Présentation du festival

Pour Victor Hugo, "La musique exprime ce qui ne peut être dit et sur quoi il est impossible de rester silencieux." Exprimer l'indicible est une des qualités (parmi d'autres) de la musique de film que le Festival du Cinéma et Musique de Film La Baule a la judicieuse idée de mettre à l'honneur chaque année depuis 9 ans. Si vous voulez avoir une idée de ce en quoi consiste ce festival et des raisons pour lesquelles c'est désormais un évènement incontournable de l'année cinématographique (au même titre que des festivals plus anciens comme Cabourg ou Dinard), retrouvez mes articles depuis la première édition et, ici, mon compte-rendu détaillé de l'édition 2022.

Ce festival est ainsi un évènement unique et rare tant par la qualité des films projetés, la symbiose entre cinéma et musique que la convivialité qui y règne. Le tout dans le cadre majestueux de la Baie de La Baule qui sert d’écrin à ce festival qui, en 9 ans, a réussi à s’imposer comme un évènement cinématographique et musical indispensable avec, à son générique, des films majeurs, mais aussi des concerts marquants des plus grands compositeurs de musiques de films à l’image de ce que sera sans aucun doute celui de cette année.

Il y a deux ans, les organisateurs de ce festival (créé et dirigé par Sam Bobino, notamment fondateur des Paris Film Critics Awards -vous trouverez ici mon compte-rendu détaillé et le palmarès de l'édition 2023 -  et le cinéaste Christophe Barratier) avaient eu la judicieuse idée d’inaugurer une nouvelle formule mettant l’accent sur le cinéma français.  Le festival devient ainsi une fenêtre d’exposition pour les films qui sortent pendant l’été, une idée lumineuse quand certains films à l’affiche en juillet-août ne bénéficient pas de la visibilité qu’ils mériteraient. 

9ème édition

"Comme par magie" de Christophe Barratier fera l'ouverture du festival.

Le Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule revient ainsi pour une 9ème édition, du 28 juin au 2 juillet 2023. Pour cette nouvelle édition, les organisateurs ont prévu de nombreuses surprises. Et toujours une sélection de longs et courts-métrages français en avant-première (en compétition ou hors compétition avec, notamment, le dernier film du cofondateur du festival, Christophe Barratier, tourné en partie à La Baule, Comme par magie, en ouverture (le film sera présenté en hors compétition pour la première fois au public en présence du réalisateur, celle du compositeur Bertrand Burgalat et des acteurs principaux, Kev Adams et Gérard Jugnot. Cette comédie produite par M.E.S Productions, marquera les retrouvailles entre Christophe Barratier et Gérard Jugnot, 20 ans après Les Choristes et 15 ans après Faubourg 36), un panorama de films internationaux singuliers (les “coups de projecteur’’, en partenariat avec Universciné parmi lesquels, comme chaque année, des pépites à découvrir), l’organisation de rencontres et d’échanges avec les artistes (les masters class : cette année Radu Mihaileanu, Ariane Ascaride, Ludovic Bource, Jean-Michel Bernard, Sacha Chaban), des projections sur la plage (The Artist de Michel Hazavanicius, en présence de son compositeur Ludovic Bource, à l'occasion des 100 ans de la Warner Bros, à revoir absolument, vous trouverez ma critique ci-dessous, dans cet article), une grande exposition intitulée Music & Iconic et des animations…sans oublier l'incontournable concert lors de la soirée du palmarès, cette année celui de Kyle Eastwood. Cette année, 24 films seront présentés dont 22 en avant-première (19 longs métrages dont 5 en compétition et 5 courts métrages également en compétition). Au total ce sont 34 projections qui seront organisées durant 5 jours (avec les reprises des films durant le week-end).

Un festival découvreur de talents

Les films découverts dans le cadre de ce festival sont souvent les meilleurs de l’année parmi lesquels il y eut : Paterson, À peine j’ouvre les yeux, Tanna, Le Prophète, Demain tout commence, Born to be blue, Jalouse, L’attente, Mr. Turner, Carole Matthieu, Tout nous sépare, Guy, La tortue rouge, Les hirondelles de Kaboul et, rien que pour l’année 2019, en compétition, sans doute les meilleurs films de l’année (Les Éblouis, J’ai perdu mon corps, La Belle époque, La dernière vie de Simon, La nuit venue, Lola vers la mer)…et tant d’autres et aussi de nombreux documentaires comme Abdel Rahman El Bacha - Un piano entre Orient et Occident, ou encore des courts-métrages. L'édition 2022 n'avait pas dérogé à la règle notamment avec la projection du documentaire Ennio de Giuseppe Tornatore, ou encore en compétition les films I love Greece de Nafsika Guerry-Karamounas, Flee de Jonas Poher Ramussen, mais aussi Maria rêve de Lauriane Escaffre et Yvonnick Muller...

Des concerts mémorables

Chaque année, le festival propose aussi  des master class passionnantes et des concerts mémorables comme le furent ceux de Francis Lai, Michel Legrand, Lalo Schifrin, Eric Serra, Gabriel Yared, Vladimir Cosma, Philippe Sarde et Alexandre Desplat l’an passé.

Photos ci-dessus par Inthemoodforcinema.com : Francis Lai, Lalo Schifrin et Vladimir Cosma au Festival de La Baule.

Kyle Eastwood, invité d'honneur de la 9ème édition et concert hommage "Eastwood by Eastwood" dirigé par Kyle Eastwood et son quintet

Cette année, le Festival de La Baule met à l’honneur le musicien, compositeur et arrangeur de musiques de film, Kyle Eastwood. Il se produira sur la scène du Palais des Festivals et des Congrès Jacques Chirac–Atlantia de La Baule lors d’un concert hommage aux plus belles musiques des films de son père, l’acteur et réalisateur Clint Eastwood, dont certaines qu’il a composées lui-même, un concert inédit de Kyle Eastwood, entouré de son quintet, intitulé Eastwood by Eastwood, le samedi 1er juillet prochain à 19H (pour lequel je vous recommande d'ores et déjà de réserver, ce concert sera précédé de la cérémonie de remise des prix du festival).

Crédit photos  : Jérôme Bonnet

Fils de Clint, mais avant tout talentueux contrebassiste de jazz et compositeur ou arrangeur de musiques de film dont Gran Torino, Mystic River, Million Dollar Baby, Lettres d’Iwo Jima et Invictus, Kyle Eastwood est l’auteur de huit albums dont le dernier , Cinematic, est une variation sur des thèmes cultes du cinéma. Le quintet de Kyle Eastwood y sublime la ballade de Gran Torino, y fait swinguer Pink Panther et groover le thème de Skyfall.

Le jury

Radu Mihaileanu, président du jury de la 9ème édition

C’est Radu Mihaileanu, le réalisateur du film aux 2 millions de spectateurs, Le Concert, qui présidera le jury de cette 9^ème édition. Grand cinéaste humaniste et lyrique, découvert avec un second film à l’incroyable trajectoire internationale (Train de vie), Radu Mihaileanu incarne la solidité du lien franco-roumain, comme autrefois Cioran ou Sergiu Celibidache. Son plus grand succès public, Le Concert, film autour de l’univers de la musique, exprime pleinement la passion de Radu Mihaileanu pour la musique en général et pour celle aux tonalités slaves ou orientales en particulier, comme le démontre sa collaboration avec le compositeur Goran Bregović pour Train de vie ou Armand Amar son compositeur d’élection avec qui il a signé quatre films : Va, Vis et deviens (un très grand film que je vous recommande vivement, récompensé par le César du meilleur scénario original l’année suivante, après avoir reçu plusieurs prix lors de la Berlinale 2005), Le Concert, La Source des Femmes et L’Histoire de l’Amour, sans oublier Béatrice Thiriet pour le téléfilm Les Pygmées de Carlo. Pour Radu Mihaileanu « la musique c’est la vie » et elle est indissociable de son œuvre. C’est en passionné et grand connaisseur de musiques que Radu Mihaileanu présidera ce 9^e jury du Festival de La Baule.

Il sera entouré de : Amanda Sthers (qui viendra présenter son dernier film, Les Promesses), Irène Drésel Drésel (César 2023 de la meilleure musique originale pour À plein temps), Victoria Bedos, Stéphane de Groodt.

9 prix seront décernés : Meilleur Film 2023, Meilleure Musique de film 2023, Meilleure Interprétation 2023, Meilleur Court-Métrage 2023, Prix du Public 2023  Groupe Barrière, Prix spécial Coup de Projecteur 2023 UniversCiné, Meilleure Musique de l’année 2023, Révélation Jeune Talent Compositeur 2023, Prix d’Honneur 2023.

Les films en compétition

- Le théorème de Marguerite de Anna Novion

Musique : Pascal Bideau

- Sur la branche de Marie Garel Weiss

Musique : Ferdinand Berville et Pierre Allio

- Une nuit de Alex Lutz

Musique : Vincent Blanchard

- Sous le tapis de Camille Japy

Musique : M (Matthieu Chedid)

- Le Syndrome des amours passées de Ann Sirot Raphaël Balboni

Musique : Julie Roué

Courts métrages en compétition

- Le Père, le Fils et le Rav Kalmenson de Dayan D. Oualid

- Love on the beach de Anne Barbier

- Mukbanger de Hugo Becker (qui fut présenté dans le cadre des courts métrages de l’ADAMI Talents Cannes, je vous recommande ce film choc)

- The last dinner de Marie-Ange Casalta

- Boussa the kiss de Azedine Kasri

Longs métrages hors compétition

- Comme par magie de Christophe Barratier (film d’ouverture)

Musique : Bertrand Burgalat

- Toni en famille de Nathan Ambrosioni

-Petit Jésus de Julien Rigoulot

Musique : Mahieu Lafontaine

- Super bourrés de Bastien Milheau

Musique : Alexis Rault

- Les Promesses de Amanda Sthers

Musique : Andrea Laszlo de Simone

Ciné Jeunesse – Hors compétition

- Super lion de Rasmus A. Sivertsen

Musique : Stein Johan Grieg Halvorsen, Eyvind Andreas Skeie

Coups de projecteurs longs métrages avec Universciné

- Club zéro de Jessica Hausner

Musique : Markus Binder

- Le Colibri de Francesca Archibugi

Musique : Battista Lena

- Linda veut du poulet de Chiara Malta et Sébastien Laudenbach

Musique : Clément Ducol

- Les Meutes de Kamal Lazraq

Musique : Pauline Rambeau de Baralon

- Les Algues vertes de Pierre Jolivet

Musique : Adrien Jolivet

Doc musical

- Squaring the circle de Anton Corbijn

L’invité : Ludovic Bource

Le compositeur oscarisé pour The Artist de Michel Hazanavicius (en 2012), lauréat du prix de la meilleure musique au Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule 2022 pour e Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ?, sera cette année présent au festival comme invité de deux master-class (dont une scolaire) et, en passage de relais, comme remettant au lauréat 2023 de la meilleure musique.

