Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2015
Du 11 au 15 novembre, j’ai eu le plaisir d’être invitée à assister au Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule, pour moi le dernier festival de l’année après Beaune, Cannes, Cabourg, Deauville, Dinard. Je vous avais dit tout le bien que je pensais de la première édition de ce festival, ici, un festival dont j’ai du mal à croire qu’il s’agissait seulement de sa deuxième édition tant la programmation fut riche et passionnante (et, par ailleurs, je n’y ai vu QUE de bons films). Par ailleurs, la convivialité chère à Christophe Barratier, (guitariste émérite, producteur et bien sûr cinéaste : « Les Choristes », « Faubourg 36 », « La Nouvelle guerre des boutons »et, bientôt, sa nouvelle réalisation « Avis de tempête » sur l’affaire Kerviel, lequel sera incarné par Arthur Dupont, d’ailleurs présent au festival pour présenter « La vie est belge »), co-président du festival avec Sam Bobino (fondateur de Sam Bobino Consulting et désormais également directeur des relations internationales aux Journées Cinématographiques de Carthage qui auront lieu du 21 au 28 novembre 2015), fut toujours au rendez-vous malgré le remarquable essor pris par le festival en une année.
Une musique et un silence salutaires
Avant d’en venir au Festival en lui-même, ceux qui me suivent sur les réseaux sociaux (twitter @moodforcinema et instagram @sandra_meziere, compte instagram sur lequel vous pourrez retrouver d’autres photos et vidéos du festival) sur lesquels je l’ai largement commenté en direct, ont peut-être remarqué que j’ai brusquement cessé, après vendredi soir. Par respect pour ce deuil national, cette ignominie, cette tragédie, et surtout les victimes et leurs familles, il me semblait indécent d’évoquer tout autre sujet, et le cœur n’y était d’ailleurs pas, mais ne plus parler de cinéma, de musique, tout ce qu’on a voulu étrangler, ce serait aussi une bien triste abdication alors…je reprends doucement me souvenant aussi que, comme l’a très justement cité le cofondateur du Festival, Sam Bobino, lors de la clôture, dans ce film qui reste pour moi un des plus beaux et tragiquement clairvoyant de ces dernières années, « Timbuktu » (et alors que le Mali est lui aussi à nouveau dramatiquement touché) d’Abderrahmane Sissako (dont vous pouvez retrouver ma critique, ici), la musique est justement une des cibles de cette violence inepte comme elle l’a été au Bataclan.
Comme un écho à « Timbuktu » de Sissako
Je me souviens en effet, dans « Timbuktu », de ces plans d’œuvres d’art détruites : des masques et statuettes qui servent de cible à des exercices de tir. La violence absurde, ridicule, terrible des fanatiques face à la culture, la poésie et la beauté. Sissako montre des fanatiques parfois courtois, mais surtout hypocrites (par exemple interdisant de fumer et fumant en cachette), interdisant la musique, les cigarettes, le football, finalement tout ce qui a été visé ce tragique vendredi 13. Dans le film, des personnages se dressent contre l’horreur, justement en musique, comme une jeune fille flagellée parce qu’elle a chanté et qui se met à chanter tandis qu’elle subit son châtiment. Un exemple de cette résistance, une scène qui a la force poignante de « la Marseillaise » chantée dans « Casablanca» de Michael Curtiz que j’avais envie de vous partager ci-dessous avant de vous parler du festival. Dans « Timbuktu », la musique, aussi, est splendide. Signée Amine Bouhafa, elle ajoute de l’ampleur et de la force à ce film sublimé aussi par la photographie de Sofiane El Fani (directeur de la photographie de « La vie d’Adèle) qui nimbe le film d’une douceur poétique enivrante.
La force poignante et combattive de la musique
Le voyage musical et cinématographique dans lequel m’a entraînée ce Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule a été pour moi passionnant, particulièrement instructif, bouleversant parfois, diversifié aussi, du rap en passant par la musique classique, à la musique rock ou folklorique. Il a montré les multiples visages de la musique : l’expression d’une passion, ou d’une révolte, d’une résistance, d’un élan de vie, d’un désarroi, de poésie et parfois même tout cela à la fois dans un même film comme dans le remarquable « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid, mon grand coup de cœur de ce festival, lauréat de l’Ibis d’or du meilleur film mais aussi de la meilleure actrice (prix ex-aequo pour les deux actrices principales du film) et de la meilleure musique.
La musique est bien souvent un combat pacifiste contre les différences, le silence assourdissant des non dits, des oppressions, mettant en scène des êtres épris de liberté, bref une arme de paix.
Tous les genres de films étaient représentés avec des classiques (quel plaisir ce fut pour moi de revoir « West side story » le lendemain du ciné-concert des 70 musiciens du La Baule Symphonic mais aussi de découvrir enfin « Le Maître de musique » de Gérard Corbiau, président du jury 2015 aux côtés de Edouard Montoute, Pauline Lefèvre, Elisa Tovati, Eric Michon), des comédies (« La vie est belge », « Comment c’est loin »…), des concerts (ciné-concert« West side story », concert exceptionnel de Michel Legrand), des documentaires (splendides « Janis, « Le Maître d’école », « Abdel Rahman El Bacha »), et même un magistral film d’animation (« Le Prophète »). Le festival rendait également hommage à Michel Legrand et Jacques Demy (après Francis Lai et Claude Lelouch, l’an passé), a fêté les 25 ans de « La Baule Les Pins » de Diane Kurys, a proposé une rétrospective Gérard Corbiau. Bref, une programmation à donner le tournis !
