour de vous et vous verrez un monde impénétrable. Vous pouvez vous indigner ou dire alléluia. J'ai essayé de faire les deux.» Ainsi conclut-il ce passionnant documentaire qui rend hommage à la beauté éternelle de cette chanson mais avant tout au talent du poète unique qui l’écrivit. A ne pas manquer le 19 octobre au cinéma !

SONY MUSIC accompagne la sortie du film avec l’édition d’un best-of inédit de Leonard Cohen en CD et vinyle (édition limitée). Composé de 17 titres, HALLELUJAH & SONGS FROM HIS ALBUMS, comprend une performance livre inédite et inoubliable de Hallelujah lors du Festival de Glastonbury en 2008.

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : CRITIQUES DES FILMS A L'AFFICHE EN 2022 Tags : hallelujah, les mots de leonard cohen, leonard cohen, chanson, documentaire, critique, film, cinéma 0 commentaire
2022 17/10
Critique de ARMAGEDDON TIME de James Gray

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Après sa projection en compétition officielle à Cannes (dont il est reparti une fois de plus bredouille, et une fois de plus injustement), le huitième film de James Gray, Armageddon time, était projeté en avant-première dans le cadre de la section A l’heure de la Croisette du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville. James Gray est aussi l’invité d’honneur du Festival Lumière de Lyon qui lui rend hommage cette semaine.

Le (grand) cinéma est affaire de points de vue comme celui de James Gray dont le regard aiguisé se pose avec tellement de sensibilité sur les êtres que, dès les premiers plans, il vous captive même par une scène en apparence anodine dans une salle de classe. Celle du jeune Paul Graff (Michael Banks Repeta) qui vit dans le Queens, là où le cinéaste lui-même a habité dans son enfance. Alors que se profile l'arrivée de Reagan au pouvoir, Paul amoncèle les bêtises avec son ami Jonathan (Jaylin Webb). Il devra changer d'école et se retrouvera ensuite dans l’établissement scolaire au siège d'administration duquel siègent plusieurs membres de la famille Trump dont Fred, le père de Donald. Ses parents, Esther (Anne Hathaway) et Irving (Jeremy Strong), sont démunis face à ce fils pour lequel ils rêvent de réussite. Seul son grand-père (Anthony Hopkins) semble le comprendre…

Si James Gray a toujours raconté des histoires de famille déchirées, il recourait toujours au masque du polar ou du film noir pour les évoquer même si The Immigrant (un très grand film d’une mélancolie d’une beauté déchirante et lancinante qui nous envahit peu à peu et dont la force ravageuse explose au dernier plan et qui nous étreint longtemps encore après le générique de fin) était déjà inspiré des souvenirs de ses grands-parents, juifs ukrainiens arrivés aux États-Unis en 1923 dont l'histoire est ici à nouveau contée par le grand-père de Paul. Cette fois, James Gray lève le masque pour raconter une histoire très personnelle inspirée de son enfance.

En quelques plans, quelques phrases, notamment lors d'une séquence de dîner exemplaire (qui n'est pas sans rappeler une des premières scènes de Two lovers), James Gray croque chacun des personnages, leurs forces et fragilités et leurs relations, ou du moins telles qu'ils veulent qu'elles apparaissent.

Comme le monde dans lequel il évolue, le jeune Paul est en plein chambardement, vers l'âge adulte. S'il perd une part de son innocence, il y gagne ses raisons d'être un artiste : le désir de liberté et surtout de justice sous l'influence de son grand-père. Avec une extrême délicatesse, James Gray filme la relation de Paul avec ce dernier interprété par Anthony Hopkins et avec son ami Jonathan, abandonné de tous, victime d'un racisme plus ou moins latent et de l’indifférence sociale.

James Gray cherche à comprendre les raisons de chacun y compris celles du père violent de Paul et y compris les siennes qui le poussèrent à devenir cinéaste. Comme dans chacun de ses films, l'apparent, volontaire et relatif manichéisme initial n'est en effet là que pour laisser peu à peu place à des personnages infiniment nuancés et infiniment touchants qui essaient de vivre tant bien que mal malgré les plaies béantes, de l’existence et surtout de l’enfance.

La nuit nous appartient, pouvant sembler de prime abord manichéen, se dévoilait ainsi progressivement comme un film poignant constitué de parallèles et de contrastes savamment dosés, même si la nuit brouille les repères, donne des reflets changeants aux attitudes et aux visages. Un film noir sur lequel plane la fatalité. James Gray dissèque aussi les liens familiaux, plus forts que tout : la mort, la morale, le destin, la loi. Un film lyrique et parfois poétique, aussi : lorsque Eva Mendes déambule nonchalamment dans les brumes de fumées de cigarette dans un ralenti langoureux, on se dit que Wong Kar-Wai n’est pas si loin... même si ici les nuits ne sont pas couleur myrtille mais bleutées et grisâtres. La brume d’une des scènes finales rappellera d’ailleurs cette brume artificielle comme un écho à la fois ironique et tragique du destin.

La fin de l’enfance et de l’innocence est aussi celle d’un monde tout entier pour celui qui la vit, comme le jeune Paul dans Armageddon time, la fin de l'appréhension de la vie comme manichéenne (l'apparent manichéisme, on y revient), qui lui apprend les compromis que nécessite l’existence, que la frontière entre le bien et le mal est parfois si floue. C’est son « Armageddon time » en écho avec l’actualité d’alors, la peur d’une guerre nucléaire. C’est pour lui l’amère découverte de ses propres limites, de la trahison, de l’apprentissage de la mort, du racisme, des injustices. La mort du grand-père tant aimé, c’est la fin de cette part de rêve, et du sentiment d’éternité et d’invincibilité, la prise de conscience de la finitude des choses.

La sublime photographie de Darius Khondji aux accents automnaux renforce la sensation de mélancolie qui se dégage du film, douce puis plus âpre. James Gray filme l’intime avec grandeur et lui procure un souffle romanesque et émotionnel unique. Le jeune Michael Banks Repeta est absolument bluffant, et quel duo avec Anthony Hopkins qui incarne le personnage lumineux du grand-père après son rôle dans The Father où il redevenait lui-même cet enfant secoué de sanglots, prisonnier de sa prison mentale et de son habitation carcérale. Quelles images sublimes que celles du grand-père et du petit-fils dans cette lumière automnale, déclinante, et crépusculaire. Sublime et fascinante comme un dernier et vibrant sursaut de vie. James Gray n'a pas son pareil pour faire surgir l'émotion par un simple regard à travers la vitre, et vous bouleverser sans pour autant recourir à des facilités ou ficelles mélodramatiques. Une scène entre le père et le fils dans la voiture est aussi un exemple de subtilité, de nuance, d’émotion contenue.

Un film d’une tendre cruauté et d’une amère beauté, vous disais-je à propos de Two lovers. C’est à nouveau ainsi que je pourrais qualifier ce film. J’en profite donc pour vous recommander à nouveauTwo lovers (à voir aussi cette semaine au Festival Lumière de Lyon), ce thriller intime d’une vertigineuse sensibilité à l’image des sentiments, enivrants, qui s’emparent des personnages principaux, et de l’émotion qui s’empare du spectateur. Avec en plus cette merveilleuse bo entre jazz et opéra (même influence du jazz et même extrait de l’opéra de Donizetti, L’elisir d’amore, Una furtiva lagrima que dans le chef d’œuvre de Woody Allen, Match point, dans lequel on trouve la même élégance dans la mise en scène et la même dualité entre la femme brune et la femme blonde sans oublier également la référence commune à Dostoïevski, Crime et châtiment dans le film de Woody Allen, Les Nuits blanches dans Two lovers), un film dans lequel James Gray parvient à faire d’une histoire a priori simple un très grand film, à fleur de peau, d’une mélancolie, d’une poésie et d’une beauté déchirantes. Je pourrais en dire de même de Armageddon time qui, comme chacun de ses sept films précédents, témoigne de toute la sensibilité, la dualité, la complexité, la richesse du cinéma de James Gray. A voir au cinéma dès le 9 novembre 2022.

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : CRITIQUES DES FILMS A L'AFFICHE EN 2022 Tags : cinéma, critique, film, armageddon time, james gray, critique de armageddon time de james gray, festival lumière de lyon, festival de cannes 2022, festival du cinéma américain de deauville 2022, anthony hopkins 0 commentaire
2022 05/10
Compte-rendu et palmarès du 33ème Dinard Festival du Film Britannique

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Conte d’été de Rohmer. L’heure zéro de Pascal Thomas (adapté d’Agatha Christie). Deux films tournés à Dinard qui pourraient la résumer. Un décor de cinéma, entre le conte et le film à suspense, surplombé par Hitchcock, statue à la stature démiurgique. Ainsi est-elle aussi dans ma mémoire, kaléidoscopique, mêlant les souvenirs amoncelés là : d’enfance, de festivals, de films. Des souvenirs auxquels il faudra désormais ajouter ceux de cette enthousiasmante 33ème édition du Dinard Festival du Film Britannique.

Le panorama dinardais est à l’image du cinéma d’outre-Manche, d’une diversité admirable. Quel sentiment étrange que de se sentir (presque) à l'abri des turbulences glaçantes de l’actualité comme lors de chaque festival, celui-ci tout particulièrement, dans cette alcôve bretonne qui semble en être coupée, et en être aussi la quintessence de la beauté et de la poésie, un peu rugueuse parfois mais non moins envoûtante !

Avec son charme suranné, son élégance intemporelle et sa magie mystérieuse, Dinard était l’endroit idéal pour un festival d’où l’idée lancée par Thierry de la Fournière, il y a 33 ans. Hussam Hindi en fut le directeur artistique de 1996 à 2019, remplacé ensuite par Dominique Green.

Je vous ai souvent parlé de ce festival dont j’ai eu le plaisir de faire partie du jury en 1999 sous la présidence de la fantasque et fantastique Jane Birkin. Les ans écoulés n’ont rien changé au plaisir d’y retourner à de nombreuses reprises.

24 000 festivaliers étaient cette année au rendez-vous pour découvrir une programmation de qualité divisée en cinq sections thématiques : It’s Raining Men, Girl Power, Cinema – past, present & future, Eccentrics & Free Spirits, Irish Eyes in Dinard.

En ces temps si âpres pour le cinéma qui, à mon grand désarroi, tend de plus en plus à devenir une marchandise consommable et jetable, les festivals sont plus que jamais indispensables pour redonner le goût incomparable de la découverte des films en salles. Cette édition était particulièrement prometteuse à cet égard, notamment la compétition, six films parmi lesquels le jury présidé par José Garcia (accompagné de Oulaya Amamra, Georges Blagden, Sofia Essaïdi, Hugo Gélin, Adrian Lester et Alice Pol) a eu la passionnante mission de choisir le Hitchcock d’or 2022.

Les six films de la compétition que j’ai eu le plaisir de voir ont été à la hauteur de cette promesse avec, surtout, le film couronné du Hitchcock d’or, du prix du public et du prix d’interprétation féminine (rien que cela !) qui est pour moi un des grands films de cette année 2022 et qui méritait donc cette avalanche de récompenses.

« Qui pensons-nous être ? ». Telle était la question posée sur les murs du Palais des arts de Dinard. Question à laquelle devaient répondre les films de cette édition selon les mots de la directrice artistique du festival, Dominique Green, lors de la cérémonie d’ouverture du festival.