Le Festival de La Baule célèbre les 100 ans de la Warner

J’ai consacré il y a quelques jours, ici, un article aux 100 ans de la Warner. Le Festival de La Baule a l’excellente idée de les célébrer également avec la projection sur la plage de La Baule du film The Artist que viendra présenter son compositeur Ludovic Bource. Il donnera une master class et participera à une initiation à la musique à l'image destinée aux élèves des écoles primaires de La Baule.

Critique de The Artist de Michel Hazanavicius

- et souvenir de projection au Festival de Cannes 2011, ma critique ci-dessous fut intialement publiée suite à cette projection -

(Un film à -re-voir sur la plage de la Baule)

C’était un dimanche matin de mai 2011, le début du Festival de Cannes encore, en projection presse. Pas encore vraiment l’effervescence pour le film qui obtint la palme d’or mais un joli bruissement d’impatience parmi les regards déjà las, ou obstinément sceptiques. 1H40 plus tard, la salle résonnait d’applaudissements, pendant dix minutes, fait rare en projection presse. Le soir même, j'étais retournée le voir en projection officielle. L’émotion fut la même, redoublée par la présence de l’équipe du film, terriblement émue elle aussi par les réactions enthousiastes du public, par les rires tendres, par cette cavalcade d’applaudissements qui a commencé lors de la dernière scène et ne s’est plus arrêtée pour continuer pendant un temps qui m’a paru délicieusement long. Un beau, rare et grand moment du Festival de Cannes.

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011

Le pari était pourtant loin d’être gagné d’avance. Un film muet (ou quasiment puisqu’il y a quelques bruitages). En noir et blanc. Tourné à Hollywood. En 35 jours. Par un réalisateur qui jusque là avait excellé dans son genre, celui de la brillante reconstitution parodique, mais très éloigné de l’univers dans lequel ce film nous plonge. Il fallait beaucoup d’audace, de détermination, de patience, de passion, de confiance, et un peu de chance sans doute aussi, sans oublier le courage -et l’intuition- d’un producteur (Thomas Langmann) pour arriver à bout d’un tel projet. Le pari était déjà gagné quand le Festival de Cannes l’a sélectionné d’abord hors compétition pour le faire passer ensuite en compétition, là encore fait exceptionnel.

Le film débute à Hollywood, en 1927, date fatidique pour le cinéma puisque c’est celle de l’arrivée du parlant. George Valentin (Jean Dujardin) est une vedette du cinéma muet qui connaît un succès retentissant mais l’arrivée des films parlants va le faire passer de la lumière à l’ombre et le plonger dans l’oubli. Pendant ce temps, une jeune figurante, Peppy Miller (Bérénice Béjo) qu’il aura au départ involontairement  placée dans la lumière, va voir sa carrière débuter de manière éblouissante. Le film raconte l’histoire de leurs destins croisés.

Qui aime sincèrement le cinéma ne peut pas ne pas aimer ce film qui y est un hommage permanent et éclatant. Hommage à ceux qui ont jalonné et construit son histoire, d’abord, évidemment. De Murnau à Welles, en passant par Borzage, Hazanavicius cite brillamment ceux qui l’ont ostensiblement inspiré. Hommage au burlesque aussi, avec son mélange de tendresse et de gravité, et évidemment, même s’il s’en défend, à Chaplin qui, lui aussi,  lui surtout, dans « Les feux de la rampe », avait réalisé un hymne à l'art qui porte ou détruit, élève ou ravage, lorsque le public, si versatile, devient amnésique, lorsque le talent se tarit, lorsqu’il faut passer de la lumière éblouissante à l’ombre dévastatrice. Le personnage de Jean Dujardin est aussi un hommage au cinéma d’hier : un mélange de Douglas Fairbanks, Clark Gable, Rudolph Valentino, et du personnage de Charles Foster Kane (magnifiques citations de Citizen Kane) et Bérénice Béjo, avec le personnage de Peppy Miller est, quant à elle, un mélange de Louise Brooks, Marlène Dietrich, Joan Crawford…et nombreuses autres inoubliables stars du muet.

Le cinéma a souvent parlé de lui-même… ce qui a d’ailleurs souvent produit des chefs d’œuvre. Il y a évidemment La comtesse aux pieds nus de Mankiewicz, La Nuit américaine de Truffaut, Sunset Boulevard de Billy Wilder, Une étoile est née de George Cukor et encore Chantons sous la pluie de Stanley Donen et Gene Kelly auxquels The Artist, de par son sujet, fait évidemment penser. Désormais, parmi ces classiques, il faudra citer The Artist de Michel Hazanavicius. Ses précédents films étaient d'ailleurs déjà des hommages au cinéma. On se souvient ainsi des références à Sueurs froides ou La Mort aux trousses d'Hitchcock dans OSS 117 : Rio ne répond plus.

Hazanavicius joue ainsi constamment et doublement la mise en abyme : un film muet en noir et blanc qui nous parle du cinéma muet en noir et blanc mais aussi qui est un écho à une autre révolution que connaît alors le cinéma, celle du Numérique.

Le mot jubilatoire semble avoir été inventé pour ce film, constamment réjouissant, vous faisant passer du rire aux larmes, ou parfois vous faisant rire et pleurer en même temps. Le scénario et la réalisation y sont pour beaucoup mais aussi la photographie (formidable travail du chef opérateur Guillaume Schiffman qui, par des nuances de gris, traduit les états d’âme de Georges Valentin), la musique envoûtante (signée Ludovic Bource, qui porte l’émotion à son paroxysme, avec quelques emprunts assumés là aussi, notamment à Bernard Herrmann) et évidemment les acteurs au premier rang desquels Jean Dujardin qui méritait amplement son prix d’interprétation cannois.

Flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, il fait passer dans son regard une foule d’émotions, de la fierté aux regrets,  de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance.  Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans Un balcon sur la mer de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer.  Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage.

 Une des plus belles et significatives scènes est sans doute celle où il croise Peppy Miller dans un escalier, le jour  du Krach de 1929. Elle monte, lui descend. A l’image de leurs carrières. Lui masque son désarroi. Elle, sa conscience de celui-ci, sans pour autant dissimuler son enthousiasme lié à sa propre réussite. Dujardin y est d’une fierté, d’une mélancolie, et d’une gaieté feinte bouleversantes, comme à bien d’autres moments du film. Bérénice Béjo ne démérite pas non plus dans ce nouveau rôle de « meilleur espoir féminin » à la personnalité étincelante et généreuse, malgré un bref sursaut de vanité de son personnage. Il ne faudrait pas non plus oublier les comédiens anglo-saxons : John Goodman, Malcolm McDowell et John Cromwell (formidablement touchant dans le rôle du fidèle Clifton).

Il y eut bien quelques cyniques pour dire que ce mélodrame  est plein de bons sentiments, mais Hazanicius assume justement ce mélodrame. The Artist est en effet aussi une très belle histoire d’amour simple et émouvante, entre Peppy et Georges mais aussi entre Georges et son cabot-in Uggy : leur duo donne lieu à des scènes tantôt drôles, tantôt poétiques, tantôt touchantes, et là encore parfois au trois en même temps. Hommage aussi à ce pouvoir magique du cinéma que de susciter des émotions si diverses et parfois contradictoires.

Michel Hazanavicius  évite tous les écueils et signe là un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité.

Ce film m’a éblouie, amusée, émue. Parce qu’il convoque de nombreux souvenirs de cinéma. Parce qu’il est une déclaration d’amour follement belle au cinéma. Parce qu’il ressemble à tant de films du passé et à aucun autre film contemporain. Parce qu’il m’a fait ressentir cette même émotion que ces films des années 20 et 30 auxquels il rend un vibrant hommage. Parce que la réalisation est étonnamment inspirée (dans les deux sens du terme d’ailleurs puisque, en conférence de presse, Michel Hazanavicius a revendiqué son inspiration et même avoir « volé » certains cinéastes). Parce qu’il est burlesque, inventif, malin, poétique, et touchant.  Parce qu’il montre les artistes dans leurs belles et poignantes contradictions et fêlures.

Il ne se rapproche d’aucun autre film primé jusqu’à présent à Cannes…et en sélectionnant cet hymne au cinéma en compétition puis en le  primant,  le Festival de  Cannes a prouvé qu’il était avant tout le festival qui aime le cinéma, tous les cinémas, loin de la caricature d’une compétition de films d’auteurs représentant toujours le même petit cercle d’habitués dans laquelle on tend parfois à l’enfermer.

 The Artist fait partie de ces films qui ont fait de cette édition cannoise 2011 une des meilleures de celles auxquelles j’ai assisté, pour ne pas dire la meilleure…avec des films  aussi différents et marquants que  This must be the place de Paolo Sorrentino, Melancholia de Lars von Trier, La piel que habito de Pedro Almodovar.

 Un film à ne manquer sous aucun prétexte si, comme moi, vous aimez passionnément et même à la folie, le cinéma. Rarement un film aura aussi bien su en concentrer la beauté simple et magique, poignante et foudroyante. Oui, foudroyante comme la découverte  de ce plaisir immense et intense que connaissent les amoureux du cinéma lorsqu’ils voient un film pour la première fois, et découvrent son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici.