L’émotion a souvent été au rendez-vous dans la salle de cinéma ou de concert, a fortiori le 14 novembre lors du concert exceptionnel de Michel Legrand, bouleversé, qui a débuté son concert de 1H30 par un morceau improvisé et deux mesures de La Marseillaise. Un grand moment qui restera gravé dans nos mémoires auquel a succédé sa passionnante master class le lendemain (cf mes vidéos de la master class, en bas de cet article).
Je suis partie de ce festival avec une envie fiévreuse de m’enivrer de musiques : d’écouter du Chopin a fortiori quand il est interprété par le fascinant Abdel Rahman El Bacha, de passer en boucle la musique de « West side story », de revoir les films de Jacques Demy et les autres films dont la musique fut signée par Michel Legrand, d’écouter Yodelice (qui a signé la chanson originale du « Maître de Musique »), de mettre à tue-tête Janis Joplin, de m’étourdir joyeusement avec la voix de Jacques Higelin, d’aller à l’Opéra.
La Baule, l’élégante…
L’élégante quiétude de La Baule sied décidément parfaitement à ce festival qui se déroule dans le petit cinéma du Gulf Stream situé Avenue de Gaulle qui mène à l’impétueuse et lunatique Atlantique et dont les concerts ont lieu dans la splendide salle Atlantia. Ce fut aussi pour moi l’occasion de découvrir de nouvelles adresses.
Retrouvez, en cliquant ici, mon article sur mes bonnes adresses à La Baule, bientôt complété.
Il m’a été impossible de tout voir tant la programmation était riche (j’ai notamment hâte de rattraper « House of time » de Jonathan Helpert présenté en avant-première et dont on m’a dit le plus grand bien) mais, en attendant, ci-dessous, retrouvez mes coups de cœur du festival, en avant-première et/ou en compétition mais aussi des classiques et concerts avec, en bonus, quelques vidéos dont celles de la Master Class de Michel Legrand.
« La musique, c’est du bruit qui pense » écrivait Victor Hugo, alors en ces temps troublés, faisons en sorte que, plus que jamais, partout, le bruit pense intensément, envers et contre tout !
Avant-première – « L’attente » de Julien Piero Messina (en salles le 16 décembre 2015)
Un film avec Juliette Binoche dont les choix cinématographiques sont toujours judicieux, est déjà en soi une promesse de bon film. « Copie conforme » de Kiarostami reste pour moi une des plus exceptionnelles performances d’actrices à laquelle il m’ait été donné d’assister. Malgré sa jeune carrière, Lou de Lâage se distingue par l’intelligence de ses choix et par son immense talent qui crève l’écran de « J’aime regarder les filles » de Frédéric Louf à « Respire » de Mélanie Laurent. J’étais donc impatiente de voir les deux réunies pour ce film réalisé par un ex assistant de Paolo Sorrentino et produit par les producteurs de « Youth » et « La Grande Bellezza ». Lors du débat d’après film, dans le cadre du festival, le producteur nous a expliqué qu’il ne fut pas évident de trouver une « jeune femme qui puisse faire face à Juliette Binoche ». Et je ne vois pas quel meilleur choix il y aurait pu avoir que celui de Lou de Lâage.
Synopsis : Dans les grands salons d’une ancienne villa marquée par le temps, Anna (Juliette Binoche), touchée par un deuil soudain, passe ses journées dans la solitude. La campagne sicilienne, sauvage et d’une grande beauté, entoure la maison et l’isole tandis que le brouillard se lève lentement sur les flancs de l’Etna. Seuls les pas de Pietro, l’homme à tout faire, rompent le silence. A l’improviste arrive Jeanne (Lou de Lâage), la petite amie de Giuseppe, le fils d’Anna, qu’il a invitée à venir passer quelques jours en Sicile. Anna ignorait l’existence de Jeanne et Giuseppe est absent. Il va revenir bientôt, très bientôt…c’est ce que dit Anna à Jeanne. Les jours passent, les deux femmes apprennent lentement à se connaître et attendent ensemble le jour de Pâques, où Giuseppe rentrera pour la procession.
La sonnerie du téléphone qui retentit dans cette villa glacialement vide, sombre et silencieuse dans laquelle déambule Anna, livide, fantomatique, annonce le surgissement de la vie, de l’imprévu, impression renforcée par l’arrivée de Jeanne avec, en fond sonore, une musique pop qui contraste avec l’atmosphère recueillie de la scène qui précède. Dans cette villa déserte où ne déambule que l’homme à tout faire et sur laquelle semble peser un chagrin ineffable, va s’instaurer une relation trouble entre les deux femmes et la vie s’y immiscer à nouveau. Jeanne va apporter sa fougue, sa jeunesse, sa fraîcheur, son aveuglement, sa gaieté et la vie dans cette maison qui en a soudainement été dénuée. Sans doute a-t-elle tous les éléments pour comprendre, mais sans doute plus sidérée et incapable d’affronter la réalité que réellement aveugle à celle-ci, elle se jette à corps perdu dans le mensonge d’Anna.
Le véritable mensonge étant finalement celui que les deux femmes se font à elles-mêmes. Les scènes lors desquelles cette dernière semble sur le point de lui avouer la vérité sont d’une rare justesse et se prêtent à ces diverses interprétations. Ces deux femmes en apparence si différentes se ressemblent finalement beaucoup. Le film est d’ailleurs baigné de contrastes, entre le soleil et la noirceur, les rires et les silences, le deuil et la vie éclatante que représente Jeanne. Certains plans sont d’une beauté à couper le souffle comme lorsque les rayons du soleil se réverbèrent sur l’eau du lac dans lequel se baigne Jeanne. Le deuil renforce la beauté douloureuse de ce qui entoure les deux femmes qui le vivent.
