Par ce bilan, une semaine après la clôture de ce 64^ème Festival de Cannes, je vais tenter de répondre à cette question qui revient chaque jour, et qui me replonge délicieusement mais avec nostalgie dans mes nombreux souvenirs, et à laquelle je ne peux bien souvent répondre par autre chose que par un large sourire énigmatique ou un galimatias extatique tant ce festival a brassé d’émotions bien souvent ineffables : comment était cette édition 2011 du Festival de Cannes ?  Pas encore tout à fait dégrisée de cinéma, d’illusions, de légèreté, d’esquisses de rêves impossibles, de cette euphorie étrange et jouissive provoquée par ce mélange subtil de cinéma et de vie qui y ressemble là-bas plus qu’ailleurs et qui vous fait oublier la fatigue et le temps qui passe et que cela ne peut durer toujours et qu’il existe un ailleurs où tout ne tourne pas autour du cinéma,  je vais tenter de faire le tri dans mes souvenirs encore joyeusement embrumés.  Sans doute, de loin, le festival ne dure-t-il que onze petits jours mais vécu de l’intérieur l’intensité de chaque journée en fait un tour du monde émotionnel qu’il est bien difficile de retranscrire avec justesse une fois revenue chez soi et à ce que certains appellent réalité (une notion que je revendique de n’appréhender encore pas très bien).

Comment répondre quand tant d’images, de couleurs, de sensations, de musiques, de visages défilent dans mes souvenirs  dont, pour un certain nombre, je me demande s’ils étaient réels ou le fruit de mon imagination  débordante qui, telle celle du héros de Woody Allen, dans « Minuit à Paris », me ferait confondre la réalité et mon « âge d’or »? C’est comme ça que cela a commencé pourtant : par une déclaration d’amour à Paris, au pouvoir de l’illusion, de l’imagination,  à la magie de Paris et du cinéma qui permet de croire à tout, même qu’il est possible au passé et au présent de se rencontrer et s’étreindre, une déclaration d’amour au cinéma  évasion salutaire  «  dans une époque bruyante et compliquée ». Cela a commencé par Mélanie Laurent qui déclarait « Cannes, c’est magique », malgré tout ce qui n’y est pas aussi à Cannes et que, cette année, sans doute ensorcelée par Woody Allen, je n’ai pas vu ou en tout cas ai préféré ignorer : les blasés, ha-ra-ssés, cyniques, las, étrangement amnésiques, et les acharnés à paraître tout cela à la fois. Cela a commencé par la voix entraînante de Jamie Cullum chantant un « New York » qui n’a cessé de m’accompagner, refrain joyeux et teinté d’une douce mélancolie entendu comme une litanie du vip room à la Terrazza Martini, du club Albane au patio Canal + où, au choix, les soirées se terminaient dans un étourdissant tumulte. Oui, une douce mélancolie.  Comme un signe prémonitoire puisque c’est le titre du film de ce festival qui m’a sans doute le plus marquée : « Melancholia », sans doute victime au palmarès des déclarations désastreuses de son réalisateur, après avoir été exclu du festival quelques jours avant la clôture afin que l’œuvre soit dissociée du cinéaste.

 Mais aurait-il été possible de lui attribuer la palme d’or sans entacher l’image du festival ? Il l’aurait pourtant, à mon sens, beaucoup plus méritée que « The Tree of life », le vertige mystique et  poème hypnotique de Terrence Malick à la réalisation  certes d’une virtuosité époustouflante,  aussi fascinant,  audacieux, ambitieux qu’agaçant, qui a aussi le mérite de nous rappeler que le cinéma n’est jamais aussi beau que lorsqu’il est un art insaisissable et non un produit de consommation cadenassé, une expérience cinématographique qui sonde le cosmos avec lyrisme pour appréhender la douleur intolérable de la perte d’un enfant et la vanité, l’absurdité, la brièveté de l’existence.