Gran Torino de Clint Eastwood - Critique

Walt Kowalski ( oui, Kowalski comme Marlon Brando dans Un tramway nommé désir), Walt Kowalski (Clint Eastwood) donc, ancien vétéran de la guerre de Corée et retraité de l’usine Ford de Détroit, a tout pour plaire : misanthrope, raciste, aigri, violent, cynique, irascible, intolérant. Et  très seul. D’autant plus que lorsque débute l’intrigue, il enterre sa femme méprisant autant ses enfants et petits-enfants que ceux-ci le dédaignent.  Enfin, seul… ou presque : il est toujours accompagné de la fidèle Daisy, son labrador,  de son fusil, de sa voiture de collection, une splendide Gran Torino qu’il ne se lasse pas d’admirer depuis la terrasse de son pavillon de Détroit,  de ses bières et ses douloureux souvenirs. La dernière volonté de sa femme était qu’il aille se confesser mais Walt ne fait confiance à personne ni à un prêtre (Christopher Carley) qui va le poursuivra inlassablement pour réveiller sa bonne (ou mauvaise) conscience pour susciter sa confession, ni à sa famille et encore moins ses voisins, des immigrants asiatiques qu’il méprise et qui lui rappellent de cruelles blessures. Jusqu’au jour où, sous la pression d’un gang, un adolescent Hmong, le fils de ses voisins,  le jeune, timide -et lui aussi solitaire et incompris- Thao (Bee Vang),  tente de lui voler sa voiture, ce à quoi il tient le plus au monde. Et lorsque le gang s’attaque à Thao,  Walt s’attaque au gang non pas pour le défendre mais pour les chasser de son jardin.  Sur ce malentendu, ayant ainsi défendu Thao, malgré lui, il devient ainsi le héros du quartier. Sue (Ahney Her), la sœur aînée de Thao, insiste pour que ce dernier se rachète en travaillant pour Walt. Ce dernier va alors lui confier des travaux d’intérêt général. Et peu à peu,  en apprenant à se comprendre, le timide adolescent aux prémisses de son existence, et le misanthrope, aux dernières lueurs de la sienne, vont révéler un nouveau visage, et emprunter une nouvelle route…

Gran Torino est un film multiple et fait partie de ces films, rares, qui  ne cherchent pas l’esbroufe et à vous en mettre plein la vue mais de ces films qui vous enserrent subrepticement dans leur univers pour vous asséner le coup de grâce au moment où vous y attendiez le moins, ou plutôt alors que vous vous y attendiez. Mais pas de cette manière. Oui la grâce. Coup de grâce dans tous les sens du terme.

Multiple parce qu’il est aussi drôle que touchant, passant parfois de l’humour à l’émotion, du comique au tragique  en un quart de seconde, dans une même scène. La scène où son fils et sa belle-fille viennent fêter son anniversaire est à la fois redoutablement triste et drôle.

Multiple parce qu’il réunit tous les clichés du film manichéen pour subtilement et mieux s’en départir. Et après le justement très manichéen et excessivement mélodramatique L’Echange on pouvait redouter le pire, surtout que ce sujet pouvait donner lieu aux pires excès.

Multiple parce que derrière cette histoire de vétéran de la guerre de Corée, c’est aussi celle d’un mythe du cinéma américain qui fait preuve d’autodérision, répondant à ses détracteurs, exagérant toutes les tares qui lui ont été attribuées et les faisant une à une voler en éclats mais créant aussi un personnage, sorte de condensé de tous ceux qu’il a précédemment interprétés. Souvent des hommes en marge, solitaires, sortes de cowboys intemporels. Et ce Kowalski  ressemble  un peu à l’entraîneur de  Million Dollar Baby, lui aussi fâché avec sa famille et la religion. Mais aussi à l’inspecteur Harry. Ou même au Robert Kincaid de Sur la route de Madison dont il semble pourtant de prime abord être aux antipodes.

Multiple parce que c’est à la fois un film réaliste (les acteurs Hmong sont non professionnels, Gran Torino est ainsi le premier scénario de Nick Schenk –coécrit avec Dave Johannson- qui a travaillé longtemps dans des usines au milieu d’ouvriers Hmong, peuple d’Asie répartie dans plusieurs pays  avec sa propre culture,  religion, langue) et utopique dans son sublime dénouement. C’est aussi  à la fois un thriller, une comédie, un film intimiste, un drame, un portrait social, et même un western.

Evidemment nous sommes dans un film de Clint Eastwood. Dans un film américain. Evidemment nous nous doutons que cet homme antipathique va racheter ses fautes, que la Gran Torino en sera l’emblème, qu'il ne pourra rester insensible à cet enfant, à la fois son double et son opposé, sa mauvaise conscience (lui rappelant ses mauvais souvenirs et ses pires forfaits) et sa bonne conscience (lui permettant de se racheter, et réciproquement d'ailleurs),  que la morale sera sauve et qu’il finira par nous séduire. Malgré tout. Mais c’est là tout l’immense talent de Clint Eastwood : nous surprendre, saisir, bouleverser avec ce qui est attendu et prévisible, faire un film d’une richesse inouïe à partir d’une histoire qui aurait pu se révéler mince, univoque et classique, voire simpliste.  D’abord, par une scène de confession qui aurait pu être celle d’un homme face à un prêtre dans une Eglise, scène qui aurait alors été convenue et moralisatrice. Une scène qui n’est qu’un leurre pour que lui succède la véritable scène de confession, derrière d’autres grilles. A un jeune garçon qui pourrait être le fantôme de son passé et sera aussi le symbole de sa rédemption.  Scène déchirante, à la fois attendue et surprenante. Ensuite et surtout,  avec cette fin qui, en quelques plans, nous parle de transmission, de remords, de vie et de mort, de filiation, de rédemption, de non violence, du sens de la vie. Cette fin sublimée par la photographie crépusculaire de Tom Stern (dont c’est la septième collaboration avec Clint Eastwood, cette photographie incomparable qui, en un plan, vous fait entrevoir la beauté évanescente d'un instant ou la terreur d'un autre) qui illumine tout le film, ou l’obscurcit majestueusement aussi, et par la musique de Kyle Eastwood  d’une douceur envoûtante  nous assénant le coup fatal.

Vous quitterez ce film encore éblouis par sa drôlerie désenchantée,  à la fois terrassés et portés par sa sagesse, sa beauté douloureuse, sa lucidité, sa mélancolie crépusculaire, entre ombre et lumière, noirceur et espoir, mal et rédemption, vie et mort, premières et dernières lueurs de l'existence. Le tout servi par une réalisation irréprochable et par un acteur au sommet de son art qui réconciliera les amateurs de l’inspecteur Harry et les inconditionnels de Sur la route de Madison et même ceux qui, comme moi, avaient trouvé Million dollar baby et L’Echange  démesurément grandiloquents et mélodramatiques. Si, les premières minutes ou même la première heure vous laissent vous aussi parfois sceptiques, attendez…attendez que ce film ait joué sa dernière note, dévoilé sa dernière carte qui éclaireront l’ensemble et qui  font de ce film un hymne à la tolérance, la non violence (oui, finalement) et à la vie qui peut rebondir et prendre un autre sens (et même prendre sens!) à chaque instant.   Même l'ultime. Même pour un homme seul, irascible, cynique et condamné à mort et a priori à la solitude. Même pour un enfant seul, timide, a priori condamné à  une vie terne et violente. 

Un film qui confirme le talent d’un immense artiste capable de tout jouer et réaliser et d’un homme capable de livrer une confession, de faire se répondre et confondre subtilement cinéma et réalité, son personnage et sa vérité, pour nous livrer un visage à nu et déchirant. Une démonstration implacable. Un film irrésistible et poignant.  Une belle leçon d’espoir, de vie, d’humilité. Et de cinéma…

Les Rencontres

Animées par Stéphane Lerouge, Romain Balland et Emmanuel D’Orlando

"Les master-class et rencontres sont conçues comme des séances de réflexion et de vulgarisation, à destination du grand public. Extraits à l’appui, elles permettent aux invités d’évoquer les choix de leur parcours et, notamment aux cinéastes et compositeurs, de montrer comment un film s’écrit aussi par sa musique."

Rencontre avec Radu Mihaileanu

Rencontre avec Ariane Ascaride

Rencontre avec Ludovic Bource, Jean-Michel Bernard, Sacha Chaban

Complément de programmation

L'affiche de la 9ème édition

Pour cette nouvelle affiche du Festival de Cinéma et de Musique de Film de La Baule, l’artiste Carolina Spielmann (déjà à l’origine de la création de l’affiche 2022) et le studio La Femme assise, ont imaginé un visuel qui fait directement référence à l’univers de l’acteur et réalisateur Clint Eastwood. Cette nouvelle affiche du Festival de La Baule met en avant deux éléments forts qui sont associés à la filmographie de Clint Eastwood : le revolver Smith & Wesson, utilisé par l’inspecteur Harry Callahan dans la série des films L’inspecteur Harry (qui s’inspire directement d’une des affiches américaines de Dirty Harry et qui rappelle aussi le colt utilisé par Clint Eastwood dans ses westerns) ; et la trompette, pour le côté jazz et musical de ses films comme Bird. Le Festival a fait aussi le choix d’un aplat de couleur un peu sixties et surtout très seventies (la couleur orange) référence directe aux deux décennies de « l’âge d’or » de Clint Eastwood en tant qu’acteur avec des films aussi emblématiques que ceux de la « Trilogie du dollar », dans les années 60 (Pour une poignée de dollars, Et pour quelques dollars de plus et Le Bon, la Brute et le Truand) ; et les polars des années 70 (L’inspecteur Harry, Magnum Force, L’inspecteur ne renonce jamais). La couleur orange dominante est également un clin d’œil au côté ensoleillé de La Baule.