Parmi les très belles scènes de ce film qui n’en est pas avare, la danse envoûtante de Jeanne sur une chanson de Leonard Cohen (au titre à propos :« Waiting for miracle ») suspend le vol du temps et est à l’image de ce film : sensuel, sombre et solaire, ensorcelant et âpre comme un village de Sicile et, surtout, est porté par deux splendides et talentueuses actrices qui apportent toute leur sensibilité à ces personnages exhalant la vie et la bienveillance et à ce beau film empreint de vie et de mélancolie, belle variation sur l’indicible attente et absence.
« Le Prophète » de Roger Allers d’après l’œuvre de Khalil Gibran – (En salles le 2 décembre 2015)
Sombre et solaire, « Le Prophète » de Roger Allers l’est également. Au programme du festival figurait ainsi également un film d’animation que j’attendais de voir avec d’autant plus d’impatience que j’en avais découvert les premières images, dont la poésie m’avait captivée et fascinée, lors du Festival de Cannes. Cette séance « jeune public »a autant marqué les adultes que les enfants qui en ont certainement eu une lecture différente.
Synopsis : Sur l’île fictionnelle d’Orphalese, Almitra, une petite fille de huit ans, rencontre Mustafa, prisonnier politique assigné à résidence. Contre toute attente, cette rencontre se transforme en amitié. Ce même jour, les autorités apprennent à Mustafa sa libération. Des gardes sont chargés de l’escorter immédiatement au bateau qui le ramènera vers son pays natal. Sur son chemin, Mustafa partage ses poèmes et sa vision de la vie avec les habitants d’Orphalese. Almitra, qui le suit discrètement, se représente ces paroles dans des séquences oniriques visuellement éblouissantes. Mais lorsqu’elle réalise que les intentions des gardes sont beaucoup moins nobles qu’annoncées, elle fait tout son possible pour aider son ami. Arrivera-t-elle à le sauver ?
« Le Prophète » est un best-seller, universel et intemporel, de l’auteur libanais Khalil Gibran, c’est un recueil de 26 essais philosophiques rédigés en anglais dans une prose poétique. Ce livre a été traduit en plus de 40 langues et vendu à plus de 100 millions d’exemplaires ne cessant d’être réédité depuis sa première publication en 1923.
Pour les producteurs, seule l’animation était capable de rendre le lyrisme intemporel du livre à l’écran. «L’animation nous semble être en quelque sorte la forme cinématographique la plus proche de la poésie ». Au départ, le film était conçu comme une suite de courts-métrages animés, mais l’actrice et productrice Salma Hayek-Pinault, quand elle a rejoint le projet, s’est prononcée en faveur d’une trame narrative unique pour établir le lien entre chacun des « chapitres » inspirés par le chef-d’œuvre de Khalil Gibran. « Je voulais que le film soit encore plus important, encore plus unique », dit-elle. « J’ai proposé d’utiliser une histoire principale pour accompagner les poèmes et rendre ainsi le film plus accessible, plus familial. L’histoire permet de relier une suite de courts-métrages animés dont l’un est notamment réalisé par Joann Sfar (sur le mariage et le couple avec un tango chorégraphié par Philippe Découflé) et huit autres des plus grands noms de l’animation internationale. Le long-métrage est une galerie de tableaux où les animateurs ont puisé dans les techniques picturales les plus anciennes.
Pour imaginer ce fil conducteur, les producteurs se sont tournés vers Roger Allers, un scénariste-réalisateur plébiscité et réputé pour son travail sur certains dessins animés Disney qui ont remporté le plus de succès. Après avoir signé le scénario de « La Belle et la Bête » et d’ « Aladdin », il a réalisé le blockbuster « Le Roi Lion ». Il l’a également adapté pour la comédie musicale éponyme donnée à Broadway depuis de nombreuses années.
Le livre de Gibran aborde toutes les grandes questions de l’existence et prend une résonance toute particulière ces jours-ci. Il évoque ainsi l’amour et de la mort, les enfants et le travail. Voici quelques citations extraites du film :
« L’amour ne possède pas, ni ne veut être possédé. »
« Car la liberté n’est possible que lorsqu’elle n’est plus un but. »
« Le travail, c’est l’amour rendu visible. »
« Aimez- vous mais ne faites pas un lien d’amour : qu’il soit plutôt une mer mouvante entre les rivages de votre âme. »
« Car qu’est- ce que le mal sinon le bien torturé par sa propre faim et sa propre soif ? »
« La vie et la mort ne font qu’un, comme ne font qu’un la rivière et la mer. »
« Quand le bien a faim il cherche partout de quoi se nourrir. »
« Que me reste-t-il si je renie mes convictions les plus profondes. »
« Lorsqu’on aime un ami, on ne doit pas pleurer car ce qu’on aime en lui peut être plus clair en son absence. En amitié seule compte la profondeur de l’âme. »
La musique douce et envoûtante de Gabriel Yared permet de lier ces différents chapitres et corrobore le lyrisme et la poésie des mots et des images. J’ai entendu parfois (de la part d’adultes et non d’enfants) que ce film était ennuyeux. Il est tout le contraire. Il nous touche en plein cœur et nous met du baume à l’âme, il nous emporte et nous élève. La musique, les personnages, les textes, tout contribue à l’ensorcellement du spectateur. A l’image d’Almitra, le spectateur effectue un parcours initiatique dont chaque étape exhale une poésie fascinante. La fin, bouleversante, intelligemment polysémique, fera sourire les enfants et pleurer les adultes. Ajoutez à cela la voix douce du talentueux Mika, celle délicate de Salma Hayek et celle de Nicolas Duvauchelle et vous obtiendrez un divertissement brillant, passionnant, lyrique et poétique. Je vous laisse imaginer l’effet que produit ce texte magnifique prononcé par la voix de Mika :
« Je vais te dire un secret, je me suis souvent envolé loin d’ici. Nous ne sommes emprisonnés ni par des murs ni par nos corps. Nous sommes des esprits, libres comme l’air. Pour être libres, il faut briser les liens avec lesquels on s’est soi-même enchainés. Quand l’amour te fait signe, il faut le suivre même si la route est difficile et abrupte. Les mots sont mes ailes et toi tu es mon messager. »
« Comment c’est loin » de Orelsan (Sortie en salles le 9 décembre 2015)
La poésie promettait d’être moins au rendez-vous avec « Comment c’est loin » d’Orelsan, mais le cinéma est aussi là pour faire voler en éclats les préjugés ou en tout cas pour nous embarquer dans des univers parfois diamétralement opposés.