Mais comment aurais-je pu ne pas être envoûtée par le film de Lars Von Trier, aux accents viscontiens (« Le Guépard » et « Ludwig » ne racontant finalement pas autre chose que la déliquescence d’un monde et d’une certaine manière la fin du monde) étant inconditionnelle du cinéaste italien en question ? Dès la séquence d’ouverture (une succession de séquences et photos sur la musique de Wagner mêlant les images de Justine –Kirsten Dunst et les images de la collision cosmique), j’ai été éblouie, subjuguée. Après cette séquence éblouissante, Lars von Trier nous emmène dans un château en Suède, cadre à la fois familier et intemporel, contemporain et anachronique, lieu du mariage de Justine, hermétique au bonheur. La première partie lui est consacrée tandis que la seconde est consacrée à sa sœur Claire (Charlotte Gainsbourg). La première est aussi mal à l’aise avec l’existence que la seconde semble la maitriser jusqu’à ce que la menaçante planète « Melancholia » n’inverse les rôles, cette planète miroir allégorique des tourments de Justine provoquant chez tous cette peur qui l’étreint constamment, et la rassurant quand elle effraie les autres pour qui, jusque là, sa propre mélancolie était incompréhensible. Melancholia, c’est aussi le titre d’un poème de Théophile Gautier et d’un autre de Victor Hugo (extrait des « Contemplations ») et le titre que Sartre voulait initialement donner à « La nausée », en référence à une gravure de Dürer dont c’est également le titre. Le film de Lars von Trier est la transposition visuelle de tout cela, ce romantisme désenchanté et cruel. C’est aussi  un poème vertigineux, une peinture éblouissante, un opéra tragiquement romantique, bref une œuvre d’art à part entière. Un tableau cruel d’un monde qui se meurt ( dont la première partie fait penser à « Festen » de Vinterberg) dans lequel rien n’échappe au regard acéré du cinéaste : ni la lâcheté, ni la misanthropie, et encore moins la tristesse incurable, la solitude glaçante face à cette « Mélancholia », planète vorace et assassine, comme l’est la mélancolie dévorante de Justine. Lars von Trier parvient de surcroît à instaurer un véritable suspense qui s’achève par une scène redoutablement tragique d’une beauté saisissante aussi sombre que poignante et captivante qui, à elle seule, aurait justifié une palme d’or. Un film inclassable, qui mêle les genres, à contre-courant, à la fois pessimiste et éblouissant, l’histoire d’une héroïne  incapable d’être heureuse dans une époque qui galvaude cet état précieux et rare avec cette expression exaspérante « que du bonheur ». Le jury en a d’ailleurs semble-t-il débattu. Ainsi, selon Olivier Assayas, lors de la conférence de presse du jury : « En ce qui me concerne, c’est un de ses meilleurs films. Je pense que c’est un grand film. Je pense que nous sommes tous d’’accord pour condamner ce qui a été dit dans la conférence de presse. C’est une œuvre d’art accomplie. » Kirsten Dunst incarne la mélancolie à la perfection dans un rôle écrit au départ pour Penelope Cruz. Lui attribuer le prix d’interprétation féminine était sans doute une manière judicieuse pour le jury de récompenser le film sans l’associer directement au cinéaste et à ses propos, lequel cinéaste permet pour la troisième fois à une de ses comédiennes d’obtenir le prix d’interprétation cannois.

Quel casse-tête d’ailleurs que ce palmarès sans doute pour le jury qui, certainement, a dû répondre à cette question : qu’est-ce qu’une œuvre de cinéma ? Evidemment pas forcément le film le plus évident, le plus accessible. Au contraire, peut-être le plus impalpable ? Et à celle-ci : qu’est-ce qu’une palme d’or ? Un film avec une portée sociale, politique, philosophique ? Un film intemporel ? Un film qui exprime une idée ou une situation complexe avec simplicité ? Un film à la réalisation complexe qui exprime une idée simple ? Un film qui échappe à toute catégorisation ? Un film qui porte l’art cinématographique et chacune de ses composantes à son paroxysme ? Un film qui nous transporte, nous éblouit, nous émeut ? Un film qui nous questionne ? Un film qui nous apporte des réponses ? Comment comparer « The Artist » à « The tree of life », « Michael » à « Habemus Papam » ? Comment décider que l’un mérité la récompense suprême et non l’autre ?