Exposition Music & Iconic

Extrait du communiqué de presse du festival à ce sujet :

Les plus grandes stars de la musique et la plus grande icône du cinéma, Marilyn Monroe, sont ainsi réunis dans une seule et même exposition. Cette exposition rend hommage à ces icônes comme les Rolling Stones, que Jean-Luc Godard a immortalisées dans son film One + One et Martin Scorsese avec Shine a Light, lui qui a souvent utilisé aussi les chansons des Stones dans ses films (Jumpin’Jack Flash dans Mean Streets et Gimme Shelter et Let It Loose dans Les Infiltrés), Scorsese qui a aussi croisé la route de Bob Dylan avec le film Rolling Thunder Revue. On retrouvera aussi les chansons des Stones dans Apocalypse Now de Francis Ford Coppola et Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, comme emblèmes de la contre-culture et pour mieux dénoncer la guerre du Vietnam. Les musiques des Rolling Stones seront également à l’affiche de La Famille Tenenbaum et À bord du Darjeeling Limited, de Wes Anderson, ou encore C.R.A.Z.Y, V pour Vendetta, Le Fan, Flight, Zabriskie Point et même Les Minions dont la personnalité même de Keith Richards inspirera le personnage de Jack Sparrow dans Pirates des Caraïbes ! David Bowie, presque autant chanteur qu’acteur marquera aussi beaucoup le cinéma avec des rôles mythiques comme celui du Major Jack dans Furyo, d’un alien dans L’Homme qui venait d’ailleurs, de Jareth le roi des gobelins dans Labyrinthe, des films suivis par Les Prédateurs (de Tony Scott aux côtés de Catherine Deneuve), Absolute Beginners, La Dernière Tentation du Christ, Twin Peaks: Fire Walk with Me, Basquiat, Le Prestige… Ou encore Madonna, qui jouera dans plus d’une vingtaine de longs métrages de Recherche Suzanne Désespérément (Who’s That Girl) à Dick Tracy réalisé par Warren Beatty et Ombres et brouillard de Woody Allen, en passant par le sulfureux Snake Eyes d’Abel Ferrara et bien sûr Evita d’Alan Parker ou le James Bond–Meurs un autre jour, et qui signera certaines de ces bandes originales. Les autres icônes ce sont aussi les Doors, dont le biopic sera porté à l’écran par Oliver Stone (également grand amateur des Stones), Serge Gainsbourg aussi, acteur, réalisateur et compositeur pour le cinéma dont le nom est automatiquement associé au film Le Pacha de Georges Lautner avec la chanson Requiem pour un c… .Mais lorsqu’on parle d’icône on ne peut oublier celle qui est l’incarnation de la star iconique hollywoodienne par excellence, Marilyn Monroe, son incroyable et tragique destinée, sa grâce, son sourire, sa mélancolie… comme un puits sans fond ! Une exposition photo idéale et idéalisée, sous forme d’un témoignage, celui d’une époque, d’une innocence et d’une liberté, dont nous rêvons parfois, que nous envions et qui nous inspire et nous aide à vivre sans aucun doute. Une déclaration d’amour aussi à toutes ces icônes de la musique mais également icônes du cinéma. Pour une expérience encore plus immersive, vous pourrez plonger dans l’univers musical de cette exposition en scannant un QR Code qui vous donnera accès à la Playlist «Music & Iconic»… À écouter tout au long de votre parcours. Chaque visiteur devenant ainsi « ACTEUR & ICÔNE MUSICALE » de l’exposition pour la rendre encore plus vivante !

EXPOSITION DU 27 MAI AU 02 JUILLET 2023 DU MARDI AU DIMANCHE DE 14H30 À 19H
CENTRE CULTUREL CHAPELLE SAINTE-ANNE – LA BAULE-ESCOUBLAC – 02.40.23.34.34 – ENTRÉE LIBRE
EN PARTENARIAT AVEC LA GALERIE DE L’INSTANT

La Factory

Pour la quatrième année consécutive aura lieu « La Factory ». Le Festival, soucieux de faire émerger de nouveaux talents, fera participer de jeunes apprentis compositeurs, étudiants en musique de films, issus exceptionnellement cette année du Conservatoire Paul Dukas et du CRR de Paris. Encadré par le compositeur confirmé Emmanuel d’Orlando (« Populaire », « House of time », « Si j’étais un homme »…), ces jeunes compositeurs (Thibault Duclos Malidor, Guillaume Genet, Jazz Roussel, Electra Drossos, Andrew Gebrayel, Basile Andrieu, Jean-Baptiste Vrillon et Alexandre Treille) auront quatre jours pour composer une musique originale sur une œuvre cinématographique déjà existante, issu du catalogue Gaumont. Cette année, c’est une scène de Santa & Cie d’Alain Chabat, dont Matthieu Gonet est le compositeur qui a été sélectionnée. Un Prix de la Révélation Jeune Talent, récompensera la meilleure musique réalisée et sera décerné, lors de la Cérémonie de remise des prix, au meilleur d’entre eux.

Ma vision romanesque du festival

En attendant de pouvoir vous parler de mon nouveau roman qui a en grande partie le festival pour cadre, je vous invite également à écouter ma nouvelle qui se déroule intégralement au Festival de La Baule, Un Certain 14 novembre, publiée dans le recueil de 16 nouvelles sur le cinéma Les illusions parallèles (Editions du 38 - 2016) que j'avais eu le plaisir de dédicacer au festival, une nouvelle enregistrée dans mon podcast In the mood for cinema, composé de 13 fictions littéraires, la plupart lauréates de concours d'écriture. A écouter ici sur Spotify mais aussi sur Deezer, Amazon Music, Google podcasts...

Pour en savoir plus sur le festival

Pour en savoir plus sur le Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule et pour réserver vos pass, rendez-vous aussi sur le site officiel du festival, ainsi que sur le compte Instagram du festival (@festivallabaule).

TARIF PASS FESTIVAL 50 €
PLACE À L’UNITÉ 8 € (5 € tarif réduit)
Concert Kyle EASTWOOD, «Eastwood by Eastwood» & Remise des prix
du Festival – Samedi 1er juillet 2023 – 19H – Palais des congrès – Atlantia
La Baule
TARIF À partir de 55 € (30 € tarif réduit)
INFOS & RÉSERVATIONS WWW.FESTIVAL-LABAULE.COM
ENTRÉE LIBRE POUR L’EXPOSITION « MUSIC & ICONIC » JUSQU’AU 2 JUILLET

Mes bonnes adresses

Retrouvez mes articles sur mes bonnes adresses bauloises, L'hôtel Barrière L'Hermitage et l' Hôtel Royal Thalasso Barrière.

Le 28 juin prochain, les films du Camélia ressortent Le Samouraï dans une version restaurée 4K inédite. L'occasion rêvée de (re)voir le chef-d'œuvre de Jean-Pierre Melville au cinéma.

Jef Costello (Alain Delon) est un tueur à gages dont le dernier contrat consiste à tuer le patron d’une boîte de jazz, Martey. Il s’arrange pour que sa maîtresse, Jane (Nathalie Delon), dise qu’il était avec elle au moment du meurtre. Seule la pianiste de la boîte, Valérie (Cathy Rosier) voit clairement son visage. Seulement, lorsqu’elle est convoquée avec tous les autres clients et employés de la boîte pour une confrontation, elle feint de ne pas le reconnaître… Pendant ce temps, on cherche à  tuer Jef Costello « le Samouraï » tandis que le commissaire (François Périer) est instinctivement persuadé de sa culpabilité qu’il souhaite prouver, à tout prix.

© Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé

Dès le premier plan, Melville parvient à nous captiver et à nous plonger dans une atmosphère, celle d’un film hommage aux polars américains qui est aussi la référence de bien des cinéastes comme Johnny To dans Vengeance dans lequel le personnage principal se prénomme d’ailleurs Francis Costello mais aussi Jim Jarmusch  dans Ghost Dog, la voie du samouraï  sous oublier Michael Mann avec Heat, Quentin Tarantino  avec Reservoir Dogs ou encore John Woo avec The Killer et bien d’autres qui, plus ou moins implicitement, ont cité ce film de référence…et plus récemment encore le personnage incarné par Ryan Gosling dans  Drive présente de nombreuses similitudes avec Costello ou encore celui de Clooney dans The American d'Anton Corbijn.

Ce premier plan, c’est celui du Samouraï à peine perceptible, fumant, allongé sur son lit, à la droite de l’écran, dans une pièce morne dans laquelle le seul signe de vie est le pépiement d’un oiseau, un bouvreuil. La chambre, presque carcérale, est grisâtre, ascétique et spartiate avec en son centre la cage de l’oiseau, le seul signe d’humanité dans cette pièce morte (tout comme le commissaire Mattei interprété par Bourvil dans Le Cercle rouge a ses chats pour seuls amis).  Jef Costello est un homme presque invisible, même dans la sphère privée, comme son « métier » exige qu’il le soit. Le temps s’étire. Sur l’écran s’inscrit « Il n’y a pas de plus profonde solitude que celle du samouraï si ce n’est celle d’un tigre dans la jungle…peut-être… » ( une phrase censée provenir du Bushido, le livre des Samouraï et en fait inventée par Melville). Une introduction placée sous le sceau de la noirceur et de la fatalité comme celui du Cercle rouge au début duquel on peut lire la phrase suivante : "Çakyamuni le Solitaire, dit Siderta Gautama le Sage, dit le Bouddha, se saisit d'un morceau de craie rouge, traça un cercle et dit : " Quand des hommes, même sils l'ignorent, doivent se retrouver un jour, tout peut arriver à chacun d'entre eux et ils peuvent suivre des chemins divergents, au jour dit, inéluctablement, ils seront réunis dans le cercle rouge (Rama Krishna)".

Puis, avec calme et froideur (manière dont il agira tout au long du film), Costello enfile sa « panoplie », trench-coat et chapeau, tandis que son regard bleu acier affronte son image élégante et glaciale dans le miroir. Le ton est donné, celui d’un hiératisme silencieux et captivant qui ne sied pas forcément à notre époque agitée et tonitruante. Ce chef-d’œuvre (rappelons-le, de 1967) pourrait-il être tourné aujourd’hui ? Ce n’est malheureusement pas si certain…

Pendant le premier quart d’heure du film, Costello va et vient, sans jamais s’exprimer, presque comme une ombre. Les dialogues sont d’ailleurs rares tout au long du film mais ils  ont la précision chirurgicale et glaciale des meurtres et des actes de Costello, et un rythme d’une justesse implacable : «  Je ne parle jamais à un homme qui tient une arme dans la main. - C’est une règle ? -  Une habitude. » Avec la scène du cambriolage du Cercle rouge (25 minutes sans une phrase échangée), Melville confirmera son talent pour filmer le silence et le faire oublier par la force palpitante de sa mise en scène. N’oublions pas que son premier long-métrage fut Le silence de la mer.

© Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé

La mise en scène de Melville est un modèle du genre, très épurée (inspirée des estampes japonaises), mise en valeur par la magnifique photographie d’Henri Decae, entre rues grises et désertes, atmosphère âpre du 36 quai des Orfèvres, passerelle métallique de la gare, couloirs gris, et l’atmosphère plus lumineuse de la boîte de jazz ou l’appartement de Jane. Il porte à la fois le polar à son paroxysme mais le révolutionne aussi, chaque acte de Costello étant d’une solennité dénuée de tout aspect spectaculaire.

Le scénario sert magistralement la précision de la mise en scène avec ses personnages solitaires, voire anonymes. C’est ainsi « le commissaire », fantastique personnage de François Périer en  flic odieux prêt à tout pour satisfaire son instinct de chasseur de loup (Costello est ainsi comparé à un loup), aux méthodes parfois douteuses qui fait songer au « tous coupables » du Cercle rouge. C’est encore « La pianiste » (même si on connaît son prénom, Valérie) et Jane semble n’exister que par rapport à Costello et à travers lui dont on ne saura jamais s’il l’aime en retour. Personnages prisonniers d’une vie ou d’intérieurs qui les étouffent, là aussi comme dans Le cercle rouge.

© Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé

Le plan du début et celui de la fin se répondent ainsi ingénieusement : deux solitudes qui se font face, deux atmosphères aussi, celle grisâtre de la chambre de Costello, celle, plus lumineuse, de la boîte de jazz mais finalement deux prisons auxquelles sont condamnés ces êtres solitaires qui se sont croisés l’espace d’un instant.  Une danse de regards avec la mort qui semble annoncée dès le premier plan, dès le titre et la phrase d’exergue. Une fin cruelle, magnifique, tragique (les spectateurs quittent d’ailleurs le « théâtre » du crime comme les spectateurs d’une pièce ou d’une tragédie) qui éclaire ce personnage si sombre qui se comporte alors comme un samouraï sans que l’on sache si c’est par sens du devoir, de l’honneur…ou par un sursaut d’humanité.

© Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé

Que ce soit dans Le Doulos, Le Deuxième souffle et même, dans une autre mesure, L’armée des ombres, on retrouve toujours chez Melville cet univers sombre et cruel, et ces personnages solitaires qui firent dirent à certains, à propos de L’armée des ombres qu’il réalisait un « film de gangsters sous couverture historique » … à moins que ses « films de gangsters » n’aient été à l’inverse le moyen d’évoquer cette idée de clandestinité qu’il avait connue sous la Résistance. Dans les  films ayant précédé à L’armée des ombres  comme Le Samouraï, Melville se serait donc abrité derrière des intrigues policières comme il s’abritait derrière ses indéfectibles lunettes, pour éviter de raconter ce qui lui était le plus intime : la fidélité à la parole donnée, les codes qui régissent les individus vivant en communauté. Comme dans L’armée des ombres, dans Le Samouraï la claustrophobie psychique des personnages se reflète dans les lieux de l’action et est renforcée d’une part par le silence, le secret qui entoure cette action et d’autre part par les «couleurs », terme d’ailleurs inadéquat puisqu’elles sont ici aussi souvent proches du noir et blanc et de l’obscurité. Le film est en effet auréolé d’une lumière grisonnante, froide, lumière de la nuit, des rues éteintes, de ces autres ombres condamnées à la clandestinité pour agir.

Evidemment, ce film ne serait sans doute pas devenu un chef-d’œuvre sans la présence d’Alain Delon (que Melville retrouvera pour Le Cercle rouge, en 1970, puis dans Un flic en 1972) qui parvient à rendre attachant ce personnage de tueur à gages froid, mystérieux, silencieux, élégant, dont le regard, l’espace d’un instant, face à la pianiste, exprime une forme de détresse, de gratitude, de regret, de mélancolie pour ensuite redevenir sec et brutal. N’en reste pourtant que l’image d’un loup solitaire impassible d’une tristesse déchirante, un personnage quasiment irréel (Melville s’amuse d’ailleurs avec la vraisemblance comme lorsqu’il tire sans vraiment dégainer) transformant l’archétype de son personnage en mythe, celui du fameux héros melvillien. 

Avec ce film noir, polar exemplaire, Meville a inventé un genre, le film melvillien avec ses personnages solitaires ici portés à leur paroxysme, un style épuré d’une beauté rigoureuse et froide et, surtout, il a donné à Alain Delon l’un de ses rôles les plus marquants, lui-même n'étant finalement peut-être pas si éloigné de ce samouraï charismatique, mystérieux, élégant et mélancolique au regard bleu acier, brutal et d’une tristesse presque attendrissante, et dont le seul vrai ami est un oiseau. Rôle en tout cas essentiel dans sa carrière que celui de ce Jef Costello auquel Delon lui-même fera un clin d’œil dans Le Battant. Melville, Delon, Costello, trois noms devenus indissociables au-delà de la fiction.

Sachez encore que le tournage se déroula dans les studios Jenner si chers à Melville, en 1967, des studios ravagés par un incendie lors duquel périt le bouvreuil du film. Les décors durent être reconstruits à la hâte dans les studios de Saint-Maurice.

De retour du Festival de Cannes (je vous parlerai des films au fur et à mesure de leurs sorties), je tenais à évoquer les 100 ans des studios Warner Bros (qui furent d'ailleurs célébrés dans le cadre du festival) dont une vingtaine de clichés des films emblématiques décoraient la ville, comme celui ci-dessous, de Casablanca de Michael Curtiz, avec Humphrey Bogart et Ingrid Bergman.

Ces clichés, sélectionnés par Paris Match, seront ensuite exposés à la Galerie Paris Cinéma Club. A l’occasion de cet anniversaire, le public pourra également redécouvrir les grands films, acteurs et réalisateurs ayant marqué l’histoire des studios Warner Bros, de 1923 à nos jours.

Sept chefs-d’œuvre en versions restaurées 4K seront ainsi projetés aux Écoles et une sélection de films au Christine, dès le 7 Juin, les deux cinémas parisiens incontournables pour (re)découvrir des classiques qui passent cependant aussi souvent à la télévision pour ceux qui n’ont pas la chance d’être parisiens : cliquez ici pour découvrir ceux actuellement diffusés.

La Warner, dans les années 1940, donne ainsi aux grands genres hollywoodiens, du western au film noir, plusieurs de ses chefs-d’œuvre puis elle se réinvente et devient l’un des fers de lance du Nouvel Hollywood. Elle continue à proposer aujourd’hui des œuvres singulières et spectaculaires destinées avant tout au grand écran,  notamment grâce à des sagas cinématographiques rapidement devenues légendaires et  grâce au soutien indéfectible aux grands cinéastes.

Aux Écoles, redécouvrez les 7 chefs-d'œuvre suivants en versions restaurées 4K inédites :

LA SPLENDEUR DES AMBERSON de Orson Welles

QUAND LA VILLE DORT de John Huston

UN HOMME DANS LA FOULE de Elia Kazan

A STAR IS BORN de William A. Wellman

ARSENIC ET VIEILLES DENTELLES de Frank Capra

LUKE LA MAIN FROIDE de Stuart Rosenberg

L'INSOUMISE de William Wyler 

Au Christine, une rétrospective en deux parties consacrée aux films emblématiques des archives de la Warner parmi lesquels de nombreux chefs-d’œuvre, de Citizen Kane aux Affranchis en passant par La Fureur de vivre). A partir du 7 juin, au Christine, sera projetée une première sélection des archives de la Warner. Elle sera suivie d'une deuxième partie à partir du 2 août.

À partir du 7 juin 2023, la filiale française du studio va proposer dans toute la France Warner Bros 100, une exploration en 11 films de la riche histoire de la major centenaire.  Un film par décennie, comme autant d’étapes dans l’Histoire du cinéma, pour une rétrospective emblématique, à commencer par le premier film sonore, et notamment avec des scènes parlées : Le Chanteur de jazz d’Alan Crosland. Les autres films sont les suivants : 42e rue de Lloyd Bacon, Casablanca de Michael Curtiz, Rio Bravo de  Howard Hawks,  2001 L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick, Blade Runner de  Ridley Scott, L’Exorciste de William Friedkin, Les Affranchis de Martin Scorsese,  Gran Torino de Clint Eastwood, Inception de Christopher Nolan, Joker de Todd Phillips.

Et puisque je vous en parlais en préambule et qu'il sera dès cette semaine projeté dans 88 salles dans toute la France, et notamment dans un des deux cinémas parisiens précités, quelques mots sur l'un d'entre eux, Casablanca de Michael Curtiz, à (re)voir absolument (comme tous les films de cette liste !).

Le charme troublant de ce couple de cinéma mythique et le charisme ensorcelant de ceux qui les incarnent, la richesse des personnages secondaires,  a cosmopolite Casablanca, la musique de Max Steiner, la voix de Sam douce et envoûtante chantant le nostalgique As time goes by, la menace de la guerre lointaine et si présente, la force et la subtilité du scénario (signé Julius et Philip Epstein d’après la pièce de Murray Burnett et Joan Alison Everybody comes to Rick’s), le dilemme moral, la fin sublime, l’exaltation nostalgique et mélancolique de la force du souvenir et de l’universalité de l’idéalisme (amoureux, résistant) et du combat pour la liberté font de ce film un chef-d’œuvre…et un miracle quand on sait à quel point ses conditions de tournage furent désastreuses. La magie du cinéma, tout simplement, comme le dit Lauren Bacall : « On a dit de Casablanca que c’était un film parfait évoquant l’amour, le patriotisme, le mystère et l’idéalisme avec une intégrité et une honnêteté que l’on trouve rarement au cinéma. Je suis d’accord. Des générations se plongeront dans le drame du Rick’s Café Américain. Et au fil du temps, le charme de Casablanca, de Bogey et de Bergman continuera à nous ensorceler. C’est ça, la vraie magie du cinéma ».