Synopsis : Après une dizaine d’années de non-productivité, Orel et Gringe, la trentaine, galèrent à écrire leur premier album de rap. Leurs textes, truffés de blagues de mauvais goût et de références alambiquées, évoquent leur quotidien dans une ville moyenne de province. Le problème : impossible de terminer une chanson. À l’issue d’une séance houleuse avec leurs producteurs, ils sont au pied du mur : ils ont 24h pour sortir une chanson digne de ce nom. Leurs vieux démons, la peur de l’échec, la procrastination, les potes envahissants, les problèmes de couple, etc. viendront se mettre en travers de leur chemin.
Je l’avoue, le talent incontestable des deux compères pour la procrastination, la nonchalance et le phrasé si singulier d’Orelsan m’ont plus d’une fois amusée et même de certaines scènes se dégage une incongruité touchante comme celle dans laquelle intervient la propre grand-mère d’Orelsan. Elle n’est d’ailleurs pas la seule proche d’Orelsan à intervenir, il a également fait appel à ses amis d’enfance de Caen. Caen où se déroule l’intrigue (ou la non intrigue) devient un personnage à part entière et les deux anti-héros adoptent sa lenteur, ou inversement. Signalons aussi que Orelsan a été fortement aidé pour le scénario (par Stéphanie Murat) et par le célèbre chef opérateur Christophe Offenstein (aussi réalisateur de « En solitaire »)
Les deux anti-héros ne sont pas sans nous rappeler d’autres anti-héros du cinéma français comme dans « Marche à l’Ombre » de Michel Blanc. Dix titres originaux accompagneront la sortie du film le 9 décembre 2015. Même si quelques jours après, il ne me reste pas grand-chose de ce film, si ce n’est le bon rap final, forcément attendu tout au long du film, ce film parlera sans doute à une génération désabusée ou désenchantée, drôlement lucide ou lucidement drôle, qui rêvait en grand et qui a dû se résoudre à une « médiocrité » honnie pour tenter de vivre tant bien que mal dans une société qui ne permet pas toujours aux rêves de se concrétiser même si la fin nous montre qu’il ne faut jamais cesser de persévérer et d’y croire. Le duo de compères fonctionne indéniablement. Dommage que les personnages féminins ne soient que de pathétiques faire-valoir. Un film de génération qui, sans doute, ravira les fans du duo
« Abdel Rahman el Bacha, un piano entre Orient et Occident » de Gérard Corbiau
Retour à la poésie et changement radical d’univers avec ce portrait fascinant du non moins fascinant pianiste Abdel Rahman el Bacha réalisé par le président du jury de ce Festival du Film de La Baule 2015, Gérard Corbiau. Qu’il parle ou qu’il joue, le pianiste franco-libanais apaise ceux qui l’écoutent par son intelligence, son humanisme, sa vision de la musique et son message de liberté, de fraternité et de paix qu’elle porte en elle et qu’il semble irradier d’un pays à l’autre, la musique étant pour lui un moyen de jeter un pont entre l’Orient et l’Occident. Si la musique orientale l’a bercé, c’est aussi vers Bach, Beethoven, Prokofiev et Chopin que va son admiration. Vainqueur du Concours Reine Elisabeth en 1978, à 19 ans (à l’unanimité pour la première fois de l’histoire du concours !), il est aujourd’hui Maître de piano, donne des concerts dans le monde entier et enseigne à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Une mémoire, une passion, un travail, une détermination, une intelligence exceptionnels mais surtout un amour immodéré de la musique. Le tournage a ainsi duré trois ans et le film s’articule essentiellement autour d’une croisière musicale en Méditerranée, à laquelle participait le pianiste, lieu mythique et symbolique. C’est à cette occasion qu’il interprétera l’intégrale des sonates de Beethoven qu’il a donnée sur cinq jours consécutifs au festival de piano de la Roque d’Anthéron. Notre souffle est alors suspendu à chaque note, à chaque respiration, à chaque mouvement de ses doigts sur le piano lors de cette performance exceptionnelle qui relève de la magie. C’est absolument magnifique. Si entendre parler ce pédagogue, humaniste, philosophe de la musique, est passionnant, l’entendre jouer est un moment de magie pure et ce portrait m’a donné envie de venir l’écouter et nul doute que cela produira le même effet sur tout spectateur de ce documentaire.