Lors de la conférence de presse du jury Robert de Niro a ainsi expliqué le choix du jury pour la palme d’or décernée à « The Tree of life » : « La plupart d’entre nous avons senti que c’était LE film, que cela avait  la grandeur, l’ampleur, l’importance, l’impact, les intentions qui semblaient correspondre à la palme d’or ». Le jury se démarque ainsi des palmes plus politiques ou sociales de ces dernières années, avec un palmarès équilibré et éclectique (peut-être aussi plus consensuel) à l’image de l’édition 2011 qui,  cette année, a réuni tous les genres, tous les styles, tous les tons faisant de cette sélection cannoise 2011 une radiographie magistrale de la diversité, de l’inventivité du cinéma mondial (et par ailleurs de la vitalité du cinéma français). Un cinéma qui s’est beaucoup intéressé à l’enfance meurtrie, au corps malmené, à l’infiniment grand et à l’infiniment petit, à la politique, mais qui, d’une manière ou d’une autre, a fait surgir la « grâce », l’espoir ou la générosité. Une sélection avec un record de films teintés de comédie après une sélection 2010 dont l’âpreté reflétait celle de la crise.

Difficile sans doute pour le jury de ne pas primer « The Artist » de Michel Hazanavicus, film muet en noir et blanc, si différent des films habituellement primés à Cannes, passé à la dernière minute de hors compétition à la compétition. D’autant plus difficile de ne pas primer ce film qu’il s’agit un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice…et donc d’une certaine manière à Cannes. Film éblouissant, réjouissant, émouvant qui convoque de nombreux souvenirs de cinéma. Déclaration d’amour au cinéma qui ressemble à tant de films du passé et à aucun autre film contemporain dont la réalisation est étonnamment inspirée (dans les deux sens du terme d’ailleurs puisque, en conférence de presse, Michel Hazanavicius a revendiqué son inspiration et même avoir « volé » certains cinéastes). Film burlesque, inventif, malin et touchant. Parce que l’émotion n’est pas ce qui prime pour une palme d’or (mais qu’est-ce qui prime pour une œuvre, vaste question…), le jury a choisi de récompenser l’acteur qui l’incarne,  cet « artiste » auquel le film est un hommage.  Une récompense méritée et qui consacre une carrière construite pas-à-pas et qui n’en est sans doute qu’à ses débuts (on évoque maintenant une sélection aux prochains Oscars.  Allez, je prends d’ores et déjà le pari non seulement d’une sélection mais aussi d’un Oscar à la clé ).

Sans doute le choix pour le jury du prix d’interprétation masculine a-t-il été cornélien, Sean Penn métamorphosé, transfiguré dans le film de Paolo Sorrentino, "This must be the place", étant réellement exceptionnel ! Robert De Niro a ainsi déclaré lors de la conférence de presse du jury : «« J’ai beaucoup aimé le film de Sorrentino, je pense que Sean Penn est exceptionnel dans ce film ».    Le film de Sorrentino est ainsi le grand absent de ce palmarès même s’il a reçu le prix du jury œcuménique. Beaucoup de spectateurs ont été décontenancés par le mélange de genres dans l’histoire de ce chanteur de rock déchu, à la fois pathétique, touchant, ridicule, flamboyant, décalé, qui dans la deuxième partie part à la recherche d’un ancien tortionnaire nazi puis qui se transforme en  parcours initiatique. La photographie ( qui fait penser aux peintures de Hopper), l’interprétation, la bande originale, le ton faisaient de ce film un de mes coups de cœur de cette édition 2011 et un prétendant idéal au prix du jury attribué à « Polisse » , le bel hommage de Maïwenn aux policiers de la BPM, à leur dévorant métier et leur dévouement,  un constat effroyable sur la noirceur humaine dont la fin est bouleversante de beauté tragique, ces deux corps qui s’élancent, et font éclater ou taire la vérité, inadmissible, naitre l’espoir ou mourir de désespoir. Un film agaçant, intense, marquant, bouleversant, parfois même (sombrement) drôle.