Cette 76ème édition a été à l’image de sa cérémonie d’ouverture : d’une grande sobriété et élégance. Ce « cru » 2023 fut particulièrement exceptionnel avec d’immenses films qui resteront indéniablement dans l’histoire du cinéma. Une histoire que Cannes continue d’écrire, éditions après éditions.

Le Jury de ce 76ème Festival de Cannes, présidé par le réalisateur suédois Ruben Östlund, entouré de la réalisatrice marocaine Maryam Touzani, l’acteur français Denis Ménochet, la scénariste et réalisatrice britanico-zambienne Rungano Nyoni, l’actrice et réalisatrice américaine Brie Larson, l’acteur et réalisateur américain Paul Dano, l’écrivain afghan Atiq Rahimi, le réalisateur argentin Damián Szifron, ainsi que la réalisatrice française Julia Ducournau, a donc remis son palmarès parmi les 21 films présentés en Compétition cette année. Un palmarès qui me réjouit tout particulièrement puisqu’y figurent tous les films pour lesquels j’ai partagé ici mon enthousiasme au cours de ces 11 jours, au premier rang desquels la palme d’or décernée à Justine Triet pour Anatomie d’une chute, devenant ainsi la 10ème palme d'or française, un film palpitant sur le doute, le récit, la vérité, la complexité du couple, et plus largement des êtres. Un film qui fait une confiance absolue au spectateur. Un film dont le rythme ne faiblit jamais, que vous verrez au travers du regard de Daniel, l'enfant que ce drame va faire grandir violemment, comme lui perdu entre le mensonge et la vérité, juge et démiurge d’une histoire qui interroge, aussi, avec maestria, les pouvoirs et les dangers de la fiction.

Je me réjouis également du Grand Prix décerné à The Zone of interest dans lequel Jonathan Glazer prouve d’une nouvelle manière, singulière, puissante, audacieuse et digne, qu’il est possible d’évoquer l’horreur sans la représenter frontalement, par des plans fixes, en nous en montrant le contrechamp, reflet terrifiant de la banalité du mal, non moins insoutenable, dont il signe une démonstration implacable. Cette image qui réunit dans chaque plan deux mondes qui coexistent et dont l’un est une insulte permanente à l’autre est absolument effroyable.  Si cette famille nous est montrée dans sa quotidienneté, c’est avant tout pour nous rappeler que la monstruosité peut porter le masque de la normalité. L’intelligence réside aussi dans la fin, qui avilit le monstre et le fait tomber dans un néant insondable tandis que nous restent les images de ce musée d’Auschwitz dans lequel s’affairent des femmes de ménage, au milieu des amas des valises, de chaussures et de vêtements, et des portraits des victimes. C’est d’eux dont il convient de se souvenir. De ces plus de cinq millions de morts tués, gazés, exterminés, parfois par des journées cyniquement ensoleillées. Un passé si récent comme nous le rappellent ces plans de la maison des Höss aujourd’hui transformée en mémorial. Une barbarie passée contre la résurgence de laquelle nous avons encore trop peu de remparts. Le film s’achève par un écran noir accompagné d’une musique lugubre, là pour nous laisser le temps d’y songer, de nous souvenir, de respirer après cette plongée suffocante, et de reprendre nos esprits et notre souffle face à l’émotion qui nous submerge. Un choc cinématographique. Un choc nécessaire. Pour rester en alerte. Pour ne pas oublier les victimes de l’horreur absolue mais aussi que le mal peut prendre le visage de la banalité. Un film brillant, glaçant, marquant, incontournable. Avec ce quatrième long-métrage (après Sexy Beast, Birth, Under the skin) Jonathan Glazer a apporté sa pierre à l'édifice mémoriel. De ce film, vous ne ressortirez pas indemnes. Vous ne pourrez pas (l') oublier. Voyez-le, impérativement.

Le jury du prix CST de l’artiste-technicien a également décerné le prix 2023 à Johnnie Burn, Sound Designer et Chef monteur son du film. « Sa création sonore incarne, par l’hors-champ, l’horreur du génocide et questionne notre humanité » a ainsi déclaré le jury. Je vous avais ainsi parlé l’autre jour du rôle primordial que joue le son dans ce film. D’abord, ces notes lancinantes et douloureuses, avant même la première image, qui viennent déjà heurter notre tranquillité, nous avertir que la sérénité qui lui succèdera sera fallacieuse. Avant même le premier plan, ce qui nous interpelle, c’est le son, incessant, négation permanente de la banalité des scènes de la maisonnée. C’est le bruit d’un wagon. Ce sont des cris étouffés. Ce sont des coups de feu. Ce sont des aboiements. Ce sont ces ronronnements terrifiants et obsédants des fours crématoires. Mais c’est l’arrière-plan aussi qui teinte d’horreur tout ce qui se déroule au premier, cette indifférence criante qui nous révulse. Je ne saurais citer un autre film dans lequel le travail sur le son est aussi impressionnant que dans ce film, la forme sonore tellement au service du fond : cette dichotomie permanente entre ce vacarme et l’indifférence qu’il suscite. Ce grondement incessant qui nous accompagne des jours après. Les musiques composées par Mica Levi et les sons du concepteur sonore Johnnie Burn sont pour beaucoup dans la singularité de cette œuvre et dans sa résonance. Ces dissonances qui constamment nous rappellent que tout cela n'a rien de normal, qui nous oppressent. 

Je vous avais également parlé de la beauté et de la drôlerie désespérée du film de Aki Kuarismäki qui a reçu un prix du jury, là aussi, amplement mérité.

L’admirable scénario du film Monster de Kore-eda a également été récompensé à juste titre. C’est la première fois, depuis son premier long métrage en 1995 que Kore-eda réalise un film dont il n’a pas écrit le scénario même s’il a contribué aux recherches sur place pour développer le script dont l’intrigue se déroule à Suwa, dans la préfecture de Nagano. Et quel scénario ! Au-delà de la réalisation, toujours très inspirée, signifiante et juste, c’est ici la grande force du film. D’apparence classique, il se révèle aussi limpide que labyrinthique pour nous ramener à la sortie du tunnel (au sens propre comme au sens figuré), et à la source du secret qu’il traque comme dans un polar, celui des mystères de l’adolescence mais aussi de la fausse innocence de certains adultes.

Je me réjouis également du Prix d’interprétation masculine pour Koji Yakusho dans le film de Wim Wenders, Perfect days. Il est remarquable dans ce rôle si solaire de cet homme souvent méprisé, mais attentif à tout et tous, dont de petites touches (de rencontres, de rêves, de regards, de silences) nous révèlent le passé et l’émouvante personnalité. 

Oublié de ce palmarès, le magistral film de Kaouther Ben Hania, Les Filles d’Olfa qui a heureusement reçu l’œil d’or du documentaire et le Prix de la Citoyenneté. Un documentaire qui ne cède jamais au manichéisme, et qui brouille intelligemment la frontière entre réalité et fiction, pour mieux enfanter la vérité, est aussi original que fascinant, citoyen, instructif et poignant.

Enfin, je me réjouis que le jury 2023 du PRIX CST de la Jeune Technicienne ait été attribué à Anne-Sophie Delseries, cheffe décoratrice du film Le Théorème de Marguerite pour lequel j’avais partagé ici également mon enthousiasme suite à sa projection. « Grâce à la délicatesse de son travail, Anne-Sophie Delseries est parvenue à donner naissance à un troisième personnage incontournable à la narration du film » a ainsi déclaré le jury.

 PALMARES COMPLET

LONGS MÉTRAGES

Palmarès 2023

PALME D’OR

ANATOMIE D’UNE CHUTE réalisé par Justine TRIET

GRAND PRIX

THE ZONE OF INTEREST réalisé par Jonathan GLAZER

PRIX DE LA MISE EN SCÈNE

TRAN ANH Hùng pour LA PASSION DE DODIN BOUFFANT

PRIX DU JURY

KUOLLEET LEHDET (LES FEUILLES MORTES) réalisé par Aki KAURISMÄKI

PRIX DU SCÉNARIO

SAKAMOTO Yuji pour KAIBUTSU (MONSTER) réalisé par KORE-EDA Hirokazu

PRIX D’INTERPRÉTATION FÉMININE

Merve DIZDAR dans KURU OTLAR USTUNE (LES HERBES SÈCHES) réalisé par Nuri Bilge CEYLAN

PRIX D’INTERPRÉTATION MASCULINE

Koji YAKUSHO dans PERFECT DAYS réalisé par Wim WENDERS

COURTS MÉTRAGES

Palmarès 2023

PALME D’OR

27 de Flóra Anna BUDA

MENTION SPÉCIALE

FÁR réalisé par Gunnur MARTINSDÓTTIR SCHLÜTER

UN CERTAIN REGARD

Palmarès 2023

PRIX UN CERTAIN REGARD

HOW TO HAVE SEX réalisé par Molly MANNING WALKER

PRIX DU JURY

LES MEUTES réalisé par Kamal LAZRAQ

PRIX DE LA MISE EN SCÈNE

Asmae EL MOUDIR pour KADIB ABYAD (LA MÈRE DE TOUS LES MENSONGES)