Tourmentée. Impétueuse. Romanesque. Flamboyante. Rebelle. Étrange. Exaltée. Ainsi pourrait être qualifiée la Manche dont le spectacle incomparable, à Dinard, inonde et ensorcelle le regard. Telle pourrait aussi être qualifiée l’héroïne du film Emily de Frances O’Connor (Emma Mackey). Ce film raconte la vie imaginaire de l’une des romancières les plus célèbres du monde, Emily Brontë, disparue trop tôt, à 30 ans. Un voyage initiatique d’une jeune femme rebelle vers la maturité. Le film explore les relations qui l’ont inspirée : sa relation brute et passionnée avec ses sœurs Charlotte et Anne, son premier amour douloureux et interdit pour Weightman, et l’attention qu’elle porte à son frère Branwell.

Cette première réalisation de Frances O'Connor dresse un portrait imaginaire de la célèbre romancière, aussi passionnant que bouleversant. Un éloge de la différence, de la liberté (avant tout celle de penser), de la puissance de l'écriture que l'auteure des Hauts de Hurlevent semble puiser autant dans les chagrins (l'amour, la mort, la solitude) que dans la sauvagerie et la rudesse des paysages du Yorkshire pour livrer cette écriture tempétueuse et poétique qui, comme ce film, nous emporte et nous enivre. Comme le panorama dinardais, finalement. La réalisation époustouflante pour un premier film (photographie sublime de Nanu Segal, richesse de la profondeur de champ, utilisation signifiante de la lumière), entre Jane Campion et James Ivory est à la hauteur de son (magnifique) sujet. Un hymne palpitant à la vie que l'écriture permet de sublimer, surmonter, exalter, romancer pour qu'elle devienne intensément romanesque à l'image de ce film qui est aussi enflammé et flamboyant, comme son héroïne, en contraste avec les paysages ombrageux du Yorkshire. Un film au romantisme sombre, envoûtant, parsemé de références au roman mythique d'Emily Brontë (entre embardées dans le genre fantastique - dont une remarquable scène de dîner qui est aussi un hommage à la force poignante et dévastatrice de l’imaginaire - et relation tumultueuse et passionnelle avec son frère) et qui interroge intelligemment les rapports entre la fiction et la vie d'un (ou une) auteur(e), la part de vérité qu’elle ou il y puise pour nourrir son art, qu’il s’agisse de s’y sauver ou de s’y perdre.

Le président du jury de ce 33ème Dinard Festival du Film Britannique, José Garcia, a ainsi déclaré : « On a été unanimes. Emily est un très grand film, très moderne alors qu'il est sur une base très classique. » Je vous reparlerai plus longuement de ce film vertigineux de beauté et d’intensité, dont la sortie en France est prévue pour mars 2023.

Le jury a tenu à créer un prix spécial pour All my friends hate me de Andrew Gaynord, un prix du « Best ensemble », prix d'interprétation collectif entièrement mérité pour une pléiade d’acteurs sur laquelle repose la réussite de ce long-métrage.

C’est l’anniversaire de Pete. Sa bande de copains, rencontrés à la fac, lui organise une fête à la campagne. Néanmoins, Pete est de plus en plus troublé par les blagues et les commentaires sarcastiques de ses amis. Alors que l’atmosphère passe de la gêne à la terreur et au surréalisme, Pete frôle le point de non-retour au cours de ce qui était censé être un joyeux week-end de retrouvailles.

La réussite de ce film repose avant tout sur le jeu polysémique des « camarades » de Pete. (Sont-ils foncièrement immatures ? Cruels ? Lui font-ils subir une mauvaise plaisanterie ? Pete manque-t-il tout simplement d’humour ?) Et sur l’interprétation de ce dernier en lequel la paranoïa s’insinue peu à peu, l’attitude de ses « amis » le renvoyant aux peurs de l’adolescence, celle d’être le mal-aimé, l’exclu. Le cadre ce vieux manoir perdu en pleine campagne hostile est parfait pour créer une atmosphère inquiétante aux accents horrifiques et pour faire perdre ses repères à Pete, objet de tous les reproches et toutes les rancœurs. Toujours à la frontière des genres, entre rire cynique (voire sinistre) et cauchemar, à la fois caustique, mordant, et d’une réjouissante étrangeté, ce film nous captive de la première à la dernière seconde en nous conduisant à essayer de comprendre la « règle du jeu », une partie de chasse nous rappelant d’ailleurs ici celle du film éponyme de Renoir.

Également au palmarès, avec un prix spécial du jury : The Almond and the Seahorse de Celyn Jones et Tom Stern, produit par Guillaume Gallienne.

Pour Gwen (Trine Dyrholm) c’est toujours 1999. Elle ne reconnaît pas le visage qu’elle voit dans le miroir, ni sa compagne Toni Charlotte Gainsbourg), bien qu’elles se réveillent ensemble tous les jours. Le passé de Joe (Celyn Jones), se délite et sa partenaire, Sarah (Rebel Wilson), craint d’être oubliée. Un médecin refuse de les abandonner, déterminé à ne pas les laisser dépérir. Les deux couples se retrouvent dans le service du docteur Falmer, spécialiste du cerveau.

Ce film est l’adaptation de la pièce de théâtre que Celyn Jones a écrite avec Kaite O’Reilly, dans laquelle il jouait déjà. Il incarne donc Joe, victime d'amnésie après un traumatisme crânien. Mais ce sont Charlotte Gainsbourg et Trine Dyrholm qui crèvent l’écran, les nuances subtiles de leur jeu atténuant les quelques lourdeurs et facilités scénaristiques.

L’amande et l’hippocampe sont ainsi deux régions cérébrales responsables de la mémoire. À travers ces destins entremêlés, ce sont les conséquences du traumatisme qui sont évoquées. Crânien pour les victimes. Et moral pour leurs accompagnants. Si le scénario n’évite pas certaines facilités, l’émotion finit par nous emporter, un constat lucide sur la maladie et ses effets dévastateurs sur l’entourage qui doit apprendre à continuer à vivre malgré cette plaie béante à l'âme (la leur et celles de leurs êtres chers). Se dégagent de ce film une profonde mélancolie mais aussi un regard à la fois empathique et sans concessions sur la maladie. La photographie est particulièrement soignée et pour cause puisqu’elle est signée Tom Stern qui a notamment souvent collaboré avec Clint Eastwood.

Absent du palmarès mais qui aurait mérité d’y figurer : Winners de Hassan Nazer. Dans une petite ville provinciale iranienne, les enfants travaillent dur pour faire vivre leur famille. Un jour, Yahya, neuf ans, et son amie Leyla trouvent une statuette scintillante dans le désert. Passionné de cinéma, Naser Khan, le patron de Yahya, décide de les aider à retrouver son propriétaire.

Alors que depuis la mort de Mahsa Amini les Iraniennes et les Iraniens luttent avec un admirable courage pour leur(s) liberté(s), Winners de Hassan Nazer, film en compétition anglo-iranien rendait un hommage malin et décalé à la puissance du cinéma mais aussi à celle du cinéma des cinéastes iraniens dont Jafar Panahi (et à l'un de ses chefs-d'œuvre, Taxi Téhéran, malicieusement cité) actuellement emprisonné. À travers l'histoire de Yahya, neuf ans, et de son amie Leyla qui trouvent une statuette scintillante dans le désert (un Oscar !), sous forme d'une fable maligne, Hassan Nazer montre les souffrances d’un pays dans lequel les enfants doivent trier les déchets pour (sur)vivre et dans lequel le cinéma représente une évasion merveilleuse, un Cinéma Paradiso (le film de Tornatore est d’ailleurs maintes fois cité). Ce quatrième long-métrage de Hassan Nazer fut primé par le public du festival d’Edimbourg. Tout comme son jeune interprète, Yahya, qui passait ses nuits à visionner des DVD en cachette, Hassan, lui, regardait des VHS. Contrôlé par les autorités iraniennes, il a intelligemment réussi à obtenir leur aval et malgré tout à évoquer l’état de son pays d’origine : « Les réalisateurs iraniens doivent être intelligents pour dire ce qu’ils ont à dire, sourit-il. Par nécessité. C’est cela qui rend les films iraniens uniques. » En sort un grand vainqueur : le cinéma, qui permet de rapprocher les êtres et d’éclairer la réalité.

Également en compétition, My old school de Jono McLeod. L’étonnante et véritable histoire de l’imposteur le plus célèbre d’Écosse. 1993 : Brandon, 16 ans, est le petit nouveau de l’école. Très vite, il devient le premier de la classe, réussit ses examens, se fait des amis et décroche même le rôle principal dans la comédie musicale de l’école. Il est l’élève modèle, jusqu’à ce que son secret soit révélé.

Mêlant animation, documentaire et reconstitution (l’imposteur prenant les traits d’Alan Cumming), ce film hybride vaut avant tout pour l’histoire qu’il conte et pour ce mélange des genres. Malheureusement, aussi fascinante soit cette histoire, les multiples répétitions des mêmes moments sous un angle différent finissent par devenir lassantes et insultantes pour l'intelligence du spectateur malgré l’inventivité indéniable de la réalisation.

Quant à Pirates de Reggie Yates, sixième film en compétition, il nous emmène un soir du Nouvel An 1999 lors duquel trois amis, jeunes adultes, s’aventurent dans les rues de Londres, déterminés à terminer l’année en beauté avant que leurs vies ne diffèrent irrémédiablement. Au volant d’une petite Peugeot 205, esquivant les petites amies et les gangs, Cappo, Two Tonne et Kidda sont prêts à tout pour se procurer des billets pour la meilleure fête du millénaire.

Le ton décalé so britisth, l’enthousiasme débridé et communicatif de ses jeunes interprètes (qui auraient eux aussi mérité un prix d’interprétation collectif !), le rythme trépidant, tout cela dégage un charme certain malgré l’immaturité des protagonistes, et parfois du scénario. Reste, comme dans le film précédent, une bande-son extrêmement entraînante, joyeuse et réussie. Pirates est ainsi un hommage à cette musique et à une époque révolue, des cassettes audio et des vieux téléphones portables. Un feel-good movie qui exhale une vitalité rafraîchissante.

Enfin, je tenais à évoquer deux films iconoclastes projetés lors de cette 33ème édition, au premier rang desquels Les Banshees d’Inisherin de Martin McDonagh. Un conte funeste et funèbre présenté en avant-première mondiale à la Mostra de Venise 2022 où il a remporté le prix du meilleur scénario et pour lequel Colin Farrell a remporté la Coupe Volpi de la meilleure interprétation masculine.

Sur Inisherin - une île isolée au large de la côte ouest de l'Irlande -, entre 1922 et 1923, en pleine guerre civile, deux compères de toujours, Padraic (Colin Farrell) et Colm (Brendan Gleeson), se retrouvent dans une impasse lorsque Colm décide du jour au lendemain de mettre fin à leur amitié. Abasourdi, Padraic n’accepte pas la situation et tente par tous les moyens de recoller les morceaux, avec le soutien de sa sœur Siobhan et de Dominic, un jeune insulaire un peu dérangé. Mais les efforts répétés de Padraic ne font que renforcer la détermination de son ancien ami et lorsque Colm finit par poser un ultimatum désespéré, les événements s’enveniment et vont avoir de terribles conséquences.