Si de nombreux habitués étaient en sélection cette année : Moretti, Bilge Ceylan, Almodovar, les Dardenne, Kaurismaki… ils ont une nouvelle fois réussi à me surprendre. Almodovar avec son film le plus sombre, le plus inquiétant, horriblement fascinant, au scénario et à la mise en scène ciselés au scalpel, incroyablement maîtrisé, qui lui aussi mélange les genres avec une habileté déconcertante, se renouvèle sans renier ses thématiques habituelles. Les Dardenne, couronnés du Grand prix pour leur « Gamin au vélo » au contraire avec leur film visuellement le plus lumineux, aussi le plus populaire (pas mon préféré mais où leur direction d’acteur est une nouvelle fois remarquable), un film enragé, énergique, puissant, tendre et lucide  qui a la force et  la beauté sombre d’un concerto de Beethoven et une puissance, une émotion indéniables et qui n’enlèvent rien à la pudeur caractéristique du cinéma des Dardenne qui ont peut-être frôlé une troisième palme d’or…

Autre oublié du palmarès : « Michael » le premier film de Markus Schleinzer sur « les cinq derniers mois de la vie commune forcée d’un garçon de dix ans avec un homme de 35 ans », et qui dresse de cet homme un portrait affreusement normal, effroyablement quelconque, mais surtout sans aucun sensationnalisme, et qui aurait mérité là aussi un prix du jury. Un film fortement influencé par le cinéma de Haneke avec qui il a longtemps travaillé. Souhaitons-lui le même parcours…

Oublié également le  film de Moretti, "Habemus papam", qui aurait mérité un prix du scénario, mon fou rire du festival,  dont Robert de Niro  a dit en conférence de presse : « Michel Piccoli est remarquable, Nani Moretti est exceptionnel. Tout est exceptionnel. Encore une fois nos décisions ont été difficiles à prendre. Il faut bien faire des choix, cela n’enlève rien aux films qui n’ont pas eu de prix. »

Je ne me prononcerai pas sur le prix de la mise en scène attribué à Nicolas Winding  Refn pour « Drive » ni sur le grand prix ex-æquo reçu par  Nuri Bilge Ceylan n’ayant vu ni l’un ni l’autre… même si j’aurais préféré que le prix de la mise en scène soit dévolu à Almodovar qui, cette année encore, passera à côté de la palme d’or, et même du palmarès après son sublime « Etreintes brisées » il y a deux ans qui, déjà, n’avait rien obtenu.

Le prix du scénario est revenu à la comédie maligne de Joseph Cedar « Footnote », un prix justifié pour une comédie israélienne ET universelle.

Dans les autres sélections, j’aurais eu deux coups de cœur : le premier c’est  «La guerre est déclarée » de Valérie Donzelli, projeté en ouverture de la Semaine de la Critique. Une déclaration de guerre mais surtout d’amour. Un hymne à la vie, au courage, à la fugacité du bonheur, un film plein de douce fantaisie, avec une inspiration toujours très truffaldienne, et jamais mièvre.  Mon autre coup de cœur dans les sections parallèles, c’est « Elena »   (qui a reçu le prix spécial du jury Un Certain Regard), troisième long-métrage d’Andreï Zvianguintsev après « Le Retour » et « Le Bannissement », un film à la fois glacial, beau et cruel.

J’aurais vu moins de films sans doute cette année, mais dégusté  chacun d’entre eux et chaque moment de ces 11 jours palpitants et pas seulement dans les salles de cinéma.   De ce festival qui a tenu ses belles promesses, je retiendrai : un petit-déjeuner sur le toit du palais des festivals accueillis par un Thierry Frémaux toujours aussi enthousiaste, de magnifiques rencontres, l’énergie électrique de Keziah Jones, la musique envoûtante de Craig Armstrong, l’envie viscérale d’écrire qui l’emporte toujours, la frustration de ne pas en avoir toujours eu le temps,  les étranges étreintes entre passé et présent (pas seulement dans le film de Woody Allen), le redoutable silence après la frénésie, des discussions à refaire le monde-souvent celui du cinéma- à n’en plus finir à des heures indues et dans des lieux improbables, des soirées sur la plage et notamment à se souvenir des belles choses, des ombres parallèles et toujours mystérieuses, une actualité qui dépassait la fiction , des conférences de presse passionnantes, des amitiés (parfois étrangement) indéfectibles, un bouleversant hommage à Jean-Paul Belmondo et une dernière soirée qui  s’est achevée dans un restaurant à la table à côté de celle de Kirsten Dunst, évadée du film et du dîner de clôture, la réalité rejoignant une dernière fois la fiction, une dernière soirée à se dire si seulement la vie pouvait être toujours ce vertige étourdissant, et  à rêver qu’elle puisse l’être. Et puis des images de cinéma, tant d’images de cinéma à l’aimer plus que jamais à la folie…qu’elles soient en couleur ou en noir et blanc, étourdissantes, fascinantes, terrifiantes, lumineuses, réalistes, poignantes, poétiques comme elles l’ont été tour à tour dans les films de cette édition 2011 qui resteront gravées dans ma mémoire, même un peu endolorie par un tel festival visuel, se mêlant à celles de mon étrange réalité.