« Mon Maître d’école » de Emilie Thérond (Sortie en salles le 13 janvier 2016) – Avant-première
Autre documentaire. Autre portrait d’humaniste et de pédagogue, celui que réalise Emilie Thérond de son ancien instituteur dans « Mon Maître d’école », un documentaire produit par François-Xavier Demaison (que vous pouvez entendre dans ma vidéo ci-dessus, je suis désolée pour la très mauvaise qualité de l’image).
A St Just-et-Vacquières, Jean-Michel Burel, maitre d’école d’une classe à plusieurs niveaux, commence sa dernière année scolaire avant la retraite. L’instituteur enseigne la tolérance et la sagesse au même titre que l’orthographe et les mathématiques. Il mène son programme avec détermination. Il s’évertue à soutenir les élèves pour leur donner confiance et les élever plus haut. À travers les yeux d’une ancienne élève, aujourd’hui réalisatrice, se dessine une école intemporelle où la rigueur se conjugue avec la bonne humeur, une école où la liberté commence avec le respect de celle des autres. Une école qui appartient à tous et au domaine universel de l’enfance
Cette école et ce maître-là sont ceux que nous aurions tous rêvés d’avoir. L’homme est passionné par son métier, attachant, iconoclaste et l’école devient une sorte d’Eden où les élèves apprennent tout en s’épanouissant. Tout cela semble tellement idyllique qu’on peine à croire qu’il est réel et l’émotion nous envahit à l’idée que cet homme ne puisse plus enseigner même s’il continuera à être dans le bureau d’à côté. Ajoutez à cela la musique enchanteresse de Yodelice (dont vous connaissez forcément le « Talk to me » des « Petits mouchoirs ») et vous obtiendrez une bouffée de fraîcheur et d’optimisme, un documentaire plein de tendresse sur un homme attachant.
« A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid- Compétition (Sortie en salles le 23 décembre 2015)
C’est aussi le portrait d’une femme libre que nous dresse Leyla Bouzid dans ce film qui a remporté l’Ibis d’or du meilleur film, de la meilleure musique et de la meilleure actrice ex-aequo, des prix amplement mérités pour ce film magistral.
La Tunisie, dont les représentants du dialogue national ont cette année reçu le Prix Nobel de la Paix, a aussi été victime du terrorisme avec les attentats du Bardo à Tunis et de Sousse, un cauchemar qui a succédé à un autre, celui de la Tunisie de Ben Ali dans laquelle la corruption gangrénait la société et dans laquelle les libertés étaient restreintes et réprimées. Je n’oublierai jamais ce 14 janvier 2011, jour où Ben Ali a été chassé du pouvoir. Jour historique.
Tunis, été 2010, quelques mois avant la Révolution, Farah, (Baya Medhaffar), 18 ans passe son bac et sa famille l’imagine déjà médecin… mais elle ne voit pas les choses de la même manière. Elle chante au sein d’un groupe de rock engagé. Elle vibre, s’enivre, découvre l’amour et sa ville de nuit contre la volonté d’Hayet (Ghalia Benali), sa mère, qui connaît la Tunisie et ses interdits.
Dès les premières minutes, j’ai été captivée, estomaquée par la beauté furieuse de ce film. Par la vitalité, la force, la fougue de la mise en scène et de la jeune Farah (et de son interprète principale d’une maturité, d’une justesse sidérantes) qui dévore la vie et qui doit lutter pour exercer sa passion : chanter. Les textes qu’elle chante sont ouvertement opposés au régime et malgré sa volonté et son désir forcenés, progressivement le piège va se refermer sur elle jusqu’à ce que sa voix soit étouffée. Littéralement.
Non seulement la manière dont la réalisatrice démontre les restrictions imposées par le régime est aussi passionnante qu’édifiante, mais elle raconte avec autant de précision et sensibilité la relation amoureuse (Farah va aussi découvrir l’amour et la trahison) et la relation mère/fille. Ghalia Benali qui interprète la mère de Farah est elle aussi bouleversante, et sa dureté ne dissimule que sa lucidité et ses craintes pour sa fille qui lui ressemble finalement tant. La scène lors de laquelle la mère pousse sur l’accélérateur de sa voiture pour effrayer sa fille et lui faire promettre de ne pas sortir chanter est d’une force rare, poignante et redoutable, à la hauteur de la peur ressentie par la mère pour sa fille.
Ces yeux qui s’ouvrent du titre, ce sont à la fois ceux de Farah sur la vie, la réalité du monde qui l’entoure, mais aussi ceux de sa mère sur ce que veut et doit faire sa fille mais aussi l’éveil d’une Tunisie trop longtemps réprimée et condamnée à la soumission et au silence par vingt années de dictature. Farah représente finalement la Tunisie et cette jeunesse qui crie sa colère, sa révolte et son désir de se délivrer de ses chaînes malgré les risques encourus. La musique, fiévreuse, transcrit les élans de la jeunesse et devient un opposant incontrôlable, une arme de liberté et de paix.
Un film engagé, fiévreux, fougueux, poétique, porté par deux actrices exceptionnelles, une réalisation d’une force et d’une intensité rares, des textes et des musiques remarquables et qui montrent la puissance de liberté de la musique. C’est aussi une histoire d’amour. L’amour d’un pays. L’amour de la musique et de son pouvoir. L’amour de la liberté. L’amour d’une mère pour sa fille qui explose dans ce dernier plan d’une douceur et d’une émotion ravageuses. (Le jury ne s’y est pas trompé en primant, ex-aequo, les deux actrices). Un grand film. Un chant de liberté. Un film à l’image de sa jeune actrice : incandescent et brûlant de vie.