Après ses deux oscars pour 3 Billboards en 2018, Martin McDonagh retrouve les deux acteurs de son premier film, Bons baisers de Bruges, Colin Farrell et Brendan Gleeson film dans lequel se trouvait déjà ce mélange détonant d’humour et de noirceur. La guerre reste hors-champ mais l’atmosphère lourde qui imprègne l’île est celle d’une violence latente. L’incongruité de la situation et du postulat imposé par Colm à son ex-ami instille un malaise qui va crescendo et, au fil des minutes, le rire caustique se teinte de plus en plus d’angoissante gravité. L’isolement de cette île aux paysages époustouflants instaure un climat d’étrangeté avec ses autochtones peu affables entre un policier qui violente son fils, une épicière un peu trop curieuse et une vieille femme aux airs de sorcière métaphorisant la Mort. Padraic s’occupe de ses animaux (véritables personnages ici) mais le reste de son temps il ne fait pas grand-chose si ce n’est, normalement, bavarder au pub avec Colm (ou plutôt l’abreuver de bavardages abscons selon les dires de ce dernier). Colm préfère désormais écrire de la musique. L’équilibre des lieux semble bien fragile et, par son attitude absurde et résolue, Colm va venir le déstabiliser. Seule Siobhan semble agir avec raison et faire la seule chose qui s'impose : quitter ces lieux nocifs. Le drame prend peu à peu le pas sur la légèreté jusqu’à une certaine radicalité qui confine à la folie. Le film est parfois aussi aux frontières du fantastique. Mais ne rentre finalement dans aucun genre. Cette île est un reflet d’un monde dépassé par la violence forcément aussi absurde que le climat menaçant qui règne sur cette île que symbolise le comportement de Colm qui en devient alors l’allégorie. Le ton si singulier du film en constitue la richesse, portée par des comédiens exceptionnels, des premiers aux secondes rôles. Une fable tantôt caustique, tantôt tragique, constamment déroutante.

Parmi les incontournables moments forts de cette édition, il ne fallait pas manquer The Gallery de Paul Raschid, une véritable expérience en exclusivité à Dinard, projeté en présence de Paul Raschid et George Blagden. Le film a en effet été projeté pour la première fois en version intégrale dans une salle de cinéma…avec 18 fins possibles ! Une séance interactive particulièrement ludique qui a enthousiasmé les festivaliers et qui, loin d’être vaine, explore astucieusement l’idée du libre-arbitre.

Un marchand d'art est pris en otage par un portraitiste qui menace de faire exploser une bombe si ses exigences, qui changent constamment, ne sont pas satisfaites... Le public doit alors choisir entre un protagoniste masculin qui évoluera en 2021, et un protagoniste féminin en 1981. En votant à des instants clés, le spectateur décide de la suite de l’histoire ; la vie du protagoniste en dépend. Les rôles principaux de Morgan et Dorian sont joués par les deux mêmes acteurs dans les différentes versions. Ce film interactif investit un nouveau territoire, entre le cinéma et le jeu.

L’histoire se déroule ainsi en 1981 puis en 2021 et s’adapte parfaitement aux enjeux de chaque époque. En 1981, l’Angleterre est celle de Thatcher avec des troubles civils. Le personnage dont le spectateur guide les décisions est la conservatrice Morgan Haynes (Anna Popplewell). Elle s’apprête à exposer le portrait d’une personnalité politique réalisé par une artiste reconnue : Nicki Dryden-Smith (Rebecca Root). La veille, Dorian (George Blagden) s’introduit dans la galerie et la prend en otage. Dans la seconde version, l’Angleterre est celle du Brexit. Le pays est donc à nouveau divisé mais pour d’autres raisons cette fois. L’épidémie de Covid est aussi largement prise en compte. Le conservateur sur les décisions duquel nous influons est Morgan Haynes (George Blagden) qui expose le portrait d’une influenceuse. Cette fois, c’est une femme (Anna Popplewell) qui prend le galeriste en otage. Anna Popplewell et George Blagden. Popplewell sont particulièrement impressionnants, et la réussite de l'expérience tient sur leurs épaules et à la riche palette de leur jeu, aidée par des décors et costumes parfaitement en adéquation avec les différentes époques. Une expérience à vivre en festival !

L’éloge de l’étrangeté. Ainsi pourrait-on résumer les films de cette édition. Et dans un monde et un cinéma de plus en plus aseptisés, cette irrévérence toute britannique, cette exploration des méandres de l’âme, jusqu’aux frontières de l’irrationnel, fait un bien fou.

Quitter un festival, c’est toujours pour moi éprouver une foule de sentiments contradictoires, une sorte de joie teintée de nostalgie. Une joie nostalgique alors, doux oxymore. La nostalgie de quitter une sensation de jubilatoire irréalité. Mais c’est aussi la joie de retrouver le cocon de l’écriture, le plaisir inestimable de laisser les mots s’élancer dans le silence et me laisser transporter par leur musique, telle que l’entendait Stendhal :

« il faut que la musique commence par nous égarer pour nous faire regarder comme des possibles des choses que nous n’osions espérer ».

Oui, cette musique-là des mots celle qui nous laisse croire en l’impossible et nous égarer avec délices, et être qui l’on peut oser être, peut-être ainsi donc : tourmentée, impétueuse, romanesque, flamboyante, rebelle, étrange, exaltée. Revenir à Dinard c’est toujours plonger dans un bain de cinéma et de souvenirs teintés de nostalgie, et déplorer alors que le temps file comme cette mer couleur émeraude monte : à la vitesse d’un cheval au galop. Mais aussi, entre les volutes du passé et du cinéma, être à Dinard, c’est surtout respirer à pleins poumons l'air malgré tout consolant de la fameuse mer galopante. Et se laisser emporter par la puissance des rêves qu'elle insuffle.

En complément :

- le site officiel du festival

- une nouvelle intitulée À l'ombre d'Alfred qui a pour cadre le Festival de Dinard, à retrouver dans mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma, Les illusions parallèles – Editions du 38 – 2016 . Pour avoir un aperçu de ce recueil, je vous invite à écouter, Un certain 14 novembre, une des 16 autres nouvelles de ce recueil enregistrée en podcast, ici.

Photo ci-dessus prise lors de ma séance de dédicaces à la Librairie Nouvelles Impressions de Dinard pendant l'édition 2016 du Festival du Film Britannique.

- un texte sur mes souvenirs de jurée au festival dans le livre des 20 ans du festival, Flashback, en 2009,

- mais aussi, quelques années plus tard, en 2021, dans le livre 125 ans de cinéma au Pays de Dinard.

- mon compte-rendu de l’édition 2016 du Festival de Dinard

- mes nouvelles qui ont pour cadre Dinard enregistrées en podcast, à écouter sur Spotify en suivant les liens ci-dessous :

Les traits assassins

Eperdument

Un remerciement particulier à Gilles Lyon-Caen, attaché de presse du festival, pour l'organisation et l'accueil, parfaits.

À bientôt pour de nouvelles aventures cinématographiques, réelles ou romanesques…!

PALMARES du 33ème DINARD FESTIVAL DU FILM BRITANNIQUE

PRIX DU JURY | JURY PRIZES

Hitchcock d’Or Ciné+ | Best Film

Emily de Frances O’Connor

Hitchcock de la meilleure interprétation | Best Performance

Emma Mackey pour Emily

Prix spécial du jury Barrière | Special Prize

The Almond and the Seahorse de Celyn Jones & Tom Stern

Prix d’interprétation collectif | Best Ensemble

All my Friends Hate Me de Andrew Gaynord

PRIX DU PUBLIC | AUDIENCE AWARDS

Hitchcock du public long-métrage | Public Prize Hitchcock, Feature Film

Emily de Frances O’Connor

Hitchcock du public shortcuts | Public Prize Hitchcock, Best Short

Rat de Sarah Gordon

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : DINARD FESTIVAL DU FILM BRITANNIQUE 2022 Tags : dinard festival du film britannique 2022, 33ème dinard festival du film britannique, emily, frances o'connor, cinéma, dinard, cinéma britannique, film, films, festival de cinéma, festivals de cinéma 0 commentaire
2022 04/10
Festival Cinéroman de Nice 2022 : programme de la 4ème édition (5 au 9 octobre 2022)

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Selon François Truffaut, « Qu'on écrive un roman ou un scénario, on organise des rencontres, on vit avec des personnages ; c'est le même plaisir, le même travail, on intensifie la vie. » En tant que romancière, ayant en plus écrit des fictions sur le cinéma, ce Festival Cinéroman de Nice qui organise des ponts entre ces deux arts m’intéresse donc doublement et je ne pouvais pas ne pas évoquer ici ce formidable évènement dont ce sera cette année, déjà, la quatrième édition, du 5 au 9 octobre 2022.

Intensifier la vie, tel est un des nombreux points communs entre le cinéma et la littérature mais telle est aussi une des caractéristiques des festivals de cinéma. Bien que les œuvres cinématographiques adaptées de romans soient pléthoriques, peu nombreux sont finalement les festivals de cinéma consacrés au cinéma ET à la littérature. Et seul le Festival du Film du Croisic (« festival d’adaptations littéraires sur grand écran ») bénéficiait d’une véritable renommée jusqu'à la création de ce nouveau festival qui a donc une véritable carte à jouer, se situant en plus dans une ville qui est un véritable décor de film, indissociable du septième art, entre les très nombreux tournages qui s’y déroulèrent (parmi lesquels La Baie des anges de Jacques Demy ou Magic in the moonlight de Woody Allen et plus récemment Mascarade de Nicolas Bedos qui sera projeté dans le cadre du festival cette année) et la présence de la Cinémathèque de Nice mais aussi des mythiques Studios de la Victorine sans compter que la ville de Nice est en lice pour devenir capitale européenne de la Culture en 2028. Un festival d'autant plus nécessaire en cette période de désertion des salles (et rien ne vaut le jubilatoire bruissement d'impatience d'une salle de cinéma, non ?) d'une part et d'autre part à une époque où le travail du scénariste n'est pas toujours reconnu à sa juste valeur (et une adaptation requiert tout autant une méticulosité et un travail d'orfèvre qu'un scénario original).

Le cinéma compte ainsi un nombre incroyable de chefs-d’œuvre parmi les adaptations littéraires : Hiroshima mon amour d’Alain Resnais (adapté de Duras), Le Temps de l’innocence de Martin Scorsese (adapté de Edith Wharton), Gatsby le magnifique de Jack Clayton (adapté de Francis Scott Fitzgerald), Lettre d’une inconnue d’Ophüls (adapté de Zweig), La Bête humaine de Renoir (adapté de Zola) sans compter plus récemment Illusions perdues de Giannoli (adapté de Balzac) et tant d’autres.

Pour les fondateurs du Festival Cinéroman de Nice, Nathalie et Daniel Benoin (aux côtés desquels se trouvent Christophe Barratier et Carole Chétiennot pour coprésident et vice-présidente mais aussi Dominique Segall comme directeur attaché de presse), ce festival est « un véritable rendez-vous entre soleil et salle obscure, entre professionnels et public, entre écrivains, réalisateurs, acteurs, producteurs et l’ensemble de la profession du cinéma». Ils soulignent également que « après une reprise en fanfare en 2021, Cinéroman va rentrer dans une nouvelle ère qui va, dans les années à venir, conduire ce festival vers l’Europe ».

Cette année, dans cette optique d'orientation vers le cinéma européen, le scénariste et réalisateur anglais David Hare fera ainsi partie du jury présidé par Danièle Thompson également composé de Sabine Azema, David Foe,kinos, Ana Girardot, Pascale Arbillot et Pascal Elbé.