 Merci à France 3 pour sa mise en avant dans le documentaire « Cannes à l’envers » diffusé le soir de la clôture, à  France info pour l’interview,  à 20 minutes et à Orange pour la reprise de mes articles et vous pouvez encore me retrouver dans le documentaire « Tous critiques ? » (réalisé à l’occasion des 50 ans de la Semaine de la Critique) le 5 juin à 14H30 et le 11 juin à 19H45 sur ciné cinéma club.  Merci à la Terrazza Martini,  au restaurant de la plage Gray d’Albion, à ADR prod et au palais des festivals pour ce sympathique petit-déjeuner sur le toit du monde du cinéma.

Nous ne connaissons exceptionnellement pas encore les dates du Festival de Cannes 2012 (vraisemblablement à cause des élections) mais vous pourrez bien entendu les retrouver ici dès que ce sera le cas, ainsi que toutes les informations sur le Festival de Cannes 2012, et bientôt de nouvelles critiques de cette édition 2011. Je vous donne également rendez-vous sur In the mood for cinema pour de prochaines pérégrinations festivalières (Paris Cinéma et peut-être Cabourg, mais aussi Dinard et le Festival de Cinéma des Antipodes) et évidemment, comme chaque année, sur  In the mood for Deauville pour le Festival du Cinéma Américain de Deauville au sujet duquel vous pourrez bientôt retrouver de nombreuses informations sur mes différents blogs. Pour ceux qui m’ont suivie en direct sur twitter, retrouvez-moi sur mon autre compte quotidien (@moodforcinema) mais aussi sur mon compte consacré à Deauville (@moodfdeauville ).

Comme chaque année, vous pourrez retrouver ici toutes les informations sur le Festival de Cabourg. En attendant d'en savoir plus sur la programmation( pour les premiers éléments de programmation cliquez ici), voici les noms des premières personnalités attendues...et non des moindres!

Je vous parlais hier d’« Un baiser papillon », le premier film de Karine Silla (dont vous pouvez retrouver ma critique en cliquant ici) découvert en avant-première dans les locaux d’Europacorp, à l’invitation de Way to blue, avant d’avoir le plaisir d’y rencontrer la réalisatrice et un de ses acteurs principaux (et par ailleurs son mari) : Vincent Perez. Ces derniers temps les belles rencontres, notamment avec les équipes de films, se multiplient et c’est à chaque fois pour moi le même mélange de plaisir et d’appréhension. Plaisir de pouvoir échanger sur la genèse d’un film, de partager mon enthousiasme ou mes interrogations. Appréhension de poser des questions maintes fois entendues, appréhension de poser une question maladroite sachant à quel point et à juste titre un artiste est à fleur de peau a fortiori au moment de la sortie d’un film, appréhension de préjugés sur les blogs. Mais le plaisir l’emporte toujours. Et il faut avouer que pour l’instant je n’ai que de bons souvenirs de ce genre de rencontres, les préjugés venant plutôt de journalistes qui ne considèrent pas toujours d’un bon œil cette masse indifférenciée que sont les blogs pour un certain nombre d’entre eux. (je reviens plus tard sur ce sujet à l’occasion de la diffusion du documentaire « Tous critiques ? » dont je n’ai eu le temps de vous parler que brièvement pour l’instant et dans lequel j’interviens sur ce sujet). Après avoir fait connaissance avec les 6 autres blogueurs (que, pour une fois, je ne connaissais pas) dans le hall d’Europacorp où sont diffusées les bandes-annonces de la société (dont la palme d’or « The Tree of life » de Terrence Malick dont je vous ai brièvement parlé à Cannes mais dont vous pourrez retrouver ma critique détaillée demain), direction le restaurant jouxtant le bâtiment principal d’Europacorp.