PRIX DE LA NOUVELLE VOIX

AUGURE réalisé par BALOJI

PRIX D’ENSEMBLE

CROWRÃ (LA FLEUR DE BURITI) réalisé par João SALAVIZA & Renée NADER MESSORA

PRIX DE LA LIBERTÉ

GOODBYE JULIA réalisé par Mohamed KORDOFANI

LA CINEF

Palmarès 2023

PREMIER PRIX

NORWEGIAN OFFSPRING réalisé par Marlene Emilie LYNGSTAD

Den Danske Filmskole, Danemark

DEUXIÈME PRIX

HOLE réalisé par HWANG Hyein

Korean Academy of Film Arts, Corée du Sud

TROISIÈME PRIX

AYYUR (LUNE) réalisé par Zineb WAKRIM

ÉSAV Marrakech, Maroc

CAMÉRA D'OR

Palmarès 2023

BÊN TRONG VO KEN VANG (L’ARBRE AUX PAPILLONS D’OR) de THIEN AN PHAM

Quinzaine des Cinéastes

L’ŒIL D'OR - ANNÉE DU DOCUMENTAIRE EX ÆQUO

Palmarès 2023

LES FILLES D’OLFA réalisé par Kaouther BEN HANIA

KADIB ABYAD (LA MÈRE DE TOUS LES MENSONGES) réalisé par Asmae EL MOUDIR

COMMISSION SUPÉRIEURE TECHNIQUE

Palmarès 2023

Le jury du prix CST de l’artiste-technicien décerne le prix 2023 à Johnnie Burn, Sound Designer et Chef monteur son du film THE ZONE OF INTEREST de Jonathan Glazer. Sa création sonore incarne, par l’hors-champ, l’horreur du génocide et questionne notre humanité. Le jury 2023 du PRIX CST de la Jeune Technicienne a retenu Anne-Sophie Delseries, cheffe décoratrice du film LE THÉORÈME DE MARGUERITE. Grâce à la délicatesse de son travail, Anne-Sophie Delseries est parvenue à donner naissance à un troisième personnage incontournable à la narration du film. »

Je vous parle chaque année du Prix de la Citoyenneté du Festival de Cannes, décerné à un des films de la compétition officielle. L’an passé, le jury du Prix de la Citoyenneté avait couronné un film iranien, le magistral, suffocant et bouleversant Leila et ses frères de Saeed Roustaee. Ce prix met en avant des valeurs humanistes, universalistes et laïques. Il célèbre l'engagement d'un film, d'un réalisateur et d'un scénariste en faveur de ces valeurs. Je vous recommande ainsi les pages passionnantes du site officiel du Prix de la Citoyenneté qui les définissent. Les films suivants ont reçu le Prix de la Citoyenneté les années passées : Capharnaüm de Nadine Labaki (2018), Les Misérables de Ladj Ly (2019), Un héros de Asghar Farhadi (2021), Leila et ses frères de Saeed Roustaee (2022). Pour en savoir plus sur le Prix de la Citoyenneté, rendez-vous sur le site officiel du prix.

Pour sa cinquième édition, le Prix de la Citoyenneté a donc été attribué au film tunisien de Kaouther Ben Hania, Les filles d’Olfa. Le jury du Prix de la Citoyenneté 2023, présidé par Maria de Medeiros, a également décidé de décerner une mention spéciale au film Jeunesse de Wang Bing, mettant ainsi doublement le documentaire à l’honneur, genre souvent délaissé par le Festival de Cannes. Si certains doutaient que le genre du documentaire puisse témoigner d’un univers et du regard d’un cinéaste, et qu’il puisse être véritablement une œuvre filmique, alors le film de Kaouther Ben Hania devrait définitivement les convaincre du contraire.

Si le jury présidé par Ruben Östlund n’a attribué aucune récompense à ce cinquième long-métrage de la réalisatrice tunisienne, cette dernière reviendra néanmoins de Cannes avec 4 prix. En plus du Prix de la Citoyenneté, elle a ainsi reçu le Prix du Cinéma Positif, l’Œil d’or du meilleur documentaire et la mention du Prix François Chalais. La singularité, la force et l’audace de cette œuvre justifient amplement ces différentes récompenses. Bien que les sujets et les cadres de ces deux films soient bien différents, comme la palme d’or dévolue cette année à Justine Triet, le film de Kaouther Ben Hania explore les notions de mensonge et de vérité, et l’idée de réécriture de sa propre histoire, celle d’une écrivaine soupçonnée de meurtre dans le premier cas, celle d’une mère (Olfa) dont deux des quatre filles ont été, selon ses propres termes, « dévorées par le loup ».

Le dispositif original et hybride de la réalisatrice consiste à ce que la mère (Olfa) et ses deux filles (Eya et Tayssir), les benjamines, nous racontent l’histoire de la disparition des deux aînées (Rhama et Ghofrane). Trois comédiennes se joignent également à elles : Hend Sabri dans le rôle d’Olfa et deux actrices dans les rôles des aînées disparues, Nour Karoui et Ichraq Matar. La réalisatrice a eu l’idée de ce dispositif pour faire surgir une vérité, et pour que la mère ne surjoue pas ou ne réécrive pas trop la réalité. Olfa, bien consciente de cette possibilité de romancer sa réalité, se compare d’ailleurs à Rose dans Titanic.  « Elle raconte son histoire et des acteurs vont jouer cette histoire. Donc je suis Rose. » résume-t-elle.

Plusieurs modes de narration se superposent ainsi : les souvenirs d’Olfa et ceux de ses deux filles cadettes encore présentes, face caméra, une reconstitution de leurs souvenirs qu’elles rejouent, les scènes reconstituées jouées par les comédiennes qui incarnent les sœurs ainées disparues, les scènes rejouées par Olfa elle-même, les scènes reconstituées jouées par la doublure d’Olfa. Tout cela aurait pu devenir extrêmement complexe et confus. Au contraire, en ressort une extrême limpidité qui contribue au surgissement d’une vérité.

L’histoire d’Olfa et de ses filles avait été fortement médiatisée en Tunisie, il y a quelques années. Cette mère célibataire de quatre filles, qui travaille comme femme de ménage, faisait alors le tour des émissions pour évoquer ses deux filles disparues qui ont fui en Libye rejoindre « le loup », en réalité radicalisées.  C’est à ses contradictions, entre obscurité et lumière, violence, amour et espoir que s’est intéressée la réalisatrice. Cette dichotomie entre ombre et lumière est astucieusement illustrée par la réalisation, et surtout par la photographie (de Farouk Laaridh). Chaque plan mériterait que l’on s’y attarde, et notamment le recours aux couleurs : blanc, noir avec des touches de rouge qui apparaissent comme des étincelles d’espoir ou de gaieté.

L’utilisation du décor est aussi particulièrement judicieuse. La réalisatrice dit ainsi s’être inspirée du décor unique de Dogville de Lars von Trier et, comme dans Dogville, ce qui se dit et se « joue » devant nous est tellement captivant et brillamment mis en scène que l’environnement disparaît presque et importe finalement peu. C’est d’ailleurs cette confiance dans le spectateur et dans la force évocatrice et cathartique du cinéma qui constitue une des grandes richesses du film.

 Pour montrer l’absence des hommes dans la vie des cinq femmes mais aussi peut-être pour les rendre insignifiants, uniformes, unis dans la même violence ou impuissance, un seul acteur (Majd Mastoura) joue tous les hommes de l’histoire. Le dispositif est d’une telle puissance et fait surgir des moments d’une telle intensité qu’il ne parviendra pas à rejouer une scène particulièrement éprouvante.

Le « personnage » d’Olfa est passionnant par son ambiguïté, sa complexité, ses zones d’ombre. Si le film interroge la notion de vérité, il nous interpelle aussi sur le cycle de la violence, celle-ci se reproduisant de générations en générations. La reconstitution de la nuit de noces d’Olfa est effroyable mais témoigne aussi de ce jeu troublant avec la vérité. Olfa met alors en scène les comédiens et la façon dont elle l’envisage témoigne autant de la violence qu’elle a subie que de celle qu’elle porte désormais en elle. De victime du patriarcat, elle est passée à celle qui le défend, dirigeant le corps et le destin de ses filles, considérant leurs corps comme « dangereux », devenant possessive et dirigiste, jusqu’à l’extrême, jusqu’à la violence.

Les reconstitutions sont d’autant plus troublantes que les deux cadettes ont atteint l’âge qu’avaient les aînées lors de leur départ. En les confrontant à celles qui les incarnent, c’est comme si un lien plus fort encore, gémellaire, les unissaient, mais aussi comme si elles se voyaient dans un miroir.

Les béances que le film explore ne sont pas seulement celles de la famille mais aussi celles de la Tunisie, qui apparaît comme une société encore très patriarcale. Sous Ben Ali, le voile étant interdit, les filles et notamment les deux ainées d’Olfa considèrent alors comme un acte de rébellion de l’arborer, et comme un signe paradoxal de leur liberté, de résistance à leur mère qui reproduit sur elles les violences qu’elle a elle-même subies (la reconstitution de la scène lors de laquelle elle frappe une de ses filles est effroyable).

Cette mise en abyme, cette théâtralisation du réel est aussi intéressante pour les questions avec lesquelles elle nous laisse et que cela fait émerger, les doutes sur la réécriture de la réalité également. Finalement, c’est aussi à une « anatomie d’une chute » que procède Kaouther Ben Hania, presque une enquête pour comprendre comment deux jeunes filles gaies et lumineuses ont pu ainsi se radicaliser, se tourner vers la noirceur, l’obscurantisme et la violence aveugle et inouïe. La musique d’Amine Bouhafa amplifie encore l’émotion. Par ce dispositif, la réalisatrice exalte aussi le rôle de la parole, là où elle n’était plus possible avec celles qui ne voulaient plus entendre que leur vérité, dogmatique. Le dernier regard face caméra nous hantera longtemps et renforce nos interrogations. Ce documentaire qui ne cède jamais au manichéisme, et qui brouille intelligemment la frontière entre réalité et fiction, pour mieux enfanter la vérité, est aussi original que fascinant, citoyen, instructif et poignant.