L’an passé, le jury avait récompensé The Father de Florian Zeller comme meilleur film. Un prix amplement mérité pour cette remarquable adaptation, la mise en scène et en abyme de la folie qui tisse sa toile arachnéenne et nous envahit et progressivement nous glace d’effroi. Pour cela, nul besoin d’artifices mais un scénario, brillant, de Christopher Hampton et Florian Zeller, qui nous fait expérimenter ce chaos intérieur. L’interprétation magistrale d’Anthony Hopkins y est aussi pour beaucoup, jouant de la confusion entre son personnage (qui s’appelle d’ailleurs, à dessein, Anthony) et l’homme vieillissant qui l’incarne. Comment ne pas être bouleversée quand The Father redevient un enfant inconsolable secoué de sanglots, réclamant que sa maman vienne le chercher, l’emmener loin de cette prison mentale et de cette habitation carcérale ? Il y a parfois des brûlures nécessaires pour nous rappeler la glaçante vanité de l’existence mais aussi pour nous rappeler de ne pas oublier l’essentiel : les sentiments, la fugacité du bonheur et de la mémoire, la fuite inexorable du temps qu’une montre ne suffit pas à retenir (ce n’est pas un hasard si c’est l’objet auquel s’accroche tant Anthony), la fragilité des êtres car il n’y a guère que sur un tableau (qui d’ailleurs finira aussi par disparaître) qu’une petite fille court sans jamais vieillir, sans jamais s’abîmer, sans jamais devoir mourir.

Pour cette 4ème édition, le Festival Cinéroman de Nice propose ainsi 11 films en avant-première, 9 films en compétitions et 10 films cultes mais aussi des lectures, hommages et rencontres. Parmi les avant-premières, Simone, le voyage du siècle, d’Olivier Dahan retraçant la vie de la niçoise Simone Veil ou encore Couleurs de l’incendie réalisé par Clovis Cornillac d’’après le roman éponyme de Pierre Lemaître (en ouverture) mais aussi Maestro(s) réalisé par Bruno Chiche d’après le roman Footnote de Joseph Cedar, film primé lors du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2022 (dont vous pouvez lire mon compte-rendu, ici).

En compétition, vous pourrez notamment découvrir le remarquable Adieu Monsieur Haffmann de Fred Cavayé, adapté par Fred Cavayé (de sa pièce de théâtre éponyme) et par Sarah Kaminsky, film noir en huis clos sur la face sombre de l’âme humaine. Toujours en compétition vous trouverez L’évènement d’Audrey Diwan, Lion d’or 2021, d’après l’adaptation du livre d’Annie Ernaux, ou encore Les volets verts de Jacques Becker, adapté par Jean-Loup Dabadie d’après le roman éponyme de Simenon qui se clôt sur quelques notes de Barbara chantées par Depardieu qui incarne un acteur au crépuscule de sa vie, un film qui, rien pour cela (et Fanny Ardant, toujours aussi flamboyante), vaut le déplacement.

La section "films cultes" permettra aux festivaliers de revoir des classiques incontournables comme Vincent, François, Paul et les autres et Les Choses de la vie de Claude Sautet (dont vous pourrez lire ma critique ci-dessous) à l’occasion d’un hommage au si talentueux scénariste qu’était Jean-Loup Dabadie, mais aussi d’assister à des rencontres notamment avec Joann Sfar, autour de son conte poétique Gainsbourg, vie héroïque ou encore à un hommage à Jean-Paul Rappeneau avec une masterclass de ce dernier et une projection de son chef-d’œuvre Cyrano de Bergerac mais aussi de son film Le Hussard sur le toit.

Également au programme : un hommage à Jean Becker avec la projection de L’été meurtrier mais aussi les projections de Tchao Pantin de Claude Berri (d’après le roman d’Alain Page), Stupeurs et tremblements d’Alain Corneau (d’après le roman d’Amélie Nothomb) et une séance jeune public avec La fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattoti (adapté de l’œuvre d’Alain Page). Mais aussi une lecture et débat d'Anne Parillaud animée par Vanessa Schneider, une masterclass avec Christophe Ono Dit Biot, une masterclass avec David Hare, une lecture et débat de François Berléand, Samuel Le Bihan et Daniel Benoin, une rencontre avec Sylvie Testud, une masterclass de Patrick Mille et Justine Lévy animée par Vanessa Schneider, un débat avec le jury du festival...

Parmi les invités de cette édition (en plus des membres du jury précités), sont d'ores et déjà annoncés : Isabelle Adjani, Fanny Ardant, Olivier Dahan, Marina Foïs, Léa Drucker, Clovis Cornillac, Carmen Kassovitz, José Garcia, Marine Vacth, Benoît Poelvoorde, Anne le Ny, Guillaume De Tonquédec, Elsa Zylberstein, Aure Atika, François Cluzet, Hugo Becker, Nicolas Bedos, Frédéric Beigbeder, Vanessa Schneider, Alice Isaaz, Isabelle Huppert, Rossy de Palma, Yvan Attal, François-Xavier Demaison, Roschdy Zem, Rebecca Marder, Charles Berling, Laura Morante, Pio Marmaï...

Je vous invite à découvrir l'enthousiasmant programme de cette 4ème édition du Festival Cinéroman de Nice ci-dessous.

Pour en savoir plus : le site officiel du festival, ses comptes Instagram (@festivalcineroman) et Twitter (@FestCineRoman), et sa page Facebook.

Cet article sera complété en cas d'éventuels ajouts de programmation.

LES 10 FILMS EN COMPETITION

(Projetés au cinéma Pathé Gare du Sud de Nice)

1. Adieu Monsieur Haffmann réalisé par FRED CAVAYÉ

AVEC DANIEL AUTEUIL, GILLES LELLOUCHE, SARA GIRAUDEAU

Adapté par : Fred Cavayé et Sarah Kaminsky

2. Azuro réalisé par MATTHIEU ROZÉ

AVEC VALÉRIE DONZELLI, THOMAS SCIMECANYANNICK CHOIRAT, FLORENCE LOIRET-CAILLE

Adapté par : Matthieu Rozé et Julie Peyr
D’après le roman «Les Petits Chevaux de Tarquinia » de Marguerite Duras

3. Canailles réalisé par CHRISTOPHE OFFENSTEIN

AVEC FRANÇOIS CLUZET, JOSÉ GARCIA, DORIA TILLIER

Adapté par : Jessica Palud
D’après le roman «Une canaille et demie » de lain Levison

4. Enquête sur un scandale d’état réalisé parTHIERRY DE PERETTI

AVEC ROSCHDY ZEM, PIO MARMAÏ, VINCENT LINDON

Adapté par Thierry de Peretti et Jeanne Aptekman

D’après le roman «L’Infiltré» de d’Emmanuel Fansten et Hubert Avoine

5. L’Affaire Collini réalisé par MARCO KREUZPAINTNER

AVEC ELYAS M’BAREK, ALEXANDRA MARIE LARA, HEINER LAUTERBACH

Adapté par Christian Zübert, Robert Gold, Jens-Frederik Otto

D’après le roman éponyme de Ferdinand von Schirach

6. L’Evènement réalisé par AUDREY DIWAN

AVEC ANAMARIA VARTOLOMEI, KACEY MOTTET KLEIN, LUÀNA BAJRAMI, LOUISE ORRY-DIQUÉRO, LOUISE CHEVILLOTTE, PIO MARMAÏ, SANDRINE BONNAIRE, ANNA MOUGLALIS

Adapté par Audrey Diwan et Marcia Romano
D’après le roman d’Annie Ernaux

7. La Dégustation réalisé par IVAN CALBÉRAC

AVEC BERNARD CAMPAN, ISABELLE CARRÉ

Adapté par Ivan Calbérac
D’après le roman de Ivan Calbérac

8. Les Volets verts réalisé par JEAN BECKER

AVEC GÉRARD DEPARDIEU, FANNY ARDANT, BENOIT POELVOORDE, STEFI CELMA, ANOUK GRINBERG, FRED TESTOT

Adapté par Jean-Loup Dabadie
D’après le roman éponyme de Georges Simenon

9. Maigret réalisé par PATRICE LECONTE

AVEC GÉRARD DEPARDIEU, JADE LEBESTE, MÉLANIE BERNIER, AURORE CLÉMENT

Adapté par Patrice Leconte et Jérôme Tonnerre
D’après le roman «Maigret et la jeune morte » de Georges Simenon

10. ...

LES FILMS EN AVANT-PREMIERE

1. Couleurs de l’incendie réalisé par CLOVIS CORNILLAC

EN PRÉSENCE DE CLOVIS CORNILLAC, ALICE ISAAZ ET LÉA DRUCKER

AVEC LÉA DRUCKER, BENOIT POELVOORDE, ALICE ISAAZ, FANNY ARDANT, OLIVIER GOURMET

D’après le roman «Couleurs de l’Incendie» de Pierre Lemaître

2. Le Torrent réalisé par ANNE LE NY

JOSÉ GARCIA, CAPUCINE VALAMRY, ANDRÉ DUSSOLLIER, CHRISTIANE MILLET, ZÉPHYR ELIS, ANNE LE NY

3. Tempête réalisé par CHRISTIAN DUGUAY

AVEC MÉLANIE LAURENT, PIO MARMAÏ, KACEY MOTTEIT KLEIN, CARMEN KASSOVITZ, HUGO BECKER

D’après le roman«Tempête au Harras » de Chris Donner

4. La Maison réalisé par ANNISSA BONNEFONT

AVEC ANA GIRARDOT, AURE ATIKA, ROSSY DE PALMA, PHILIPPE REBBOT, YANICK RENIER

D’après le roman d’Emma Becker

5. Arrête avec tes mensonges réalisé par OLIVIER PEYON

AVEC GUILLAUME DE TONQUÉDEC, VICTOR BELMONDO, GUILAINE LONDEZ

D’après le roman éponyme de Philippe Besson

6. Simone réalisé par OLIVIER DAHAN

AVEC ELSA ZYLBERSTEIN, REBECCA MARDER, ELODIE BOUCHEZ, OLIVIER GOURMET, JUDITH CHEMLA

7. Cet été-là réalisé par ERIC LARTIGAU

AVEC MARINA FOÏS, GAËL GARCIA BERNAL, CHIARA MASTROIANNI, ADÈLE WISMES, ANGELA MOLINA

EN PRÉSENCE DE BENOÎT POELVOORDE

Adapté par Ivan Calbérac d’après le roman «Cet été-là»

8. Mascarade réalisé par NICOLAS BEDOS

PIERRE NINEY, ISABELLE ADJANI, FRANÇOIS CLUZET, MARINE VACTH, EMMANUELLE DEVOS, LAURA MORANTE, CHARLES BERLING

9. Maestro(s) réalisé par BRUNO CHICHE

AVEC YVAN ATTAL, PIERRE ARDITI, MIOU MIOU, CAROLINE ANGLADE, PASCALE ARBILLOT

D’après le roman «Footnote » de Joseph Cedar

FILMS CULTES

(Projetés à La Cinémathèque de Nice)

Rencontre avec Joann Sfar

GAINSBOURG (VIE HEROIQUE)

PRÉSENTÉ PAR JOANN SFAR

LA DAME DE L’AUTO AVEC DES LUNETTES

Hommage à Jean-Loup Dabadie

VINCENT, FRANÇOIS, PAUL ET LES AUTRES

RÉALISÉ PAR CLAUDE SAUNET 1974. ADAPTÉ AU CINEMA PAR JEAN-LOUP DABADIE EN PRÉSENCE DE NICOLAS BEDOS

LES CHOSES DE LA VIE

RÉALISÉ PAR CLAUDE SAUNET 1970. ADAPTÉ AU CINEMA PAR JEAN-LOUP DABADIE

Hommage à Jean-Paul Rappeneau

MASTERCLASS DU RÉALISATEUR JEAN-PAUL RAPPENEAU, ANIMÉ PAR CLARA LAURENT, AUTEUR ET JOURNALISTE

LE HUSSARD SUR LE TOIT

EN PRÉSENCE DE JEAN-PAUL RAPPENEAU

Réalisé par : Jean-Paul Rappeneau 1995.