Vincent Perez ( « Cyrano de Bergerac », « Indochine », « La Reine Margot », « Fanfan la Tulipe », « Demain dès l’aube »…  et mercredi à l’affiche également de « Monsieur Papa » de Kad Merad mais aussi réalisateur  de deux longs-métrages : « Peau d’ange » en 2002 et « Si j’étais toi » en 2007) arrive le premier, souriant, affable, nous saluant un à un, et engageant immédiatement la conversation pressentant sans doute la légère fébrilité de l’assistance et coupant ainsi intelligemment court à tout éventuel malaise ou silence, et évoquant le film avant même que nous abordions le sujet, pour lui un vrai « combat », nous racontant d’emblée qu’il « devait se faire chez Pathé et a été sauvé en distribution au dernier moment chez Europacorp » et nous demandant avec anxiété si nous l’avions vu et aimé (question à laquelle il n’est jamais évident de répondre même quand on a aimé le film, sans donner l’impression de tomber dans la flagornerie). Quelques minutes plus tard Karine Silla (actrice  notamment dans « Je vais te manquer » de Amanda Sthers mais aussi dans  « Il est plus facile pour un chameau », de Valeria Bruni-Tedeschi, également  coscénariste de « Peau d’ange » de Vincent Perez) le rejoint, avec une complicité évidente.

 Comme toujours de la dizaine de questions que j’avais préparées je n’en poserais que 4 ou 5, juge sans appel de la qualité de mes questions, supprimées à la dernière minute par mon propre et impitoyable tribunal, mais ayant eu mes réponses aux principales. Ci-dessous les réponses mêlées à mes propres questions et celles des autres blogueurs. Extraits d’une conversation à bâtons rompues avec un couple engagé, passionné, désireux de partager son enthousiasme pour ce projet porté de longs mois  qui a redoublé mon envie et mon énergie de croire aux miracles, de continuer à travailler obstinément et contre vents et marées et de croire à mes projets et rêves fous et qui m’a permis de constater une fois de plus que le talent est synonyme de modestie et simplicité, ou en tout cas de l’intelligence d’y laisser croire.

 Karine Silla a d’abord évoqué la durée du tournage : 7 semaines après 2 ans et demi « sans interruption », « d’acharnement ».( « Un baiser papillon » étant son premier film, elle n’est pas passée au préalable par la case court-métrage).

Elle est aussi revenue sur le titre (à mon sens d’ailleurs très judicieux qui reflète les idées d’envol, d’espoir, de métamorphose  présentes dans le film mais aussi l’univers coloré de la cinéaste) synonyme du « côté éphémère » des choses. L’atmosphère de conte dans laquelle nous plonge le film et qui adoucit la dureté de certains sujets abordés était pour elle importante, essentiellement concernant les décors « que ce soit pour la chambre de la petite fille » vue à travers son regard ou « lorsque la Tour Eiffel s’illumine. »

Karine Silla a aussi insisté sur l’aspect populaire du film, sur son « amour des gens » qu’elle voulait transmettre, que lui a transmis notamment son grand-père qu’elle accompagnait sur les marchés.  « A chaque fois, je voulais qu’il y ait un impact populaire comme la musique de Vivaldi. J’avais envie de faire un film sur les autres et sur ce qui nous rassemble et non sur ce qui nous divise comme la peur de la mort et de la mort des autres. » « Chaque petit rôle quand on arrivait sur le plateau était pour moi le personnage principal. J’aime les gens profondément. J’ai abordé ces petits rôles de la même façon »

Karine Silla et Vincent Perez sont surtout apparus très déterminés : « On n’a rien lâché », « Ce film était tellement nécessaire, si je ne le faisais pas, je voyais le précipice. » Pour Vincent Perez concernant les thèmes du secret, de la maladie évoqués dans le film : « Ce sont des histoires que tout le monde vit » et pour Karine Silla : «  ce sont des histoires qui, tout au long de notre vie, se sont répétées. »

Concernant ses points communs avec le personnage Vincent Perez a évoqué son côté : « obsessionnel dans mon travail. Mon travail, je le trimballe à la maison. (…)Je n’ai pas envisagé de construire un personnage mais d’être sincère, dans une sincérité. J’ai tendance à me réfugier derrière un personnage, j’ai toujours aimé fabriquer un personnage donc c’est un peu nouveau. »