Lors de la clôture du festival, Baya a lu un message de la réalisatrice Leyla Bouzid. Elle a rappelé les attentats qui ont touché Tunis et Sousse avant Paris : « Un triste lien de mort unit la France et la Tunisie. Il s’agit d’un film d’un élan de vie vif et inaliénable. C’est bien d’être ici pour cet élan de vie malgré ce qui s’est produit. J’ai envie de vous dire que notre élan de vie est inaliénable. Vive la vie, la musique, et la liberté. Personne n’arrivera à les tuer. »
« L’Orchestre des aveugles » de Mohamed Mouftakir – Compétition
Réalisé par Mohamed Mouftakir avec une musique originale de Didier Lockwood, « L’Orchestre des aveugles » est un film marocain en grande partie autobiographique qui raconte l’histoire de Houcine et de sa famille, dans les années 70, à Casablanca. Ils vivent dans la maison familiale de sa femme, Halima. Cette maison est un lieu de cohabitation animée : une galerie de personnages hauts en couleurs s’y croise au rythme de la vie de l’orchestre et de ses danseuses traditionnelles (les Chikhates). Cet orchestre est particulier, les musiciens hommes sont parfois obligés de se faire passer pour des aveugles afin de jouer dans les fêtes réservées aux femmes chez des familles conservatrices marocaines.
Ce film est fois un hommage et un pardon de Mohamed Mouftakir à son père. Il y exprime ce qu’il n’a pas pu lui dire avant sa disparition. Comme dans le film de Leyla Bouzid, il est question de liberté réprimée et de délit d’opinion et comme pour le film de Leyla Bouzid « L’Orchestre des aveugles » le jury a couronné ex –aequo ses deux acteurs (Ibis d’or du meilleur acteur-Groupe Barrière pour les comédiens Younes Megri et El Jihani Llyas, ex-aequo). Le cadre est ici celui du Maroc des années 70. Le film évoque en effet la liberté de parole et le délit d’opinion dans les années 70. L’oncle d’Houcine rêve de révolution marxiste. Plus timoré et classique que le film de Leyla Bouzid, « L’Orchestre des aveugles » privilégie l’implicite même si, en filigrane, apparaît une société patriarcale qui rêve de s’émanciper. Ce parti pris peut aussi se justifier par le fait que le regard est celui que porte un enfant triste et nostalgique sur son passé. Au dénouement, les émotions, toujours en filigrane au cours du film, éclatent pour laisser la tristesse affleurer enfin. Un film à l’image de son jeune personnage principal, touchant et sensible.
« La Passion d’Augustine » de Léa Pool – Compétition (Date de sortie en salles le 30 mars 2016)
Egalement en compétition et également au palmarès ( Ibis d’or du meilleur scénario), « La Passion d’Augustine » nous embarque sous une autre latitude et dans une autre atmosphère, celui d’un couvent du Québec des années 60.
Simone Beaulieu, devenue Mère Augustine, dirige ainsi avec succès un petit couvent sur le bord du Richelieu. Passionnée, elle met toute son énergie et son talent de musicienne au service de ses élèves. Lorsque sa nièce Alice lui est confiée, c’est non seulement une nouvelle pianiste prodige qui fait son entrée, mais aussi une jeune femme dont les aspirations sont au diapason de l’époque et qui rappelle à Mère Augustine un passé qu’elle avait cru mis de côté définitivement.
Là aussi, dans ce film lumineux, rempli de générosité, d’espoir et de bons sentiments, la musique est une arme de résistance au chagrin, d’éducation à l’art et à la vie. Il vaut surtout par la prestation de Céline Bonnier en Mère Augustine, beau portrait d’une femme qui se dévoile au propre comme au figuré, et la musique de François Dompierre, qui a retravaillé plusieurs oeuvres de Bach et Chopin, dont la beauté élève le film.
« Move ! » de Fanny Jean-Noël – Compétition
Atypique. S’il fallait ne choisir qu’un adjectif pour qualifier ce film (et sa réalisatrice) ce serait sans doute celui-là. Fascinant et étourdissant de beauté aussi. Seule avec sa petite caméra, Fanny Jean-Noël a ainsi réalisé le portrait d’une vingtaine de personnages à travers le monde (au gré de ses rencontres, passant au début 25 jours dans chaque pays) ayant tous une passion commune qui va changer leur vie : la danse ! Une fiction-documentaire sur le langage universel de la danse, besoin vital, premier né des arts.
De la poésie à l’état pur qui montre avec une force poignante ce qui nous rassemble au-delà de toutes les supposées différences, au-delà des frontières. Le résultat est une ode à la musique, à l’art comme vecteur universel de joie, d’émotions qui permet de transcender les différences. Elle cite Nietzsche qui dit « Considérons comme perdue toute journée où n’avons pas dansé au moins une fois » et fait de la musique un art de vivre, intensément, d’aimer, d’affronter la vie.
Elle explore ainsi toutes les fonctions de la danse : danse guerrière, de séduction, de cour, incantatoire, de rituel, aux rois ou aux ancêtres…Son tour du monde devient ainsi une quête des représentations des différentes fonctions de la danse, en suivant les âges de la vie : l’enfance, l’apprentissage, la mort. Certains passages (à vrai dire presque tous) sont d’une beauté à couper le souffle. La réalisatrice sait marier les contrastes, saisissants, pour accentuer la beauté de ces instants magiques, hors du temps que ce soit à Bali, en Irlande, en Espagne, au Japon, à Madagascar, au Maroc, en Géorgie, en Inde…
1h15 magiques qui irradient de beauté, de lumière, de poésie. La danse (aucun dialogue ici) devient un langage universel, un étourdissant vertige qui nous laisse heureux et essoufflés avec une seule envie, entrer dans la danse ! (Musique originale de Piers Faccini).