CYRANO DE BERGERAC

EN PRÉSENCE DE JEAN-PAUL RAPPENEAU

Réalisé par : Jean-Paul Rappeneau 1995.

Hommage à Jean Becker

L’ÉTÉ MEURTRIER

Réalisé par : Jean Becker 1983
D’après le roman de Sébastien Japistrot

Claude Berri

TCHAO PANTIN

Réalisé par : Claude Berri 1983
D’après le roman d’Alain Page

Alain Corneau

STUPEURS ET TREMBLEMENTS

EN PRÉSENCE DE SYLVIE TESTUD

Réalisé par : Alain Corneau 2003
D’après le roman d’Amélie Nothomb.

Séance jeune public

LA FAMEUSE INVASION DES OURS EN SICILE

Réalisé par : Lorenzo Mattoti 2019
D’après le roman de Alain Page

Critique LES CHOSES DE LA VIE de Claude Sautet

(projeté dans le cadre de l'hommage à Jean-Loup Dabadie)

Les choses de la vie est certainement le film de Sautet que j’ai le plus de mal à revoir tant il me bouleverse à chaque fois, sans doute parce qu’il met en scène ce que chacun redoute : la fatalité qui fauche une vie en plein vol. Le film est en effet placé d’emblée sous le sceau de la fatalité puisqu’il débute par un accident de voiture. Et une cacophonie et une confusion qui nous placent dans la tête de Pierre (Michel Piccoli). Cet accident est le prétexte à un remarquable montage qui permet une succession de flashbacks, comme autant de pièces d’un puzzle qui, reconstitué, compose le tableau de la personnalité de Pierre et de sa vie sentimentale.

Au volant de sa voiture, Pierre (Michel Piccoli donc), architecte d’une quarantaine d’années, est victime d’un accident. Éjecté du véhicule, il gît inconscient sur l’herbe au bord de la route. Il se remémore son passé, sa vie avec Hélène (Romy Schneider), une jeune femme qu’il voulait quitter, sa femme Catherine (Lea Massari) et son fils (Gérard Lartigau)...

Sur la tombe de Claude Sautet, au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance ». Voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma. Celui de la dissonance. De l’imprévu. De la note inattendue dans la quotidienneté. Et aussi parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique. Le tempo des films de Sautet est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l’impression qu’en changer une note ébranlerait l’ensemble de la composition.

Tous les films de Sautet se caractérisent d’ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l’on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d’être démesurément explicatif. C’est au contraire un cinéma de l’implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu’il « reste une fenêtre ouverte sur l’inconscient ».

Si son premier film, Classe tous risques, est un polar avec Lino Ventura et Jean-Paul Belmondo ( Bonjour sourire, une comédie, a été renié par Claude Sautet qui n’en avait assuré que la direction artistique), nous pouvons déjà y trouver ce fond de mélancolie qui caractérise tous ses films et notamment Les choses de la vie même si a priori Claude Sautet changeait radicalement de genre cinématographique avec cette adaptation d’un roman de Paul Guimard, écrite en collaboration avec Jean-Loup Dabadie.

« Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. » disait ainsi Truffaut. Et en effet, le principal atout des films de Sautet, c’est la virtuosité avec laquelle sont dépeints, filmés et interprétés ses personnages qui partent de stéréotypes pour nous faire découvrir des personnalités attachantes et tellement uniques, qui se révèlent finalement éloignées de tout cliché.

On a souvent dit de Claude Sautet qu'il était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S’il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d’après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme La Comédie Humaine peut s’appliquer aussi bien à notre époque qu’à celle de Balzac.

Ce sont avant tout de ses personnages dont on se souvient après avoir vu un film de Sautet. Ses films ensuite porteront d’ailleurs presque tous des prénoms pour titres. On se dit ainsi que Les choses de la vie aurait ainsi pu s'intituler... Hélène et Pierre.

Même dans Quelques jours avec moi, qui ne porte pas pour titre des prénoms de personnages (un film de Sautet méconnu que je vous recommande, où son regard se fait encore plus ironique et acéré, un film irrésistiblement drôle et non dénué de douce cruauté), c’est du personnage de Pierre (interprété par Daniel Auteuil) dont on se souvient.

De Nelly et M. Arnaud, on se souvient d'Arnaud (Michel Serrault), magistrat à la retraite, misanthrope et solitaire, et de Nelly (Emmanuelle Béart), jeune femme au chômage qui vient de quitter son mari. Au-delà de l’autoportrait ( Serrault y ressemble étrangement à Sautet ), c’est l’implicite d’un amour magnifiquement et pudiquement esquissé, composé jusque dans la disparition progressive des livres d’Arnaud, dénudant ainsi sa bibliothèque et faisant référence à sa propre mise à nu. La scène pendant laquelle Arnaud regarde Nelly dormir, est certainement une des plus belles scènes d’amour du cinéma : silencieuse, implicite, bouleversante. Le spectateur retient son souffle et le suspense y est à son comble. Sautet a atteint la perfection dans son genre, celui qu’il a initié avec Les choses de la vie : le thriller des sentiments.

Dans Un cœur en hiver, là aussi, le souffle du spectateur est suspendu à chaque regard, à chaque note, à chaque geste d’une précision rare, ceux de Stephan (Daniel Auteuil). Je n’ai d'ailleurs encore jamais trouvé au cinéma de personnages aussi « travaillés » que Stéphane, ambigu, complexe qui me semble avoir une existence propre, presque vivre en dehors de l’écran. Là encore comme s'il s'agissait un thriller énigmatique, à chaque visionnage, je l’interprète différemment, un peu aussi comme une sublime musique ou œuvre d’art qui à chaque fois me ferait ressentir des émotions différentes. Stéphane est-il vraiment indifférent ? Joue-t-il un jeu ? Ne vit-il qu’à travers la musique ? « La musique c’est du rêve » dit-il.

Et puis, évidemment, il y a l’inoubliable César. Un des plus beaux rôles d’Yves Montand. Derrière l’exubérance et la truculence de César, on ressent constamment la mélancolie sous-jacente. Claude Beylie parlait de « drame gai » à propos de César et Rosalie, terme en général adopté pour la Règle du jeu de Renoir, qui lui sied également parfaitement.

César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, …et les autres. Les films de Sautet sont donc avant tout des films de personnages. Des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.

Les choses de la vie, c’est le film par lequel débute la collaboration de Claude Sautet avec le compositeur Philippe Sarde. Le thème nostalgique et mélancolique intitulé La chanson d’Hélène a aussi contribué à son succès. Sarde avait d’ailleurs fait venir Romy Schneider et Michel Piccoli en studio pour qu’ils posent leur voix sur la mélodie. Cette version, poignante, ne sera finalement pas utilisée dans le film.

Et puis il y a les dialogues, remarquables, qui pourraient aussi être qualifiés de musiques, prononcés par les voix si mélodieuses et particulières de Romy Schneider et Michel Piccoli : « Quel est le mot pour mentir enfin pas mentir mais raconter des histoires, mentir mais quand on invente affabuler ». « Je suis fatiguée de t'aimer. » « Brûler la lettre pour ne pas vivre seul. » Parfois ils sont cinglants aussi… : la fameuse dissonance ! Comme « Nous n'avons pas d'histoire et pour toi c'est comme les gens qui n'ont pas d'enfants c'est un échec». On songe à la magnifique lettre de Rosalie dans César et Rosalie, aux mots prononcés par la voix captivante de Romy Schneider qui pourraient être ceux d’un poème ou d’une chanson : « Ce n'est pas ton indifférence qui me tourmente, c'est le nom que je lui donne : la rancune, l'oubli. David, César sera toujours César, et toi, tu seras toujours David qui m'emmène sans m'emporter, qui me tient sans me prendre et qui m'aime sans me vouloir... ».

Il y eut un avant et un après Les choses de la vie pour Claude Sautet mais aussi pour Romy Schneider et Michel Piccoli. La première est aussi éblouissante qu’émouvante en femme éperdument amoureuse, après La Piscine de Jacques Deray, film dans lequel elle incarnait une femme sublime, séductrice dévouée, forte, provocante. Et Michel Piccoli incarne à la fois la force, l’élégance et la fragilité et puis il y a cette voix ensorceleuse et inimitable qui semble nous murmurer son histoire à notre oreille.

Comme dans chacun des films de Sautet, les regards ont aussi une importance cruciale. On se souvient de ces regards échangés à la fin de César et Rosalie. Et du regard tranchant de Stéphane (Daniel Auteuil) dans Un cœur en hiver…Et de ce dernier plan qui est encore affaire de regards.

Le personnage de Stéphane ne cessera jamais de m’intriguer, comme il intrigue Camille (Emmanuelle Béart), exprimant tant d’ambiguïté dans son regard brillant ou éteint. Hors de la vie, hors du temps. Je vous le garantis, vous ne pourrez pas oublier ce crescendo émotionnel jusqu’à ce plan fixe final polysémique qui vous laisse ko et qui n’est pas sans rappeler celui de Romy Schneider à la fin de « Max et les ferrailleurs » ou de Michel Serrault (regard absent à l’aéroport) dans « Nelly et Monsieur Arnaud » ou de Montand/Frey/Schneider dans « César et Rosalie ». Le cinéma de Claude Sautet est finalement affaire de regards, qu’il avait d’une acuité incroyable, saisissante sur la complexité des êtres. Encore une digression pour vous recommander "Un coeur en hiver", mon film de Sautet préféré, une histoire d’amour, de passion(s), cruelle, intense, poétique, sublime, dissonante, mélodieuse, contradictoire, trouble et troublante, parfaitement écrite, jouée, interprétée, mise en lumière, en musique et en images (ma critique complète sur Inthemoodforcinema.com).

Dans Les choses de la vie, on se souviendra longtemps du regard d’Hélène qui, de l’autre côté de la porte de son immeuble et à travers la vitre et la pluie, regarde, pour la dernière fois, Pierre dans la voiture, allumer sa cigarette sans la regarder, et partir vers son fatal destin. Et quand il relève la tête pour regarder elle n'est plus là et il semble le regretter. Et quand elle revient, il n’est plus là non plus. Un rendez-vous manqué d’une beauté déchirante….

Les regards sont aussi capitaux dans la séquence sublime du restaurant dans laquelle ils passent du rendez-vous d’amour à la dispute, une scène qu’ils ne paraissent pas jouer mais vivre sous nos yeux, dans un de ces fameux cafés ou brasseries qu’on retrouvera ensuite dans tous les films de Claude Sautet, dans les scènes de groupe dont Vincent, François, Paul et les autres est le film emblématique. On retrouvera aussi la solitude dans et malgré le groupe. « A chaque film, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. » dira ainsi Claude Sautet. On retrouvera souvent les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu Le jour se lève …17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes.