A propos des voitures brûlées évoquées dans le film: « Ce sujet m’est sensible. On a toujours un fait, un sujet dont tout le monde parle. Cela fait 17 ans que je travaille dans les prisons de France. Cela me donne un autre regard sur la société. J’y vais de façon anonyme»

Karine Silla a également évoqué son travail en amont du tournage : « C’était un scénario fort. C’était mon outil de travail. J’avais besoin de m’appuyer sur le travail. J’ai trop connu la danse pour faire de l’à peu près ». « Trois prises c’était le grand luxe. J’avais fait un plan de travail extrêmement chargé avec des scènes difficiles à faire. J’avais travaillé avec chaque acteur. On avait réglé en amont les problèmes qui auraient pu se poser pendant le film. » « Tout à coup on ose et c’est possible. Ce film m’a donné une confiance folle d’oser. Cela m’a toujours fascinée d’avoir un rêve, d’oser et qu’il se réalise », « Pour moi, la vie c’est le mélange de volonté, de travail, et de miracle. »

Parmi ces miracles, il y a eu notamment la musique, signée Angelo Badalamenti, connu avant tout pour ses musiques de films de David Lynch dont elle rêvait sans en avoir les moyens. Elle lui a envoyé une copie du film à Los Angeles et ce dernier ayant aimé le film lui a « donné » la musique.

Concernant ses références, et à mon évocation de Wong Kar Wai, Karine Silla a confirmé y avoir pensé pour les scènes entre Paul (Jalil Lespert) et Natalya (Véronika Novak).  Vincent Perez lui fait remarquer que la scène du coiffeur pourrait être une scène d’Almodovar.

Karine Silla a également évoqué brièvement son prochain film « Le père noël est africain » avec, notamment, Gérard Depardieu et Vincent Perez,  « toujours sur les relations humaines, toujours avec le même message ».

Ce n’est là qu’un résumé de cet échange de 45 minutes qui, je l’espère, reflètera la générosité, l’empathie, la luminosité, la douceur de ce premier film riche de ses jolies maladresses et à l’image des personnalités de sa réalisatrice et d’un de ses acteurs principaux.

« Un baiser papillon » sort dans 180 salles et 14 sur Paris.

Merci à Way to blue pour l’invitation, à Europacorp pour l’accueil et à Karine Silla Perez et Vincent Perez pour leur disponibilité.   Et rendez-vous mercredi en salles pour découvrir « Un baiser papillon » .

Comme chaque année, vous pourrez retrouver ici le programme complet du Festival du Film de Cabourg (Journées romantiques) qui célèbrera cette année sa 25ème édition et qui aura lieu du 15 au 19 juin 2011. Un festival qui me tient tout particulièrement à coeur depuis ma participation à son jury des courts-métrages en 2002 (et que je vous recommande vraiment autant pour la qualité des films présentés que pour sa convivialité).

Les courts-métrages sélectionnés pour la compétition sont (je vous recommande vraiment les séances des courts-métrages toujours d'excellent niveau à Cabourg):

Aglaée de Rudi Rosenberg

Alexis Ivanovitch vous êtes mon héros de Guillaume Gouix

Cheveu de Julien Hallard

Cinderela de Magali Magistry

Les cybernautes rêvent-ils d'amours digitales  de Gilles Bindi

Douce de Sébastien Bailly

Haram de Benoît Martin

Hymen de Cédric Prévost

J'aurais pu être une pute de Baya Kasmi

Leave not a cloud behind de Pablo Gonzales

Prochainement sur vos écrans de Fabrice Maruca

Le Rodba de Hafsia Herzi

Nous savons également que L'Elève Ducobu de Philippe de Chauveron sera présenté en avant-première le mercredi 15 juin à 14h au Cinéma Le Normandie en présence d'Elie Semoun.

Comme chaque année, vous pourrez vous offrir  un moment privilégié au coeur du Festival en participant à la Soirée des Roses le vendredi 17 juin. (renseignements ici).