« Janis » de Amy Berg (USA) (Sortie en salles le 6 janvier 2016) – Compétition
Janis que son prénom suffit à désigner, c’est donc Janis Joplin, l’une des plus mythiques chanteuses de rock et de blues de tous les temps mais aussi une écorchée vive, forte et vulnérable, aussi sensible que sa voix était puissante. L’histoire de la courte vie d’une femme passionnée qui changea le cours de l’histoire de la musique, qui a enfreint tous les codes dans sa vie comme dans la musique, se jetant à corps perdu dans l’une comme dans l’autre. Elle décéda ainsi en 1970 à l’âge de 27 ans (le fameux « Club des 27″, l’âge auquel décédèrent les autres légendes du rock : Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain et Amy Winehouse).
Peut-être, dans son dispositif un peu classique pour une femme aussi libre et iconoclaste, « Janis » repose néanmoins sur une belle idée. Celle d’une voix off qui lit des lettres que Janis avait adressées à sa famille créant ainsi une proximité avec le spectateur qui a l’impression de recueillir ses confidences, d’entendre sa voix intérieure aussi fragile que sa musique était puissante.
Ce dispositif épistolaire permet d’esquisser un portrait plus nuancé et nous donne à voir, derrière les images enfiévrées, fascinantes, explosives, électriques, des concerts, la femme blessée, avide d’amour, à jamais complexée et surtout fragilisée par les humiliations qu’elle a subies dans son enfance. Bouleversante est la scène où, devenue une star, elle revient dans son ancien lycée et, où dans sa voix et son regard perdus, à fleur de peau, subsistent les bleus à l’âme de l’enfant blessée qu’elle semble alors être à nouveau et à jamais.
Se dessine ainsi, derrière l’artiste hors normes, au talent qui transpire l’écran et nous fait frissonner d’émotion, le portrait d’une femme terriblement attachante, sensible, empathique, pétrie d’incertitudes, de manque d’amour et de confiance qu’elle tentait de noyer dans des plaisirs artificiels.
La fin du documentaire, ce rendez-vous manqué que n’aurait osé inventer le plus audacieux des scénaristes, est absolument bouleversante et nous laissent ko avec une seule envie, entendre à nouveau sa voix immortelle, fiévreuse et incandescente.
« Ce que le temps a donné à l’homme » de Sandrine Bonnaire
Autre portrait d’un chanteur libre et à fleur de peau, celui réalisé par l’actrice et réalisatrice Sandrine Bonnaire (aussi talentueuse en tant que réalisatrice qu’ en tant qu’actrice, on se souvient ainsi notamment du sublime « J’enrage de son absence » que je vous recommande à nouveau vivement et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici) a suivi son ami Jacques Higelin pendant un an derrière sa caméra pour réaliser un « portrait intimiste » du chanteur. Cela a donné un film bouillonnant, de vie, de sincérité, de musique, intitulé « Ce que le temps a donné à l’homme » que les deux artistes sont venus présenter à La Baule. Leur complicité transparait à l’écran et permet de livrer un portrait à la fois personnel, singulier, lumineux qui ne soit jamais indiscret et impudique et, d’ailleurs, à l’issue du documentaire de 52 minutes, le mystère demeure et c’est bien heureux, mais surtout elle nous donne envie d’écouter encore et encore les musiques à l’image de l’artiste, « tendre et sauvage » et d’aller le voir en concert. (Je garde un souvenir inoubliable de sa prestation au Festival du Film de Cabourg, il y a quelques années.) Sandrine Bonnaire avait déjà réalisé un documentaire, un autre magnifique portrait, poignant mais ni larmoyant ni complaisant, celui de sa sœur Sabine dans « Elle s’appelle Sabine ».
« Le Maître de musique » de Gérard Corbiau
Ce festival fut aussi pour moi l’occasion de voir (mieux vaut tard que jamais !) « Le Maître de musique », un film du président du jury de ce Festival de La Baule, Gérard Corbiau. Ce film de 1988 a été nommé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1989.
Au début du XXe siècle, Joachim Dallayrac, fameux baryton, annonce qu’il met un terme à sa carrière lyrique, pourtant au sommet de la gloire. Il a en effet décidé de se consacrer entièrement à l’enseignement de la jeune Sophie dont il recherche la perfection vocale, surprenant et décevant ainsi les critiques. Jusqu’au jour où il rencontre Jean, un jeune voyou dont il entame le travail vocal. Ses deux élèves sont alors conviés au concours lyrique organisé par l’éternel rival de Dallayrac, le Prince Scotti. Jean et Sophie se joignent au concours…
Je reviendrai ultérieurement sur ce film, d’une étonnante maîtrise, et dont il est difficile de croire que c’est un premier film. Construit comme un opéra dans lequel la musique exprime les sentiments passionnés, parfois réfrénés, des protagonistes, et grâce un montage remarquable, une photographie somptueuse ce film est un moment de pure poésie et de musique violemment enchanteresses.
Hommage à Michel Legrand, concert exceptionnel et master class
L’an passé, le compositeur Francis Lai avait reçu un Ibis d’Or pour l’ensemble de sa carrière (et pour ses 50 ans de collaboration avec Claude Lelouch). Cette année, c’était au tour d’un autre très grand compositeur de musiques de films, Michel Legrand, d’être honoré par le Festival (avec un concert unique et exceptionnel lors de la clôture, un grand moment).