Je découvre ce film en « rattrapage » le dernier jour du Festival de Cannes, quelques heures avant la clôture, et j’en suis sortie bousculée, heurtée par la lumière réconfortante du Sud après cette plongée dans cette histoire qui m’avait totalement happée. La récompense cannoise suprême serait amplement méritée pour ce thriller de l’intime qui m’a captivée de la première à la dernière seconde. Comme à l’issue d’un thriller, le film terminé, vous n’aurez qu’une envie : le revoir, pour quérir les indices qui vous auraient échappés. Si la palme d’or était cette année française, le cinéma hexagonal recevrait ainsi pour la onzième fois la prestigieuse récompense, dévolue à une réalisatrice pour la troisième fois de l’histoire du festival après Jane Campion, pour La leçon de piano, en 1993, et après Julia Ducournau, pour Titane, en 2021. Anatomie d’une chute est le quatrième long-métrage de Justine Triet après La bataille de Solférino (2013), Victoria (2016) et Sibyl (2019). Alors qu’un autre film de procès récoltait les louanges des festivaliers, Le procès Goldman de Cédric Kahn, à la Quinzaine des cinéastes, le procès de cette chute a également reçu des avis presque unanimement enthousiastes. Il serait néanmoins très réducteur de définir ce film comme étant uniquement un « film de procès ».

Sandra (Sandra Hüller), Samuel (Samuel Theis) et leur fils malvoyant de 11 ans, Daniel (Milo Machado Graner), vivent depuis un an loin de tout, à la montagne, dans la région dont Samuel est originaire. Un jour, Samuel est retrouvé mort au pied de leur maison. Une enquête pour mort suspecte est ouverte. Sandra est bientôt inculpée malgré le doute : suicide ou homicide ?

Ce sont finalement trois mystères qu’explore le film, contenus dans son titre : le mystère d’un couple, surtout de sa déliquescence, le mystère d’une mort suspecte, le mystère des récits de Sandra, écrivaine. Trois chutes. Le terme chute s’applique ainsi à ces trois mystères. La chute du couple. La chute (physique) qui conduit à la mort de Daniel. La chute d’une œuvre (qu’elle soit romanesque ou cinématographique). C’est donc à cette triple anatomie que nous convie Justine Triet. Et finalement à l’anatomie de celle qui les réunit : le fascinant, intrigant, froid et impénétrable personnage de Sandra. 

Cela commence dans le cadre en apparence serein du chalet familial, par une chute : celle d’une balle dans un escalier, qui en préfigure d’autres. Une jeune universitaire vient interviewer Sandra sur son travail d’écrivaine. Autour d’un verre, une joute verbale s’installe, non dénuée de séduction. Cette dernière répond de manière évasive, et dans ses réponses et sa manière de répondre, déjà, s’instaure un certain malaise qui s’accroît lorsque Samuel, invisible, à l’étage, met une musique assourdissante (une version instrumentale du P.I.M.P de 50 Cent , P.I.M.P de Bacao Rhythm et Steel Band) qu’il écoute en bouche tout en rénovant les combles du chalet. Bien qu’absent du cadre, Samuel envahit l’espace. Sandra feint tout d’abord de faire abstraction de cet envahissement sonore qui entrave l’interview, qu’elle doit finalement interrompre. Pour s’échapper de cette cacophonie, le jeune Daniel part sortir son chien. C’est là qu’il découvrira le corps sans vie de son père.

Le personnage de Sandra est absolument passionnant, celui d’une femme libre, à la personnalité retorse. C’est finalement cette personnalité qui semble être disséquée et désapprouvée lors du procès parce qu’elle n’entre pas dans les cases. Dans la vie d’une romancière, on préfère ainsi imaginer qu’elle « tue le héros de son roman » plutôt  « qu’un banal suicide» de son mari. Sa froideur et sa distance la rendent rapidement suspecte aux yeux du procureur qui n'aura de cesse de prouver sa culpabilité. Incarné par Antoine Reinartz, il s’acharne sur elle avec une rare violence. Son récit à lui est parfaitement manichéen. Sandra fait une « bonne coupable », une parfaite « méchante » pour que soit raconté « le bon récit », celui de l’écrivaine meurtrière.

L’aveugle est finalement le seul à (sa)voir. Plus que de vérité, il est question de réécriture de la vérité, de choix de récit et c’est avant tout cela qui rend cette histoire passionnante. Elle questionne constamment cette notion de vérité et d’écriture. Le récit appartient alors à Daniel. C’est à lui que reviendra de choisir le récit officiel. Autopsie d’un meurtre d’Otto Preminger (film prenant avec James Stewart, que je vous recommande au passage) dont le titre a inspiré celui du film de Justine Triet, interrogeait lui aussi cette notion de vérité. Dans Sibyl, Virginie Efira incarne une romancière reconvertie en psychanalyste. Rattrapée par le désir d'écrire, elle décide de quitter la plupart de ses patients. Là aussi, elle va réécrire une réalité…

La dissection du couple est également particulièrement passionnante, notamment une scène de dispute pendant laquelle vous retiendrez votre souffle (ce ne sera d’ailleurs pas la seule). Est ainsi disséquée la complexité des rapports qu’entretiennent Sandra et Samuel, constitués de rancœurs, de jalousie aussi, d’inégalité. L’un et l’autre puisent dans la vie, dans leur vie, pour écrire, l’une avec plus de succès que l’autre. Samuel veut faire de la vie de son couple la matière de son roman, il enregistre d’ailleurs leurs conversations. Le scénario, habile et ciselé, inverse les rôles stéréotypés qu’offre la plupart des récits. C’est elle qui réussit et vit de sa plume (lui n’est qu’un professeur qui tente d’écrire). C’est lui qui est en mal de reconnaissance. C’est en cela aussi que l’on fera son procès, on lui reproche de n’être finalement pas à sa place.

Sandra Hüller, présente dans deux films en compétition cette année à Cannes (l’autre était The Zone of Interest de Jonathan Glazer), révélée à Cannes en 2016 dans Toni Erdmann, est impressionnante d’opacité, de froideur, de maitrise, d’ambiguïté. Justine Triet a écrit le rôle pour elle et elle l’incarne à la perfection.  « J’ai écrit pour elle, elle le savait, c’est une des choses qui m’ont stimulée dès le départ. Cette femme libre qui est finalement jugée aussi pour la façon qu’elle a de vivre sa sexualité, son travail, sa maternité : je pensais qu’elle apporterait une complexité, une impureté au personnage, qu’elle éloignerait totalement la notion de « message » a ainsi déclaré Justine Triet.

Swann Arlaud (Petit paysan, Grâce à Dieu, Vous ne désirez que moi…), pour moi un des meilleurs acteurs de sa génération, est également  d’une rare justesse dans le rôle de l’avocat, sensible, très impliqué, qui fut sans doute plus qu’un ami, ce qui donne une fragilité intrigante à son personnage, instillant un trouble dans leurs relations.

Justine Triet a fait le choix de ne pas mettre de musique additionnelle, néanmoins la musique du début nous hante, contrebalancé par le prélude de Chopin que Daniel joue au piano.

Justine Triet et Arthur Harari (coscénariste) livrent un film palpitant sur le doute, le récit, la vérité, la complexité du couple, et plus largement des êtres. Un film qui fait une confiance absolue au spectateur. Un film dont le rythme ne faiblit jamais, que vous verrez au travers du regard de Daniel, l'enfant que ce drame va faire grandir violemment, comme lui perdu entre le mensonge et la vérité, juge et démiurge d’une histoire qui interroge, aussi, avec maestria, les pouvoirs et les dangers de la fiction.

Paris, métro bondé, un soir comme les autres.
Une femme bouscule un homme, ils se disputent. Très vite le courant électrique se transforme… en désir brûlant. Les deux inconnus sortent de la rame et font l’amour dans la cabine d’un photomaton.
La nuit, désormais, leur appartient.
Dans ce Paris aux rues désertées, aux heures étirées, faudra-t-il se dire au revoir ?

On songe évidemment à Before Sunrise de Richard Linklater mais aussi au moins connu et non moins excellent After, avec Raphaël Personnaz et Julie Gayet, de Géraldine Maillet qui explorait également déjà cette idée de la nuit comme vecteur de rencontre et comme instrument de suspension de vol du temps.

 La nuit, le temps semble en effet s’étirer, et être le moment de tous les possibles (ceux de la jeunesse retrouvée), toutes les libertés et de toutes les audaces, de l’oubli de la rude réalité et des drames que le jour viendra réveiller de sa lumière crue.

Entre maladresse et audace, ces deux-là vont se livrer comme ils ne l’ont jamais fait, réécrire et réinventer leur nuit, laisser affleurer leurs fragilités, mais surtout disserter sur leur couple et faire le bilan de leur vie. Peu à peu, ils se dépouillent du masque des apparences (au propre comme au figuré : ils empruntent des vêtements à des étudiants, se débarrassent de leurs portables, perdent leurs portefeuilles…). Parfois l’incongruité s’en mêle, ou la poésie le temps d’une rencontre avec un cheval.

Même au milieu des autres, ils semblent couper du monde, dans leur bulle onirique, que ce soit dans un parc, un magasin de meubles ou une soirée étudiante. La caméra filme au plus près leurs visages, leur fugue et leur fouge.

Les logorrhées désordonnées du personnage incarné par Alex Lutz font penser à Woody Allen comédien dans ses propres films, de même que leurs conversations pseudo-psychanalytiques débridées sur le couple rappellent évidemment les longs-métrages du cinéaste américain.

Le « twist » final que de multiples indices disséminés dès le début mais aussi le jeu des deux comédiens auront permis aux plus attentifs de deviner, apporte un autre éclairage, romantique et dramatique, à cette histoire. Si elle n’a pas l’inventivité de Guy, cette promenade nocturne dans les rues de Paris n’en est pas moins émouvante et la nuit parisienne le terrain de jeu de deux talentueux comédiens dont le plaisir à écrire et jouer ensemble transpire dans chaque plan.

PALMARES UN CERTAIN REGARD

Prix Un Certain Regard

HOW TO HAVE SEX réalisé par Molly Manning Walker

1er film

Prix de la Nouvelle Voix

AUGURE réalisé par Baloji

1er film

Prix d’Ensemble

CROWRÃ (LA FLEUR DE BURITI) réalisé par João Salaviza & Renée Nader Messora

Prix de la Liberté

GOODBYE JULIA réalisé par Mohamed Kordofani

1er film

Prix de la Mise en Scène

Asmae El Moudir pour KADIB ABYAD

(LA MÈRE DE TOUS LES MENSONGES)

Prix du Jury

LES MEUTES réalisé par Kamal Lazraq

1er film