Annie Girardot et Yves Montand puis Lino Ventura déclinèrent les rôles d'Hélène et de Pierre dans Les choses de la vie. Romy Schneider et Michel Piccoli seront ainsi à jamais Hélène et Pierre. Inoubliables. Comme le rouge d’une fleur. Peut-être la dernière chose que verra Pierre qui lui rappelle le rouge de la robe d’Hélène. Comme cet homme seul sous la pluie, mortellement blessé, gisant dans l'indifférence, tandis que celle qu’il aime, folle d’amour et d’enthousiasme, lui achète des chemises. Et que lui rêve d’un banquet funèbre. Et qu’il murmure ces mots avec son dernier souffle de vie qui, là encore, résonnent comme les paroles d’une chanson : «J'entends les gens dans le jardin. J'entends même le vent. » Et ces vêtements ensanglantés ramassés un à un par une infirmière, anonymes, inertes.

Je termine toujours ou presque la vision d’un film de Sautet bouleversée, avec l’envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »…et il y est parvenu, magistralement. En nous racontant des « histoires simples », il a dessiné des personnages complexes qui nous parlent si bien de « choses de la vie ». Claude Sautet, en 14 films, a su imposer un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d’une savoureuse mélancolie, de l’ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l’ensemble, et celui-ci est sans doute le plus tragique et poignant.

Il y a les cinéastes qui vous font aimer le cinéma, ceux qui vous donnent envie de faire du cinéma, ceux qui vous font appréhender la vie différemment, voire l’aimer davantage encore. Claude Sautet, pour moi, réunit toutes ces qualités.

Certains films sont ainsi comme des rencontres, qui vous portent, vous enrichissent, vous influencent ou vous transforment même parfois. Les films de Claude Sautet font partie de cette rare catégorie et de celle, tout aussi parcimonieuse, des films dont le plaisir à les revoir, même pour la dixième fois, est toujours accru par rapport à la première projection. J’ai beau connaître les répliques par cœur, à chaque fois César et Rosalie m’emportent dans leur tourbillon de vie joyeusement désordonné, exalté et exaltant. J’ai beau connaître par cœur Les choses de la vie et le destin tragique de Pierre me bouleverse toujours autant et ce « brûle la lettre » ne cesse de résonner encore et encore comme une ultime dissonance.

Les choses de la vie obtint le Prix Louis-Delluc 1970 et connut aussi un grand succès public.

Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : FESTIVAL CINEROMAN DE NICE Tags : cinéma, festival de cinéma, nice, cinéroman, festival cinéroman, festival cinéroman de nice, 4ème festival cinéma roman, festival cinéroman de nice 2022, danièle thompson, film, adaptation littéraire, festival ciné roman, 4ème festival cinéroman de nice, cinéroman nice 0 commentaire
2022 26/09
Dinard Festival du Film Britannique 2022 : programme de la 33ème édition

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« La vie, ce n’est pas seulement respirer, c’est aussi avoir le souffle coupé. » Alfred Hitchcock

Alors, indéniablement, à Dinard, pendant le Festival du Film Britannique, nous ne respirons pas seulement, mais avons constamment le souffle coupé par les émotions…et le bonheur intense d’être là. Au regard du programme de cette édition, cette année ne devrait pas déroger à la règle !

Difficile de trouver lieu plus romanesque et cinématographique que Dinard et sa Côte d’Emeraude qui ont inspiré tant de cinéastes et qui ont servi de cadre à tant de tournages. La beauté fascinante et inquiétante de la petite ville bretonne peut ainsi devenir un personnage à part entière de comédies romantiques comme de thrillers ou de drames. La statue d’Hitchcock veille sur la plage (ou la menace, selon que vous préférerez l'un ou l'autre des genres de films précités) et marque ainsi les liens indissociables entre les pays situés des deux côtés de la Manche. À l’image de la ville, les films du festival marient et manient les contrastes, les paradoxes, et les styles. Un festival généreux qui célèbre joyeusement l’entente cordiale entre les deux pays. Une diversité symptomatique du cinéma britannique qui, des fresques lyriques de David Lean au réalisme social de Stephen Frears ou Ken Loach, sait autant éclairer la réalité que nous en évader. Une diversité dont témoignent aussi les lauréats du Hitchcock d'or au fil des ans.

Depuis la 30 ème édition, les cabines de la plage sont ornées des noms des anciens présidents de jurys du festival, témoignant un peu plus encore du lien indéfectible entre Dinard et le cinéma. Dinard garde toujours son charme suranné, son élégance intemporelle et sa magie mystérieuse. L’endroit idéal pour un festival, donc. D’où l’idée lancée par Thierry de La Fournière il y a 33 ans. Hussam Hindi en fut le directeur artistique de 1996 à 2019 depuis lors remplacé par Dominique Green.

Je vous ai souvent parlé ici de ce festival dont j’ai eu le plaisir de faire partie du jury en 1999 (oui, il y a déjà de cela plus de deux décennies…) sous la présidence de l’inénarrable, fantasque et absolument adorable Jane Birkin ! Cette année-là, un certain Christopher Nolan a ainsi été primé pour son singulier Following.

Un festival au sujet duquel j’ai écrit :

- une nouvelle dans mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma Les illusions parallèles – Editions du 38 – 2016,

Photo ci-dessus prise lors de ma séance de dédicaces à la Librairie Nouvelles Impressions de Dinard pendant l'édition 2016 du Festival du Film Britannique.

- un texte sur mes souvenirs de jurée au festival dans le livre des 20 ans du festival, Flashback, en 2009,

- mais aussi, quelques années plus tard, en 2021, dans le livre 125 ans de cinéma au Pays de Dinard.

Je suis revenue au festival à de nombreuses reprises depuis 1999 (retrouvez mon compte-rendu de l’édition 2016, la dernière à laquelle j’ai assisté, ici).

J’aurai ainsi la joie d’y revenir cette année. Depuis ma précédente venue, le festival a changé de nom et de directrice artistique mais l’essence du festival reste la même. Et plus que jamais cette année, du 28 septembre au 2 octobre, Dinard sera la capitale du cinéma britannique.

En ces temps difficiles pour le cinéma, les festivals sont plus que jamais nécessaires pour redonner le goût savoureux et incomparable de la découverte des films (et de nouveaux cinéastes) en salles. Cette édition du Dinard Festival du Film Britannique est particulièrement prometteuse à cet égard, notamment la compétition, 6 films parmi lesquels le jury présidé par José Garcia aura la passionnante mission de choisir le Hitchcock d’or 2022 qui succédera ainsi à Limbo de Ben Sharrock.

Cette sélection, à l’image du cinéma britannique en général, s’annonce très diversifiée. Je vous invite à découvrir le programme détaillé ci-dessous (masterclass, programme des scolaires, avant-premières…) et vous donne rendez-vous dès le 28 septembre pour vous faire vivre le festival en direct. The Almond and the seahorse de Celyn Jones et Tom Stern fera l’ouverture (avec, notamment, Charlotte Gainsbourg). Le film projeté en clôture sera Mes rendez-vous avec Leo de Ana Hyde (avec notamment Emma Thompson). Je vous invite à suivre le festival sur ses réseaux sociaux, notamment son compte instagram (@dinardfestivalfilmbritannique) pour ne rien manquer de cette édition. Pour télécharger la grille de programmation complète, rendez-vous, ici, sur le site officiel du festival.

THE GALLERY de Paul Raschid (Section Past, Present and Future)

Parmi les incontournables moments forts de cette édition, ne manquez pas The Gallery, une véritable expérience en exclusivité à Dinard, projeté en présence de Paul Raschid et Goerge Blagden.

Une première mondiale ! Le film sera en effet montré pour la première fois en version intégrale dans une salle de cinéma…avec 18 fins possibles.

Un marchand d'art est pris en otage par un portraitiste qui menace de faire exploser une bombe si ses exigences, qui changent constamment, ne sont pas satisfaites... Le public doit alors choisir entre un protagoniste masculin qui évoluera en 2021, et un protagoniste féminin en 1981. En votant à des instants clés, le spectateur décide de la suite de l’histoire ; la vie du protagoniste en dépend. Les rôles principaux de Morgan et Dorian sont joués par les deux mêmes acteurs dans les différentes versions. Ce film interactif investit un nouveau territoire, entre le cinéma et le jeu.

L’édition 2022 sera organisée en cinq sections thématiques :

1/ It’s Raining Men proposera ainsi des films avec des protagonistes masculins dans des situations inattendues.

2/ Girl Power : des protagonistes féminines fougueuses et créatives, avec des combats et passions souvent universels.

3/ Cinema – past, present & future (cinéma –passé, présent et futur) : longs-métrages qui représentent l'évolution de la façon dont nous regardons les films. Cette section suit l’évolution du cinéma depuis un grand film classique en noir et blanc réalisé par feu Peter Brook, en passant par les superproductions, les DVD, et jusqu’à un phénomène récent : le film interactif.

4/ Eccentrics & Free Spirits (Excentriques et esprits libres) : rien ne les retient...

5/ Irish Eyes in Dinard : cette section présente de nouveaux films de la République d’Irlande, des coproductions avec l’Irlande du Nord, qui permettent de mieux comprendre leurs délicats sujets de société.

Le jury

Le jury de cette édition sera présidé par José Garcia qui sera entouré de Oulaya Amamra, George Blagden, Hugo Gélin, Alice Pol, Adrian Lester, et Sofia Essaïdi.

Ils remettront les prix suivants : le Hitchcock d'or Ciné +, le Hitchcock de la meilleure interprétation, le prix spécial du jury Barrière.

Deux prix du public seront également attribués : le Hitchcock du public long-métrage et le Hitchcock du public Shortcuts.

Les 6 films en compétition

ALL MY FRIENDS HATE ME de Andrew Gaynord (section It’sraining men)

C’est l’anniversaire de Pete. Sa bande de copains, rencontrés à la fac, lui organise une fête à la campagne. Néanmoins, Pete est de plus en plus troublé par les blagues et les commentaires sarcastiques de ses amis. Alors que l’atmosphère passe de la gêne à la terreur et au surréalisme, Pete frôle le point de non-retour au cours de ce qui était censé être un joyeux week-end de retrouvailles.

EMILY L’HISTOIRE de Frances O'Connor (section Girl Power )

La vie imaginaire de l’une des autrices les plus célèbres du monde, Emily Brontë. Emily est le voyage initiatique, exaltant et édifiant d’une rebelle et d’une inadaptée vers la maturité féminine. Explorant les relations qui l’ont inspirée - sa relation brute et passionnée avec ses sœurs Charlotte et Anne, son premier amour douloureux et interdit pour Weightman, et l’attention qu’elle porte à son frère Branwell, qu’elle idolâtre, le film dresse le portrait de l’une des écrivaines les plus énigmatiques et provocatrices du monde, disparue trop tôt, à l’âge de 30 ans.

MY OLD SCHOOL de Jono McLeod (Section eccentrics and free spirits)

L’étonnante et véritable histoire de l’imposteur le plus célèbre d’Écosse. 1993 : Brandon, 16 ans, est le petit nouveau de l’école. Très vite, il devient le premier de la classe, réussit ses examens, se fait des amis et décroche même le rôle principal dans la comédie musicale de l’école. Il est l’élève modèle, jusqu’à ce que son secret soit révélé. Grâce à des animations ludiques, une bande-son parfaite et le talent d’Alan Cumming, ce conte surprenant prend vie.

THE ALMOND AND THE SEAHORSE de Celyn Jones, Tom Stern (section Girl power et film d'ouverture)

Pour Gwen, c’est toujours 1999. Elle ne reconnaît pas le visage qu’elle voit dans le miroir, ni son partenaire, bien qu’ils se réveillent ensemble tous les jours. Le passé de Joe se délite et sa partenaire, Sarah, craint d’être oubliée. Un médecin refuse de les abandonner, déterminé à ne pas les laisser dépérir. Une histoire drôle, poignante et émouvante de deux couples vivant avec une lésion cérébrale et de l’impact de celle-ci sur leurs vies.