C’est l’occasion aussi pour moi de faire une petite parenthèse pour vous recommander l’excellent film « Cinq jours en juin » réalisé par Michel Legrand. Un film méconnu de 1988 que Michel Legrand a réalisé. Le film est certes de facture classique mais la réalisation est loin d’être inintéressante ou banale et, en plus d’être un musicien génial, Michel Legrand se révèle être un cinéaste doué, pudique et inspiré. Dans ce film, il raconte une histoire fortement inspiré de la sienne: Michel, âgé de quinze ans, (Matthieu Rozé) remporte son prix de piano au conservatoire de Paris le jour où les alliés débarquent sur les plages de Normandie. Les trains sont réquisitionnés, lui et sa mère (Annie Girardot) ne peuvent plus rentrer en Normandie. Avec Yvette ( Sabine Azéma), une jeune femme délurée, ils volent des bicyclettes et partent pour Saint-Lô. Sur leur chemin, ils échappent à des bombardements et à des combats, assistent à la débâcle des troupes allemandes et rencontrent des soldats américains. Michel tombe amoureux d’Yvette. Ce film exhale un parfum entêtant et enivrant qui doit s’appeler le charme qui doit beaucoup au trio de comédiens avec une Sabine Azéma, rayonnante, mutine, malicieuse, éclatante de vie et une Annie Girardot, à la fois grave et sereine et bienveillante, comme toujours d’une justesse remarquable. Un film plein de vitalité et d’émotions, de celle qui nous envahit quand on écrit pour les êtres chers disparus, de celle qui vient du cœur, qui transparait dans chacun des plans de ce film qui mérité d’être vu.
« Les circonstances dramatiques ont créé l’envie de se rassembler et de célébrer la chance d’être en vie et cela s’est senti dans chaque note » a très justement précisé Christophe Barratier en préambule de cette passionnante master class lors de laquelle l’émotion fut au rendez-vous. Pardon pour la mauvaise qualité de l’image mais je tenais néanmoins à partager ici les propos passionnants de Michel Legrand. La master class a été précédée d’un montage d’extraits emblématiques de musiques de films signées de ce grand artiste :
-Les Demoiselles de Rochefort
-Cléo de 5 à 7
-Le Messager
-La Piscine
-Les Mariés de l’an 2
-Un été 42
-Jamais plus jamais
-Les enfants de Lumière
-La rançon de la gloire
-Peau d’âne
-L’affaire Thomas Crown
-Yentl
1.Michel Legrand a commencé par évoquer le dernier film sur la musique duquel il a travaillé, « La Rançon de la gloire » de Xavier Beauvois dont vous pouvez retrouver ma critique ici.
« La musique au cinéma est comme un deuxième dialogue. La musique que j’écris, elle dérange » a ainsi expliqué Michel Legrand
2. Le deuxième extrait fut celui de la scène si sensuelle de la partie d’échecs dans « L’Affaire Thomas Crown »
3. Le troisième extrait, « Les parapluies de Cherbourg » a clos cette master class. « J’ai musiqué un film écrit pour être parlé », a ainsi raconté Michel Legrand à propos de ce chef d’œuvre de Demy, palme d’or 1964.
-Ciné-concert « West side story »
Quel plaisir ce fut aussi de revoir « West side story » le lendemain du concert donné par les 70 musiciens du La Baule Symphonic, de me laisser à nouveau conquérir par la musique de Leonard Bernstein, de me laisser bouleverser par ce Roméo et Juliette du Upper West Side à New York. La noirceur du thème, la musique sophistiquée, les problèmes sociaux évoqué restent étonnamment actuels sans parler de la partition de Bernstein et ses inoubliables et intemporels Something’s coming, Maria, America, Somewhere, Tonight, Jet Song, I Feel Pretty, One Hand, One Heart, Gee, Officer Krupke et Cool.
Le film remporta dix Oscars (sur onze nominations) lors de la 34e cérémonie des Oscars.
« Toutes mes vocations sont nées de ce film » a expliqué Mathilda May venue rendre hommage à George Chakiris finalement absent pour raisons de santé.
« Le Bolero » de Maurice Ravel (la musique du film « Les Uns et Les Autres » de Claude Lelouch…) par lequel s’est terminé ce concert m’a emportée dans ce tourbillon de musique éblouissant, ce que fut aussi ce 2ème Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule. Une indéniable réussite. Vivement le prochain!
Palmarès
Ibis d’or du meilleur film
« A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)
Ibis d’or de la meilleure musique de film :
Khyam Allami pour « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)
Ibis d’or du meilleur scénario :
« La Passion d’Augustine » de Lea Pool (Canada, Québec)
Ibis d’or du meilleur acteur – Groupe Barrière :
Younes Megri et El Jihani Llyas (ex-aequo)
pour « L’Orchestre des aveugles » de Mohamed Mouftakir (France / Maroc)
Ibis d’or de la meilleure actrice :
Baya Medhaffer et Ghalia Benali (ex-aequo)
pour « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)
Ibis d’or Prix du public :
« La Passion d’Augustine » de Lea Pool (Canada, Québec)
Ibis d’or du meilleur court métrage :
« La Veilleuse » de Joan Borderie (France)
Enfin, puisque de musiques de films il est question, j’en profite pour vous rappeler que vous pouvez encore gagner, ici, les inoubliables musiques des films de Scorsese à l’occasion de la sortie du coffret ci-dessous.