En plus des "journées romantiques", vous pourrez vous plonger dans les "journées mexicaines".  Vous pourrez bien entendu trouver ici toutes les informations concernant le festival ainsi que sur son site officiel: Site offficiel du Festival de Cabourg.

En attendant d'en savoir plus sur cette édition 2011, retrouvez mon compte rendu du Festival du Film de Cabourg 2007.

Pas encore tout à fait remise de mes pérégrinations cannoises et me laissant encore bercer par le joyeux, perturbant et irréel brouillard dans lequel elles m’ont plongée, en attendant de vous livrer mon bilan de ce Festival de Cannes 2011, je vous propose une courte critique de film dont je rencontre deux éminents membres de l’équipe cet après-midi.

« Un baiser papillon » est le premier film de Karine Silla Perez (elle vient également d’écrire une pièce de théâtre interprétée par Elsa Zylberstein et Vincent Pérez et intitulée « Le temps qui passe »). Le temps qui passe, tel aurait d’ailleurs également pu s’intituler « Un baiser papillon ».

Synopsis : Billie (Valeria Golino) et Louis (Vincent Perez) forment un couple uni et amoureux, seulement Billie est atteinte d’un cancer et tarde à le révéler à Louis, une maladie qui aura des conséquences sur tout leur entourage, et sur l’envie de vivre et de prendre son envol de chacun…. Marie (Elsa Zylberstein), l'amie de Billie, sa confidente et comédienne reconnue, redouble d'acharnement pour donner la vie tandis qu'Alice (Cécile de France) son infirmière, qui étouffe de plus en plus dans son quotidien, lui maintient que la vie « c'est maintenant et dans l'instant ».

Pour un premier film, Karine Silla Perez n’a pas choisi le genre le plus facile, celui du film choral qui brasse autant de personnages que de sujets et non des moindres (le secret, la vie, l’amour, la mort, l’espoir, l’art, la liberté…), des personnages sur lesquels elle porte un regard tendre, sensible, délicat et bienveillant et qu’elle parvient à nous faire appréhender et aimer en quelques plans : de l’infirmière qui aspire à la liberté au frère de Louis, interprété par Jalil Lespert, l’écorché vif au cœur tendre en passant par les filles de Billie et Louis (les vraies filles de Karine Silla Perez).

 Chaque personnage pourrait donner lieu à un film et c’est ce qui, à la fois, enrichit le film et frustre le spectateur comme le personnage de Samuel (interprété par Nicolas Giraud, également à l’affiche de « Voir la mer » de Patrice Leconte, que je vous recommande) qui ne semble vivre que pour et par Vivaldi et qui succombe au charme d’une violoncelliste qui en fait une interprétation vibrante et passionnée.

Si « Un baiser papillon », est un hymne à la vie, malgré les rudes épreuves de l’existence, c’est aussi à un hymne à l’art qui sublime l’existence malgré les sacrifices qu’il impose. La danse, la musique, le théâtre, la peinture sont ainsi les moyens d’expression respectifs des personnages. L’art qui sublime le présent et donne à  l’éphémère de l’existence des accents d’éternité, judicieuse mise en abyme puisque c'est aussi l'objectif plus ou moins conscient de Karine Silla avec son film. Cet amour de l’art se ressent aussi dans la réalisation très soignée, poétique. A chaque personnage est associée une couleur (rouge pour Marie la passionnée, bleu pour Alide l’infirmière etc). Plus que de forcer le trait, ces couleurs transforment chaque portrait en esquisses délicates tout en assumant les règles du genre (celles du mélo) magnifiant et poétisant l’envol et la métamorphose de chacun des personnages. Elle dépeint ainsi l’existence et leurs existences par petites touches pour en donner un portrait plein d’espoir et coloré.

Ce papillon est fragile, maladroit, fascinant, insaisissable. Karine Sylla Perez dépeint ainsi sa colère contre le malheur avec beaucoup de douceur et de féérie, et orchestre les destins de ses différents personnages avec beaucoup de sensibilité, un conte porté par la poignante musique d’Angelo Badalamenti. J’attends maintenant avec beaucoup d’impatience son prochain film, en espérant qu’il permettra à la chrysalide cinéaste Karine Sylla Perez, à l’univers indéniable mais encore fragile et maladroit, de devenir un flamboyant papillon.

 Sortie en salles le 1^er juin