WINNERS de Hassan Nazer (section Past, Present and Future)

Dans une petite ville provinciale iranienne, les enfants travaillent dur pour faire vivre leur famille. Un jour, Yahya, neuf ans, et son amie Leyla trouvent une statuette scintillante dans le désert. Passionné de cinéma, Naser Khan, le patron de Yahya, décide de les aider à retrouver son propriétaire. Une histoire charmante qui démontre le pouvoir du cinéma sur une communauté soudée, dans le monde entier.

Séances spéciales

LES BANSHEES D’INISHERI de Martin McDonagh (soirée de gala)

Sur une île isolée de la côte ouest de l'Irlande, Padraic et Colm, amis de toujours, se retrouvent dans une impasse. Colm met alors fin à leur amitié de manière inattendue. Padraic, stupéfait, aidé de sa sœur Siobhan et du jeune Dominic, s'efforce de rétablir la relation. Mais les efforts répétés de Padraic ne font que conforter la résolution de son ancien ami. Quand Colm lui lance un ultimatum désespéré, la situation s’envenime rapidement et a des conséquences dramatiques.

THE PRINCESS de Ed Perkins (documentaire)

Son histoire a déjà été racontée à plusieurs reprises, mais jamais ainsi. 25 ans après sa mort, la princesse Diana continue de fasciner. Ce documentaire propose une narration audacieuse et immersive en utilisant exclusivement des images d'archives contemporaines. En éclairant une vie sous les feux de la rampe, il montre la relation complexe entre la monarchie et le public, obsédé par leur vie.

THIS IS GOING TO HURT (PART I. and II) DE Lucie Forbes, Tom Kingsley

Basée sur les mémoires éponymes d'Adam Kay, vendues à plusieurs millions d'exemplaires, et créée, écrite et produite par Kay lui-même, la série décrit sans détour les difficultés quotidiennes auquel un service de gynécologie et d'obstétrique est confronté, tout se délectant des situations les plus cocasses auxquelles il assiste. D'une drôlerie foudroyante et souvent déchirante, cette série est un rappel saisissant du rôle primordial du National Health Service (NHS). Elle révèle la vérité sans fard de la vie d'un médecin qui gravit les échelons de la hiérarchie hospitalière, assez jeune pour subir les heures de travail harassantes et assez âgé pour faire face à un flot constant de responsabilités terrifiantes.

MES RENDEZ-VOUS AVEC LEO (GOOD LUCK TO YOU, LEO GRANDE) de Sophie Hyde (film de clôture)

Nancy Stokes n’a jamais été pleinement satisfaite sexuellement. Enseignante à la retraite de 55 ans en mal d'aventure, Nancy est déterminée à faire quelque chose pour remédier à cette situation. Son plan : engager Leo Grande, un jeune travailleur du sexe. Au fil de leurs rendez-vous, la dynamique change et leurs masques, pourtant bien ancrés, commencent à tomber. Leo Grande amène une réflexion humoristique et tendre sur les relations humaines.

SUPERASTICOT (SUPERWORM) DE Sarah Scrimgeour, Jac Hamman

Superworm est super mince, Superworm est super musclé ! Héros au grand cœur, il passe ses journées à sauver les animaux du jardin. Lorsque le méchant magicien Saurian le capture, qui pourra l'aider ? Une comédie animée pour toute la famille.

Sélection Shortcuts

Cette sélection de Shortcuts a pour sous-titre Vues des 4 nations et présente les meilleurs courts-métrages britanniques récents d’Angleterre, d’Écosse, du Pays de Galles et d’Irlande du Nord.

BURRY MAN (Écosse) de Simon P. Biggs

Un hiver sans fin s’abat sur une ferme picte ; une adolescente doit alors défier son père et ses traditions, s’aventurer au-delà du vallon à la recherche d’un mystérieux personnage légendaire, le Burry Man, qui a le pouvoir d’apporter le printemps à la terre.

GO HOME (Écosse) de Razan Madhoon

Une jeune femme palestinienne demandeuse d’asile au Royaume-Uni se heurte à l’indifférence de la bureaucratie britannique et à la désillusion de l’agent polonais chargé des demandes d’asile, sur le point de quitter définitivement le pays.

GROOM (Écosse) de Leyla Coll O’Reilly

Hannah, une adolescente renfermée et maladroite, se fait renvoyer de l’école pour absentéisme. Sa mère lui trouve un essai professionnel dans un salon de beauté, et la supplie de faire de son mieux. Hannah, sachant que c’est sa seule chance de changer de vie, accepte à contrecœur.

LILITH & EVE (Angleterre) de Sam De Ceccatty

Ce moment gênant où la première femme sur Terre rencontre... la première première femme sur Terre. Dans cette réinterprétation féministe du mythe d’Adam et Eve, Eve rencontre accidentelle[1]ment Lilith, la première femme et l’égale d’Adam

PRECIOUS HAIR & BEAUTY (Angleterre) de John Ogunmuyiwa

Une ode au quotidien et à la folie d’une grande rue londonienne, racontée derrière la fenêtre d’un salon de coiffure africain.

RAT (Irlande du Nord) de Sarah Gordon

Lorsqu’un rat investit sa maison, une femme, enfermée dans un mariage toxique et étouffant, décide de se défendre.

SALT WATER TOWN (Pays de Galles) de Dan Thorburn

Alors que l’élévation du niveau de la mer menace la côte du Pays de Galles, un père et son fils entrent en conflit quant à l’avenir de leur camping, déjà en difficulté.

STUFFED (Angleterre) de Theo Rhys

Cette comédie musicale raconte l’histoire d’une taxidermiste qui rêve d’empailler un humain, et de l’homme qu’elle rencontre en ligne, tellement effrayé par le fait de vieillir qu’il se porte volontaire pour être son spécimen. Une romance inattendue vient compliquer leurs plans.

Les autres films

En souvenir de Peter Brook

Quelques mois seulement après sa disparition, il semblait évident que le Dinard Festival du Film Britannique devait rendre hommage à l’immense Peter Brook. Dans ce cadre sera projeté SA MAJESTÉ DES MOUCHES de Peter Brook (1963). Dans cette adaptation, par Peter Brook, du célèbre roman de William Golding, un groupe d’écoliers anglais se retrouve bloqué sur une île du Pacifique après le crash de leur avion. Sans parents ni professeurs pour les guider, les élèves édifient leur propre civilisation, sauvage. Cette exploration inquiétante de la haute société anglaise mène à une effrayante vérité quant à la nature humaine.

La Vie Extraordinaire de Louis Wain de Will Sharpe (Section Eccentrics and free spirits)

En Angleterre, à la fin du 19è siècle, aîné de six enfants, Louis Wain est contraint de subvenir aux besoins de sa mère et de ses sœurs après le décès de son père. Il devient illustrateur et se fait remarquer par ses dessins de chats. Parallèlement, il tombe amoureux de la gouvernante de ses sœurs, Emily.

Avec Benedict Cumberbatch, Claire Foy

Nothing Compares de Kathryn Ferguson (Documentaire)

« Ils m'ont brisé le cœur et m'ont tué, mais je ne suis pas morte ». Le film suit la vie de Sinead O'Connor à travers une période critique de six ans dans sa carrière tumultueuse, relatant son ascension phénoménale vers une renommée mondiale avant que sa personnalité iconoclaste ne la conduise à l'exil du courant dominant de la pop.

Young Plato de Declan McGrath, Neasa Ní Chianáin (Documentaire)

Un directeur d'école primaire dévoué, œuvrant dans les lotissements Ardoyne de Belfast, zone sous tension, invoque la sagesse des anciens philosophes grecs pour lutter contre la pauvreté, les trafiquants de drogue et l'IRA, redonnant espoir au cœur d'une communauté meurtrie.

Lauréat de plusieurs prix

SAVE THE CINEMA de Sara Sugerman (Section Past, Present and Future)

Dans la ville tranquille de Carmarthen, au Pays de Galles, le cinéma « Lyric Theatre », très apprécié, est en difficulté financière et sur le point d’être démoli et remplacé par un centre commercial. En 1993, tout bascule lorsque Liz Evans, coiffeuse et cheville ouvrière de la communauté, se met en travers du chemin des bulldozers. Pour faire revivre le cinéma, Liz, désespérée, demande de l’aide à l’un des réalisateurs les plus en vogue d’Hollywood, qui lui envoie une gigantesque bouée de sauvetage.

MY OLD SCHOOL de Jono McLeod (Section Eccentrics and free spirits)

L’étonnante et véritable histoire de l’imposteur le plus célèbre d’Écosse. 1993 : Brandon, 16 ans, est le petit nouveau de l’école. Très vite, il devient le premier de la classe, réussit ses examens, se fait des amis et décroche même le rôle principal dans la comédie musicale de l’école. Il est l’élève modèle, jusqu’à ce que son secret soit révélé. Grâce à des animations ludiques, une bande-son parfaite et le talent d’Alan Cumming, ce conte surprenant prend vie.

FLUX GOURMET de Peter Strickland (Section Eccentrics and free spirits)

Un collectif de musiciens, qui n’arrive pas à choisir de nom, s’installe dans un centre consacré à la gastronomie et aux performances culinaires. La dynamique dysfonctionnelle du groupe, en proie à des rivalités internes, est encore amplifiée lorsqu’ils doivent rendre des comptes au directeur du centre. En plus de ces tensions, et tout en consignant les actions du collectif, le «dossierge» du centre connait des troubles gastriques de plus en plus conséquents. Les différences créatives mènent à la guerre.

TRAMPS! de Kevin Hegge (Section Eccentrics and free spirits)

Renaissant des cendres nihilistes du mouvement punk de la fin des années 1970, une nouvelle vague de fashionistas flamboyants, qui seront plus tard baptisés les New Romantics, commence à se constituer dans les rues de l’est de Londres. Les témoignages de plusieurs générations sont un message d’espoir pour les artistes, au moment dont ils en ont le plus besoin, et attestent de l’histoire de la résistance artistique.

TRUE THINGS Harry Wootlif (Section Eccentrics and free spirits)

Kate vit sa vie comme un automatisme, « googlant » des lieux de vacances idylliques pour échapper à la réalité de son travail fastidieux. Après un flirt avec un étranger charismatique, Kate fonce tête baissée dans une relation qui devient sa priorité et supplante toutes ses autres activités. Elle ment à son employeur, qui la considère déjà comme un électron libre. Elle se retrouve impliquée un accident de voiture avec l’homme qu’elle a enregistré dans son téléphone sous le nom de « Blond ».

ENYS MEN de Mark Jenkin (Girl Power)

Sur une île déserte au large des côtes de Cornouailles, une bénévole pour la protection de la nature observe quotidiennement une fleur rare. Ses observations prennent alors une tournure étrange, presque métaphysique, et remettent en question la notion même de réalité, tant pour elle que pour le spectateur. Tourné en 16 mm, ce film est une suite étrange de Bait, premier film de Mark Jenkin.

THE COLOUR ROOM de Claire McCarthy (Girl Power)

Dans la grisaille des Midlands britanniques des années 1920, Clarice Cliff, jeune ouvrière pleine d’idées, vit dans la banlieue de Stoke-on[1]Trent avec sa mère veuve et sa plus jeune sœur. Poussée par son imagination et son ambition, elle fait le pari audacieux d’accepter un emploi moins bien rémunéré dans une prestigieuse usine de poterie qui appartient à l’excentrique Colley Shorter. Elle prend de grands risques pour faire ses preuves. Colley Shorter se rend alors compte que son talent et ses idées novatrices pourraient sauver l’usine et ses ouvriers des conséquences de la crise économique dévastatrice de la grande dépression.

MOTHERING SUNDAY de Eva Husson (Girl Power)

En 1924, par une chaude journée printanière, Jane Fairchild, orpheline et femme de ménage, se retrouve seule le jour de la fête des mères. Ses employeurs, M. et Mme Niven, sont sortis et elle a l’occasion de passer du temps avec son amant secret, Paul, le fils des propriétaires du manoir voisin. Paul et Jane s’aiment depuis longtemps, bien qu’il soit fiancé à une autre femme, amie d’enfance et fille d’amis de ses parents. Mais des événements inattendus vont changer la vie de Jane à jamais.

QUANT de Sadie Frost (Girl Power)

Un regard perspicace sur Mary Quant, l’une des figures culturelles les plus célèbres du Royaume-Uni, à l’avant-garde de la mode des années 1960 et 1970. Avec ses créations novatrices, telles la mini[1]jupe et le « hot pants », short très court, elle s’est affranchie des conventions et du conservatisme. Ce film mêle des entretiens avec les contemporains de Mary Quant, de Vivienne Westwood à Edward Enninful, et des images d’archives retraçant la vie et l’œuvre de cette créatrice emblématique.

IT IS IN US ALL de Antonia Campbell-Hughes (Irish eye in Dinard)

Hamish arrive à Donegal, en Irlande, la ville natale de sa mère décédée depuis longtemps. Après un accident de voiture traumatisant, il se retrouve perdu sur cette terre inconnue et se lie d’amitié avec Evan, également impliqué dans l’accident. Grâce à la vivacité de ce jeune adolescent débridé, Hamish apprend à embrasser le caractère électrique et érotique de la vie, mais aussi le caractère dangereux de la rage et de la violence.

NOTHING COMPARES de Kathryn Ferguson (Irish eye in Dinard)

L’histoire de l’ascension phénoménale de Sinead O’Connor vers la célébrité mondiale et la façon dont sa personnalité emblématique a entraîné son exclusion du courant pop. En se focalisant sur ses paroles et ses actions prophétiques de 1987 à 1993, et à travers un regard féministe contemporain, Nothing Compares se penche sur l’héritage de cette pionnière intrépide.

THE QUIET GIRL de M Colm Bairéad (Irish eye in Dinard)

Cáit, 9 ans, a appris à se cacher aux yeux de son entourage, peinant à l’école et à la maison. Un été, elle est envoyée chez des parents éloignés. Lentement, sous la garde des Kinsella, Cáit s’épanouit et découvre une nouvelle façon de vivre. Mais dans une maison où les liens affectifs se développent et où il ne doit exister aucun secret, elle découvre une vérité douloureuse.

THE SPARROW de Michael Kinirons (Irish eye in Dinard)

Lorsque Kevin Coyle cause accidentellement la mort de son frère aîné Robbie, il garde le secret sur cette tragédie. Avec horreur, il contemple alors les conséquences de son mensonge. Le moineau qu’il garde enfermé dans sa chambre est la seule âme vivante à laquelle il peut se confesser. Alors que les événements échappent inévitablement à son contrôle, Kevin est contraint d’affronter la vérité de la manière la plus dramatique qui soit.

PIRATES de Reggie Yates (It’s raining men)

Le soir du nouvel an 1999, trois amis, jeunes adultes, s’aventurent dans les rues de Londres, déterminés à terminer l’année en beauté avant que leurs vies ne diffèrent irrémédiablement. Au volant d’une petite Peugeot 205, esquivant les petites amies et les gangs, Cappo, Two Tonne et Kidda sont prêts à tout pour se procurer des billets pour la meilleure fête du millénaire.

BOXING DAY de Aml Ameen (It’s raining men)

Le lendemain de Noël, Melvin, auteur britannique vivant en Amérique, rentre à Londres pour les vacances. Il présente alors Lisa, sa fiancée américaine, à son excentrique famille britannico-caribéenne. Leur relation est mise à l’épreuve quand elle découvre le monde que son fiancé a laissé derrière lui… C’est la première comédie romantique britannique mettant en scène des acteurs noirs.

IN FROM THE SIDE de Matt Carter (It’s raining men)

Les tensions sont vives dans un club de rugby gay de Londres : l’équipe est à court d’argent et divisée. Lors d’une soirée arrosée, deux joueurs de l’équipe, tout aussi attachés l’un à l’autre, s’engagent sans le savoir dans une liaison adultère. Les deux hommes doivent dissimuler leurs sentiments grandissants en conciliant leurs propres vulnérabilités et les démonstrations de machisme sur le terrain. Ou risquer de détruire le club qu’ils affectionnent.

THE OTHER FELLOW de Matthew Bauer (It’s raining men)

Bond, James Bond. Quelqu’un peut-il être jamais à la hauteur de ce nom ? 1952. En Jamaïque : lorsque l’auteur Ian Fleming a besoin d’un nom pour son agent secret raffiné et élégant, il en vole un à un ornithologue non averti et crée un phénomène de pop-culture sur le mâle alpha par excellence. 2022. L’année du 60e anniversaire de 007 à l’écran : le réalisateur Matthew Bauer part en mission dans le monde entier pour explorer l’impact durable, contrasté et très personnel d’hommes qui ont grandi avec le nom de James Bond. Ils partagent leur vie et leurs aventures.

CULTURE TRIBES | INA Programme (Section Eccentrics and free spirits)

LES TEDDY BOYS FRANCE | 1959 de Igor Barrère, Robert Valey Extrait de l’émission « 5 Colonnes à la Une »

Dans les années 50, les Teddys Boys terrorisent le centre de Londres. Ils créent un climat de violence, de haine et de racisme entre les communautés blanches.

LES MODS FRANCE | 1965 de Jean-Pierre Lajournade, Alain De Sedouy Extrait de la collection « 16 millions de jeunes »

Qui sont les Mods ? De nouveaux dandys de la banlieue de Londres, venus du milieu ouvrier. Aller au pub, regarder la télévision et acheter une voiture à crédit ? Très peu pour eux. Ils ont des coupes au bol, montent des groupes de rock. Rencontre avec de jeunes Anglais Mods, dont le manager des Who…

THE CLASH FRANCE | 1980 de Don Kent

Le mythique groupe britannique The Clash, mené par son charismatique leader Joe Strummer, électrise le Palace de son énergie insolente et rebelle. Punk is not dead !

Masterclass

ACTORS & ACTEURS : DEVENIR ACTEUR EN FRANCE ET OUTRE-MANCHE

Avec Oriane Deschamps et Paul-Henry Déchin

LES ÉTAPES DE FABRICATION D’UN FILM ANIMÉ par le Studio o2o

Binge Watch

This is Going to Hurt

Deux des institutions les plus sacrées du Royaume-Uni, le National Health Service (NHS) et la BBC, sont au cœur du Binge Watch de l’édition 2022. Dans la série This is Going to Hurt d’Adam Kay, le talentueux Ben Wishaw (célèbre comme Q dans James Bond et comme étant la voix britannique de l’ours Paddington) joue un jeune médecin épuisé travaillant en service obstétrique dans un hôpital du NHS. Basé sur un best-seller, la BBC a adapté ses mémoires en une série à succès à la fois hilarante et tragique. Comme avec It’s a Sin, qui a rencontré un franc succès l’an dernier, nous montrerons les 7 épisodes de la série sur une journée, en 2 parties coupées par une pause déjeuner.

Festival des scolaires

Lors de l’édition 2021, le festival des scolaire a accueilli plus de 7000 élèves. En 2022, la semaine dédiée aux scolaires aura lieu du 19 au 23 septembre, dans six salles. En plus des projections habituelles, le Dinard Festival du Film Britannique souhaite faire sortir le cinéma de l’écran : tout d’abord en alliant musique et image avec un ciné-concert (deux courts métrages de Charlie Chaplin seront entièrement réorchestrés en direct par une formation musicale), puis en plongeant dans les coulisses du septième art à travers des ateliers révélant ses secrets de fabrications. Les films ont été choisis parmi les plus représentatifs du cinéma britannique récent. L’un d’eux, Limbo, a remporté les deux prix majeurs du festival de Dinard l’an passé. Days of The Bagnold Summer, lui aussi plébiscité par le public en 2021, est toujours inédit en salles et le festival des scolaires sera donc l’une des rares occasions de le voir sur grand écran.

Ateliers | Interventions

> Les ateliers Cinéma

(du CE2 au CM2)

> Ciné Concert – Charlie Chaplin

(Primaires, 6è & 5è)

Films

Le Petit Gruffalo de Uwe Heidschötter, Johannes Weiland

(Maternelles & CP)

4 enfants et moi de Andy de Emmony

(du CE1 à la 5è)

Dream Horse de Euros Lyn

(du CE2 à la 3è )

L’envolée de Eva Riley

(4è , 3è & lycées)

The King’s Man : Première Mission de Matthew Vaughn

(4è, 3è & lycées)

Belfast de Kenneth Branagh

(3è& lycées)

The Duke de Roger Michell

(Lycées)

Days of the Bagnold Summer de Simon Bird

(Lycées)

Boiling Point | The Chef de Philip Barantini

(Lycées)

Limbo de Ben Sharrock

(Terminales)

Accueil

Palais des Arts et du Festival – 2, bd Wilson
- Lundi 26 septembre de 14 h à 19 h
- Mardi 27 septembre de 10 h à 12 h 30 et 14 hà 19 h
- Du mercredi 28 septembre au dimanche 2 octobre en journée continue
Billetterie

Sur www.dinardfestivaldufilm.fr à partir du lundi 12 septembre

Palais des Arts et du Festival – 2, bd Wilson
- Lundi 26 septembre de 14 h à 19 h
- Mardi 27 septembre de 10 h à 12 h 30 et 14 h à 19 h
- Du mercredi 28 septembre au dimanche 2 octobre en journée continue
Tarifs : Plein 7 € | Réduit : 6 € (résidents, jeunes – 18 ans, étudiants munis de leur carte, solidarité : personnes en situation de handicap, bénéficiaires des minima sociaux, demandeurs d’emploi)

5 salles pour accueillir les festivaliers :
- Émeraude Cinémas Dinard – 2, bd Albert 1er
- Palais des Arts et du Festival – Debussy,
Balneum – 2, bd Wilson
- Auditorium Stephan Bouttet – 6, rue Sadi Carnot
Boutiques

Palais des Arts et du Festival – 2, bd Wilson
- Lundi 26 septembre de 14 h à 19 h
- Mardi 27 septembre de 10 h à 12 h 30 et 14 h à 19 h
- Du mercredi 28 septembre au dimanche 2 octobre en journée continue
Dinard Côte d’Émeraude Tourisme – 2, bd Féart

En complément - Bonnes adresses :

-Mon article sur le Grand Hôtel Barrière de Dinard

- Mon article sur le Novotel Thalasso de Dinard (devenu cette année Emeria)
Par Sandra Mézière Sandra Mézière Lien permanent Imprimer Catégories : BILAN DE L'ANNEE CINEMA 2012, DINARD FESTIVAL DU FILM BRITANNIQUE 2022 Tags : cinéma, dinard, dinard festival du film britannique, dinard festival du film britannique 2022, 33ème édition, film, cinéma britannique, bretagne, festival de cinéma 0 commentaire